El acuarelista y arquitecto francés Charles Villeneuve, está exponiendo en estos momentos en El Centro Cultural “Casa de Vacas” del Retiro. Una exposición con obras de reciente creación y muy esperada por su forma de expresar el paisaje urbano, con toda su carga de emoción estética penetrando en el espectadorel concepto de paisaje vinculado a las emociones.
La muestra ofrece una exhibición majestuosa de paisajes urbanos, de arquitecturas monumentales que se funden con la luz del horizonte captando momentos únicos de un paisaje que palpita entre veladas y difuminaciones.
Asimismo nos encontraremos con interiores de grandes arquitecturas fetiche en el que predominan formas expresivas con multiplicidad de planos, perspectivas y miradas.
Grandes y medianos formatos componen su exposición y una gran panorámica de la ciudad de Paris en la parte central de la sala principal que envuelve al espectador adentrándole en la escena de su atmosfera y juego lumínico, llevando a la máxima expresión el contraste y la fusión de tonalidades.
Vídeos, cortesía de Fernando Borlán de Art Vessel.
En la exposición también tendremos la oportunidad de apreciar sus apuntes, sus cuadernos de viaje expuestas en grandes mesas-vitrina donde el artista comparte lo que ha capturado desde su observación directa, nos relata historias de lugares donde ha estado y nos enseña un dibujo o nota de cada momento.
Vídeos, cortesía de Fernando Borlán de Art Vessel.
Villeneuve, artista francés, que actualmente reside en Madrid, es uno de los más destacados acuarelistas de la escuela francesa y uno de los mejores exponentes de esta técnica a nivel internacional. Es arquitecto, diseñador y pintor, destacando en cada uno de esos campos. Como diseñador, en 1994, cuando solo contaba 23 años obtuvo el primer premio de Diseño de L’Ecole Boulle , en París. En su profesión como arquitecto destacamos el del año 1997, que con 26 años de edad, en Paris recibe el premio Nacional de Arquitectura de L’cademie des Beaux-Arts, un galardón importantísimo en esa área; y dentro de su carrera pictórica como acuarelista lleva una trayectoria brillante con exposiciones en diferentes ciudades de Europa, en la que hay que añadir además una extensa lista de premios y reconocimientos, con obras presentes en colecciones importantes tanto privadas como institucionales. De 1999 a 2001 fue miembro de la Casa de Velázquez en Madrid, y en el año 2001 le conceden el “Premio Georges Wildenstein”, del Institut de Frace en París. En Abril de 2013 tuvo lugar su primera exposición retrospectiva, de 1988 a 2013 en La Casa de Velázquez de Madrid; un homenaje a sus primeros 25 años de carrera artística, donde compartieron espacio las obras más significativas de ese periodo con las de reciente creación, dando cuenta de sus grandes cualidades y de ese grado de experimentada madurez que tienen todas sus edades pictóricas.
Hasta el domingo 24 de octubre se puede visitar esta exposición que está teniendo un gran éxito de visitas registradas. Hasta el momento más de 65.000 visitantes han disfrutado de sus acuarelas.
En El Centro Cultural Casa de Vacas del Parque del Retiro. En horarios de 10.00 a 21.00 horas
El Paisaje de la Luz de Madrid: un paseo con 500 años de historia
Museo Nacional del Prado
La ciudad de Madrid forma parte ya de la lista de Patrimonio Mundial de la UNESCO, que recoge los sitios que tienen un valor universal excepcional.
Seguramente el Paseo del Arte sea uno de los lugares del mundo con mayor concentración de belleza, y lo componen El Paseo del Prado y el Buen Retiro, que acaba de entrar en tan privilegiado catálogo en la categoría de Paisaje de las Artes y las Ciencias. Un entorno urbano extraordinario, donde cultura, ciencia y naturaleza conviven desde mediados del siglo XVI.
