David Hockney (1937-2026): el artista que nunca dejó de aprender a mirar.  Un genio que revolucionó nuestra forma de observar la luz y la perspectiva, dejando obras maestras atemporales como A Bigger Splash, sus coloridos paisajes y retratos

El pasado 11 de junio falleció en Londres, a los 88 años, David Hockney, una de las figuras más influyentes, queridas e innovadoras del arte contemporáneo. Con su desaparición se cierra una trayectoria de más de seis décadas de creación ininterrumpida, pero también se confirma la permanencia de un legado que transformó para siempre nuestra manera de entender la pintura, la representación y la relación entre el arte y la tecnología. Hockney murió apenas un mes antes de cumplir los 89 años, después de haber trabajado prácticamente hasta el final de su vida.

Una vida dedicada a mirar

David Hockney nació el 9 de julio de 1937 en Bradford, en el seno de una familia de ideas progresistas y espíritu abierto. Estudió en la Royal College of Art, donde comenzó a destacar a principios de los años sesenta como una de las figuras más prometedoras del emergente Pop Art británico.

Desde muy joven rechazó cualquier forma de academicismo rígido. Su pintura ya mostraba dos rasgos que nunca abandonaría: la libertad creativa y una profunda fascinación por el acto de ver.

En 1964 se trasladó a Los Ángeles, ciudad que marcaría decisivamente su imaginario artístico. Allí descubrió una luz completamente distinta a la gris atmósfera británica: el azul intenso del cielo, la geometría de la arquitectura moderna, el agua de las piscinas y una forma de vida relajada y luminosa que se convertirían en símbolos universales de su obra.

Además, Hockney fue uno de los primeros artistas de gran relevancia internacional en representar abiertamente la homosexualidad en su trabajo, en una época en la que todavía era un tema socialmente perseguido y estigmatizado. Sus cuadros sobre amistades, parejas y relaciones afectivas constituyeron un gesto de enorme valentía cultural y política.

Un estilo inconfundible: la celebración del color y de la vida cotidiana

La obra de Hockney se reconoce inmediatamente. Sus colores intensos, las líneas limpias y la simplificación de las formas construyen imágenes aparentemente sencillas, pero profundamente sofisticadas.

Su pintura se alejó tanto del hiperrealismo como de la abstracción pura. Lo que realmente le interesaba era la percepción humana: cómo observamos el mundo, cómo la memoria modifica lo que vemos y cómo el tiempo altera nuestra experiencia visual.

Sus famosas piscinas, inmortalizadas en obras como A Bigger Splash o Portrait of an Artist (Pool with Two Figures), se convirtieron en iconos culturales del siglo XX. Sin embargo, detrás de su aparente serenidad existe una reflexión compleja sobre la soledad, la intimidad y el paso del tiempo.

También desarrolló una extraordinaria serie de retratos y dobles retratos en los que representó a familiares, amigos y colaboradores. En ellos consiguió algo muy difícil: retratar no solamente a las personas, sino también las relaciones emocionales que existían entre ellas.

Un investigador incansable de nuevas técnicas

Una de las mayores singularidades de Hockney fue su rechazo a permanecer inmóvil. Además de la pintura al óleo, el acrílico, el Dibujo y el grabado, a lo largo de su carrera experimentó con numerosas disciplinas. Especialmente revolucionarios fueron sus llamados joiners, fotomontajes realizados en los años ochenta mediante la unión de decenas de fotografías Polaroid. Con ellos rompía la idea tradicional de la perspectiva única heredada del Renacimiento y proponía una visión múltiple y simultánea, más cercana a la manera en que realmente percibimos el espacio.

Para Hockney, la fotografía convencional tenía una limitación fundamental: congelaba un instante y lo reducía a un único punto de vista. Él, en cambio, quería representar la experiencia completa de mirar.

Del pincel al iPad: un artista siempre contemporáneo

Cuando muchos artistas de su generación se refugiaban en sus obras más conocidas, Hockney volvió a reinventarse. En sus últimos años abrazó las nuevas tecnologías con mucho entusiasmo, utilizó el iPad como cuaderno de dibujo portátil, realizando cientos de paisajes y estudios de árboles, flores y cambios estacionales. Lejos de considerar la tecnología como una amenaza, la entendía como una herramienta más al servicio de la creatividad.

Durante la pandemia envió a amigos y admiradores imágenes digitales llenas de color y esperanza, reivindicando la belleza de la primavera como símbolo de renovación. Sus últimos trabajos realizados en Normandía y en los paisajes de Yorkshire constituyen una celebración serena y luminosa de la naturaleza. Para él, la innovación no pertenecia exclusivamente a la juventud. Hockney demostró que la curiosidad puede mantenerse intacta hasta el final de la vida.

Lo que aportó a la historia del arte contemporáneo

Pocos artistas han logrado conectar de manera tan natural dos siglos distintos. Hockney tendió un puente entre la tradición pictórica y la revolución digital, entre la pintura clásica y las nuevas tecnologías, entre el dibujo manual y la pantalla táctil.

Reivindicó el placer de mirar. En una época dominada por discursos teóricos cada vez más complejos, devolvió protagonismo a la experiencia visual y a la belleza cotidiana. Defendió la pintura como un lenguaje vivo, demostró que la pintura seguía teniendo plena vigencia en la era digital. Normalizó la representación de la homosexualidad, convirtió la intimidad y el afecto entre hombres en un tema artístico legítimo y universal. Cuestionó la perspectiva tradicional, sus investigaciones visuales modificaron nuestra comprensión del espacio y la percepción. Integró la tecnología en el proceso creativo, fue uno de los primeros grandes maestros en utilizar dispositivos digitales como herramientas artísticas de pleno derecho.

Su legado atraviesa generaciones enteras de artistas, diseñadores, fotógrafos y creadores digitales.

El legado de un hombre que enseñó a mirar de nuevo

David Hockney repetía con frecuencia una idea sencilla: «La gente mira, pero no observa». Toda su obra fue una invitación a recuperar la capacidad de observar el mundo con atención y asombro. Sus piscinas, sus retratos, sus carreteras de Yorkshire, sus paisajes normandos o sus dibujos digitales, además de obras de arte,  son ejercicios de percepción.

Con su muerte desaparece una de las grandes personalidades culturales de nuestro tiempo, pero permanece intacta una lección profundamente contemporánea: el arte sigue siendo, ante todo, una forma de aprender a mirar, porque, para David Hockney, la verdadera innovación nunca consistió en perseguir la novedad por sí misma, sino en encontrar nuevas maneras de ver aquello que siempre había estado delante de nuestros ojos; y quizá esa sea la razón por la que su obra seguirá acompañándonos durante mucho tiempo.

Edición: Arte, espacio y contenido.