Vista El Retiro
El paseo del Prado es elprimero de los paseos arbolados urbanos europeos. Los ciudadanos lo usaron desde el siglo XV como lugar de esparcimiento y Felipe II se encargó de acondicionarlo y embellecerlo con árboles y fuentes. Fue durante el periodo ilustrado, concretamente bajo el reinado de Carlos III, cuando se produjo la más importante intervención urbanística en este enclave, que se convertiría en modelo para muchas ciudades españolas y latinoamericanas.
Una característica especial y única es la incorporación de las ciencias al paisaje urbano de la zona con la creación del Gabinete y Academia de Ciencias Naturales, hoy Museo del Prado, el Real Jardín Botánico, desde donde partieron las expediciones botánicas que exploraron los territorios de ultramar y reunieron un increíble tesoro científico que se conserva en su archivo y el Real Observatorio Astronómico, situado en la llamada Colina de las Ciencias. Incorporaciones muy ligadas al espíritu pedagógico de instrucción de la ciudadanía característico de la época.
Palacio de Cristal – Parque El Retiro
Arte, política, finanzas
El Paisaje de la Luz, declarado el 25 de julio en la ciudad china de Fuzhou Patrimonio Mundial de la UNESCO, incluye el paseo del Prado entre Cibeles y la plaza del Emperador Carlos V, en Atocha, el parque de El Retiro y el barrio de los Jerónimos.
La fuente y el Palacio de Las Cibeles, sede del Ayuntamiento de Madrid
Esta zona atesora una concentración de instituciones excepcional tanto en número como en heterogeneidad. En ella se encuentran el Palacio de Cibeles, actual sede del Ayuntamiento de Madrid, el Banco de España, la Casa de América, el Cuartel General del Ejército de Tierra (Palacio de Buenavista), el Museo Thyssen-Bornemisza, el Congreso de los Diputados, los hoteles Palace y Ritz, la Bolsa, el Cuartel General de la Armada, el Museo Naval, el Museo del Prado, el Museo Nacional de Artes Decorativas, la Real Academia Española de la Lengua, la Iglesia de los Jerónimos, el Real Jardín Botánico, el Real Observatorio Astronómico, el Museo Nacional de Antropología, la sede del Ministerio de Agricultura, Pesca, Alimentación y Medio Ambiente, el Ministerio de Sanidad, Servicios Sociales e Igualdad, la Cuesta de Moyano, el CaixaForum y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, entre otros.
A ellos se suma una lista de monumentos tan conocidos como la Puerta de Alcalá, las fuentes de Cibeles, Apolo y Neptuno, la de la Alcachofa, el Obelisco a los Caídos o el monumento a Alfonso XII en el estanque de El Retiro. Incluye más de 21 bienes de interés cultural y muchos de los fondos y colecciones que contiene son de dimensión universal como la Real Academia, las obras de Goya, Velázquez, Picasso, las colecciones de láminas y archivo del Real Jardín Botánico o el telescopio Herschfeld.
Entrada del Museo Nacional del Prado – Estatua de GoyaMuseo del Prado – Sala
Un entorno rico en patrimonio histórico cultural, y es que en poco más de un kilometro seencuentran el Museo del Prado, el Thyssen-Bornemisza y el Reina Sofía (que se pueden visitar de manera conjunta comprando laTarjeta Paseo del Arte: 30,4 euros en 2021) a los que acompañan otras instituciones y edificios de obligada visita.
Museo Nacional Thyssen-BornemiszaMuseo Nacional Thyssen-Bornemisza – SalasMuseo de Arte Contemporáneo Reina SofiaMuseo de Arte Contemporáneo Reina Sofia – «El Guernica» de Picasso
España es el tercer país del mundo con mayor número de sitios catalogados como Patrimonio de la Humanidad y, por eso, desde el año 2017 es miembro del comité de Patrimonio Mundial que, como es de suponer, un privilegio y una enorme responsabilidad.
La Puerta de Acala Parque El RetiroParque El RetiroCentro Cultural Caixa ForumPaseo del PradoPaseo del Prado
Hoy 18 de Mayo, se celebra “El día internacional de los museos” para concienciar a las personas acerca de la relevancia de los museos como medio para el intercambio cultural.
El Día Internacional de los Museos es una fecha ideal no solo para visitar los museos de la localidad, sino para aprender sobre las organizaciones sin fines de lucro, que ejercen el rol de guardianes para el acervo cultural de la Humanidad.
Por eso, hoy date una oportunidad, no sólo como amante y espectador del arte; hoy puedes ser parte de ese motor que mueve el arte.
Hoy te vamos a hablar de la Fundación DEARTE Medinaceli, ejemplo de gestión cultural como estrategia de desarrollo. Su fundador es Miguel Tugores conocido galerista y mecenas, impulsor de este proyecto titánico, que contra todo pronostico y desde hace mas de 12 años viene haciendo realidad lo imposible, el de sacar adelante una institución de arte en una pequeña localidad de la provincia de Soria (a 155 kilómetros de Madrid y 170 de Zaragoza), la mas despoblada de España multiplicando el turismo cultural atraídos por sus exposiciones y festivales culturales.
La Fundación DEARTE esta ubicada en el palacio ducal de Medinaceli, en la provincia de Soria, una población con mucha historia en la que celtíberos, romanos, árabes y cristianos han dejado su huella.
Su casco histórico conserva un interesante conjunto monumental que le ha valido para ser declarada conjunto histórico-artístico, además de estar incluida en el listado de los pueblos más bonitos de España.
Medina Ocilis, que se traduce como la ciudad del cielo, era el nombre que le dieron los árabes a esta localidad por su situación en lo alto de una montaña “cerca” del cielo.
Dentro de ese hermoso enclave se encuentra La Fundación DEARTE, un proyecto cultural dedicada al desarrollo de las artes y la conservación del patrimonio cultural como recurso sostenible y dinamizador en la “España vaciada” cuya sede es el Palacio Ducal de Medinaceli y que la Fundación ha remodelado y la ha convertido en un espacio cultural.
El patio renacentista es el corazón del edificio, un escenario para diferentes disciplinas cubierta por una cúpula acristalada que permite continuar con las actividades aun en invierno. Sus diferentes salas se abren a su alrededor, pequeños mundos temáticos como un mosaico del siglo II restuaurado, con dos salas anexas que repasan el pasado del Palacio y de la Villa de Medinaceli, la llamada “ciudad del cielo”, y otras salas dedicadas a Exposiciones de arte, permanentes y temporales que desde su creación ha venido ofreciendo una labor continua en la difusión, el soporte y el apoyo a la creación artística.
Más allá de la actividad permanente, la Fundación ha ido construyendo una agenda cultural anual que comenzó con Medinaceli LÍRICO y el Concurso de canto Un Futuro DEARTE. Tras siete ediciones, este pasado 2020 han añadido festivales Medinaceli JAZZ y Medinaceli TEATRO, con la colaboración de grandes talentos de ambas disciplinas y con éxito de crítica y publico a pesar de la pandemia. Y todo ello con el apoyo de vecinos y amantes del arte, siempre dispuestos a dejar un donativo voluntario por la visita ya los que la fundación se muestra muy agradecido por su compromiso y participación activa; sin ellos ningunos de los logros conseguidos hubiese sido posible.
El futuro de la Fundación: Nuevos retos, nuevos objetivos, nuevos proyectos.
Este 2021, la Fundación apuesta por seguir creciendo en oferta. Llegarán nuevas ediciones de los festivales en marcha junto al nacimiento de los nuevos proyectos Medinaceli FLAMENCO, Medinaceli CINE y Medinaceli MÚSICA ANTIGUA. Además, la Fundación se abre camino en el mundo virtual con la plataforma Fila CERO, un espacio en el que poder disfrutar de las diferentes propuestas artísticas en cualquier momento y desde cualquier lugar. También la opción de visitar virtualmente el Palacio y sus exposiciones, siempre con la intención de hacer llegar lo más lejos posible el patrimonio medinense.
Miguel Tugores, primero a la derecha, haciendo entrega de los premios Un futuro DEARTE y Una vida DEARTE
Diversos medios de comunicación internacionales coinciden en que la pandemia ha revelado la fragilidad del sistema cultural y el futuro esta en su transformación digital. Como bien dice el presidente de la fundación Miguel Tugores que, «en tiempo de crisis el sector del arte es el más castigado, sin embargo, este año, excepcional debido a la pandemia, nuestro proyecto cobra aún más sentido si cabe, por eso apostamos por la digitalización; poder visitar virtualmente El palacio Ducal, que permita al usuario crear su propio itinerario para recorrer las diversas salas y sus contenidos además de actividades, eventos y festivales en directo.
Por ello lanza este SOS:
«Presido una fundación desde la que atraemos a este pueblo soriano, de menos de 700 habitantes, a unas 20.0000 personas al año que llegan atraídos por la cultura que encuentran en Medinaceli: Historia, Arte moderno, Ópera, Cine sobre la despoblación, Música antigua, Lírica, Flamenco, Teatro y Jazz.
Seguramente es Medinaceli quien ofrece más cultura por persona y kilómetro cuadrado en España. Y eso no se sabe.
Mientras las administraciones prometen con la boca pequeña medidas contra la despoblación que nunca llegan, Medinaceli/Soria, sigue desangrándose y esas administraciones miran para otro lado cuando la Fundación DEARTE estira la mano pidiendo financiación. Sin financiación no hay Cultura, sin Cultura no vienen espectadores y sin espectadores no conseguimos combatir la despoblación.
A 155 kilómetros de Madrid y 170 de Zaragoza, observando el horizonte que en su día también observaron los romanos que nos dejaron el único arco de tres vanos de España, solo se me ocurre lanzar este SOS esperanzado a España entera para seguir adelante con nuestros proyectos.
Una visita virtual al Palacio Ducal de Medinaceli por 5 euros solidarios de entidades y personas de la España LLENA es la mejor solución que se me ocurre en esta difícil coyuntura.
Agradezco su colaboración y expreso el deseo de que nos visite en fechas próximas y pueda disfrutar de uno de los primeros pueblos Mas bellos de España, de su gastronomía y su rica oferta cultural.
Gracias,
Miquel Tugores Rull.
Link: Dona a partir de 5 € para hacer posibles los 7 festivales de 2021:
A pesar de la pandemia, Madrid no ha dejado de dinamizar el mercado artístico español.
En Madrid siempre se puede hacer planes culturales, y entre el gran abanico cultural que ofrece la ciudad este fin de semana visitamos dos ferias de arte y una exposición.
Empezamos en ESTAMPA la feria madrileña que se celebra en IFEMA del 8 al 11 de abril, un acto de esperanza que aspira a reactivar el mercado del arte contemporáneo.
Un total de 70 galerías y más de mil artistas participan en la feria de arte ‘Estampa 2021 y donde Ifema estrena una serie de medidas contra el virus – acceso digital, ventilación continua y reducción del aforo – que bien podrían considerarse el ensayo de cara a Arco, la hermana mayor de Estampa.
En cuanto a la participación, el director del evento Chema de Francisco ha remarcado; «Todas las galerías están muy contentas de volver a arrancar el mercado del arte, que en España es fundamental para que los artistas sigan creando», y que se trata de una edición con «gran calidad de propuestas» por parte de las galerías, en la que los precios de las obras oscilan desde la más barata por 700 euros a las más caras «por cientos de miles de euros». «Llevamos muchos meses sin ferias y las galerías han redoblado sus apuestas por traer mejores piezas y seleccionar mejores artistas».
Os ofrecemos una crónica visual de nuestra visita:
LITA CABELLUT Libro de artistaTríptico impresionante de SANDRA GAMARRA. «Fátima» Oleo sobre lienzo. Medida total: 195 x 390cm.
Visita a la exposición de PABLO DRAKE en Espacio de Arte MADOSprorrogado hasta el 17 de Abril.
Nuestra siguiente visita fue toda una experiencia artística, y muy recomendada, es la exposición de Pablo Drake, artista que trabaja con materiales reciclados. Desde cartones recuperados hasta cintas adhesivas componen su lenguaje expresivo para llegar a la esencia de la figura y deshacerse de lo superfluo.
Según vamos recorriendo la exposición, su obra nos desvela un trabajo de continua exploración y de posibilidades con la materia. «Su domino del dibujo encuentra en estos materiales una excelente herramienta expresiva de gran potencial estético; juega con las superposiciones para crear un cromatismos lleno de transparencias, un capeado de tiras de cintas adhesivas de papel que luego pinta fragmentando los colores como una composición constructivista que conforma un todo».
La exposición se puede visitar hasta las 14.00h del día sabado 17 de abril en Espacio Mados. Calle Conde de Xiquena 12.
Visita a la feria de arte SAM Salón de Arte Moderno.
Esta nueva feria de la Semana del Arte apuesta por acercarse más a los amantes del arte y por la formación de nuevos coleccionistas.
Nos ha encantado esta feria, dirigida esencialmente al coleccionismo, si la visitas disfrutaras, te encontraras con obras de grandes creadores de la historia del arte contemporáneo, con piezas dignas de admirar en un gran museo, de artistas como Dalí, Picasso, Léger, Chagall, Calder, Lempicka, Miró, Tàpies, Saura y Chillada. También podrá disfrutar de obras de creadores contemporáneos que ya cuentan con su espacio en la Historia como son Jaume Plensa, Miquel Barceló o Rafael Canogar, Manolo Valdés entre otros.
Según los organizadores, la iniciativa de esta celebración surge a raíz de la petición de galeristas y coleccionistas en un momento en el que se percibe un fuerte interés hacia el arte moderno.
Hasta el 18 de abril se podrá visitar la tercera edición de SAM – SALÓN DE ARTE MODERNO en la calle Velázquez 12 de Madrid. Con más de 300 obras pertenecientes a los grandes maestros del s. XX que han escrito y que están escribiendo la historia del arte.
Granada alberga del 22 de marzo al 20 de junio el proyecto ‘INGOYA‘, una iniciativa que pretende sumergir al visitante en el mundo del pintor aragonés a través de 150 trabajos de una forma totalmente diferente a la de presenciar un cuadro en una sala de arte.
#INGOYA es una experiencia inmersiva y multisensorial, en la que se proyectan más de 1.000 imágenes de cuadros de Francisco de Goya acompañadas de una banda sonora con la música de los grandes maestros clásicos españoles como Albéniz, Falla, Granados o Boccherini. Es una exquisita forma de guiarnos con los sentidos a través de la proyección de la obra de Goya.
Este impactante despliegue de tecnología punta muestra la obra del maestro aragonés a través de 40 proyectores de alta definición, exhibiendo más de 1.000 imágenes sobre 35 pantallas gigantes de cinco metros de altura. Desde el inicio de la visita y hasta el final, el público se verá rodeado por una poderosa y vibrante sinfonía de luces, colores y sonidos sin antecedentes. Una forma intuitiva y emocionante de impregnarse de la obra de este maestro.
Presentación de la exposición inmersiva INGOYA en el palacio de congresos de Granada Lunes 22 de marzo del 2021 Granada, Andalucía, España. Foto Antonio L Juárez
La capital granadina será la primera sede de este gran evento precisamente en el año en el que se celebra el 275 aniversario del nacimiento del pintor.
La exposición está ubicada en el hall del Palacio de Exposiciones y Congresos de Granada hasta el 20 de junio; de lunes a domingo en horario de 10h a 14 h y de 16h a 22h y sus contenidos están adaptados para todos los públicos.
El arte como testimonio visual del paisaje vivido y experimentado
«Ondas» Ginebra 2010 – Acuarela sobre papel. – 25 x 21cm
La obra de Ángel está presente en varias ciudades del mundo y ahora, también en dos nuevas exposiciones que va a poder verse en Madrid y Miami.
Si bien, la pandemia mundial ha tenido un poco paralizado los eventos expositivos, eso no ha sido impedimento alguno para el artista que en estos momentos participa en dos muestras de arte celebrados ambos en el mes de diciembre.
Ángel nos muestra una selección de obras sobre papel que forman parte de distintas colecciones y etapas como testimonio visual de un recorrido por diferentes ciudades. Veremos un trabajo que encierra sentimientos y reflexiones del paisaje vivido y experimentado, convirtiendo cada obra en un hecho intimo; expresiones silenciosas que nos llega a través de emocionantes medios que incluye el dibujo, la acuarela, collages, fotografías intervenidas con tinta y grafito, e impresiones de serie limitada.
«Night swimmer » – Tinta gris y roja sobre papel . «Un tiempo en Suiza» Tinta gris y azul sobre papel 14x10cmt. Madrid.2015
En Madrid lo podemos ver en la exposición colectiva que la galeria Eka & Moor ha organizado por Navidad, un Concept-Store de pequeñas obras y objetos de arte dirigida al regalo creado por artistas, diseñadores y arquitectos, y que se podrá visitar hasta el 19 de diciembre. C/ Bretón de los Herreros 56)
En Miami, Ángel esta presente con dos obras en la exposición internacional que se celebra en Victorius art gallery en Fort Lauderdale, Florida.
Se inauguró el día 5 de diciembre y se podrá visitar hasta el 21 del mismo mes.
“Between lines and sounds” (London 2009) – Mixed media, collage, graphite, photography on paper – 17 x 12 cm.
“Red, Red, Moon” (Ginebre 2010 – Mixed media, collage, graphite, photography on paper – 8 x 8 x 2 cm.
Si os encontráis por Miami, merece la pena visitar la exposición y disfrutar en directo de la obra de Angel, su trabajo es de un rico lenguaje visual, nos descubre paisajes, articula historias y estimula el diálogo entre el espectador y la obra.
“A un cuervo y los huracanes que, desde lugares desconocidos, traen de vuelta olores de humanos enamorados”, es el titulo de la exposición
El interior del Palacio de Cristal está ahora habitado por grandes flores y elementos de la naturaleza de los que se sirve el autor para abordar temas como el hogar, la nación, la identidad cultural y el amor.
Petrit Halilaj (Kostërrc, Kosovo, 1986), artista que representó a Kosovo en su primer pabellón en la 55 Bienal de Venecia (2013) y participado en otras importantes bienales, como las de Berlín (2010) -instaló un inmenso gallinero- y Lyon (2019), la invitación del Reina Sofia de realizar “la pieza de su vida” fue una propuesta que le entusiasmó mucho, y haciendo de su experiencia biográfica material artístico, ha convertido el Palacio en un gran nido que conecta el interior con el exterior, a los visitantes con el entorno, abriendo ventanas e instalando estructuras y comederos que atraigan a las aves y otras criaturas que habitan el Parque del Retiro o se encuentran en tránsito. Los pájaros son un elemento recurrente en su trabajo, simbolizan la transgresión de los límites que el pensamiento moderno establece entre sujeto y objeto, cultura y naturaleza.
La muestra, es la primera en Madrid de Halilaj, está estrechamente ligado a su biografía, la historia reciente de su país y las consecuencias de las tensiones políticas y culturales en la región. Los recuerdos infantiles, bañados por el drama de la guerra y su condición de refugiado constituyen una constante en su práctica, donde aborda la identidad intrínseca del ser humano como el hogar, la familia, la nación, la identidad cultural a través de diversos medios, desde el dibujo y la escultura al vídeo, la instalación e, incluso, la escritura. En su planteamiento no existe, sin embargo, una ruptura entre lo personal y lo histórico, lo íntimo y lo social, sino una relación, una continuidad que está presente en su intervención para el Palacio de Cristal. Resumiendo, el artista se ha inspirado en el singular ritual de apareamiento de los bowerbirds, que construyen elaboradas estructuras (bowers) y las decoran con objetos coloridos para atraer a la pareja. La idea de este ritual está muy ligada a su biografía: las grandes flores que decoran el nido, realizadas en un delicado marco de acero y lienzo pintado, son fruto del trabajo colaborativo con su compañero, el artista Álvaro Urbano. Su elección forma parte de la historia personal que les une y tiene el propósito de celebrar su unión: forsythias, semillas de palma, flores de cerezo, amapola, clavel y lirio. Sin embargo, estas referencias, lejos de quedar en el terreno de lo anecdótico, van más allá: al hacer pública su intimidad, esta cobra una dimensión social y política evidente, reclamando visibilidad y aceptación.
El cuervo blanco que sostiene un trozo de madera en History of a Hug [Historia de un abrazo, 2020] habla de estas convenciones. En concreto, alude a un momento particular en la historia familiar de Halilaj: era la herramienta de trabajo de su abuelo en el campo y el objeto que sostenía cuando supo que su esposa había dado a luz a su primer hijo. Incapaz de expresar en público su inmensa alegría, que podría haber sido interpretada como un signo de debilidad en una sociedad patriarcal, abrazó el poste con tanta fuerza que pensó que lo rompería. Para el artista el motivo del cuervo blanco sugiere también la diversidad y la resistencia a cambiar para ser aceptado; en este sentido, es metáfora de muchas cosas: ser homo- sexual cuyo amor no es plenamente reconocido ni por su familia ni por la mayoría de la sociedad kosovar; ser una persona kosovar cuyo país no es reconocido por otros muchos, entre ellos España.
Como los nidos en la naturaleza, el espacio proyectado por Halilaj no puede considerarse autónomo o escindido de su entorno, ni de sus visitantes y sus actividades, sino que es, por el contrario, una continuación de los mismos. Esta relación, que puede entenderse como una forma de interdependencia, resuena en toda la instalación; por ejemplo, en las dos patas de pájaro que componen Here To Remind You [Aquí para recordarte, 2020]. Además, este nido tiene algo de desproporcionado y extraño en su envergadura, en la escala gigantesca de sus flores, en el protagonismo y el confort que se busca para los pájaros. El artista suspende así la perspectiva logocéntrica que nos hace creer que somos la medida y centro de las cosas para reconocernos como un elemento más. El nido se revela entonces como el escenario de un ritual que aguarda a que los encuentros, las alianzas y las uniones entre sus diferentes visitantes tengan lugar, alterándose y cambiando con el espacio.
A un cuervo y los huracanes que, desde lugares desconocidos, traen de vuelta olores de humanos enamorados es la primera exposición que se inaugura en el Museo Reina Sofía tras su clausura a causa de la pandemia de la COVID-19. De hecho, su montaje quedó interrumpido por la misma. En estas circunstancias, la propuesta de Halilaj no podría resultar más pertinente: la dedicatoria al cuervo y a los huracanes que establece en su título nos habla de la lucha que precede a la aceptación. La presente crisis ha evidenciado la debilidad del sistema económico en el que se asienta nuestro mundo y la insostenibilidad del crecimiento ilimitado de espaldas a la naturaleza. Nos ha enfrentado a nuestra vulnerabilidad e interdependencia, y ha situado los afectos y cuidados en el centro de una subsistencia común que no puede prolongarse sin tener en cuenta al resto de habitantes del planeta. Con este nido, Halilaj ofrece un refugio y, de este modo, apela a la esperanza, a la posibilidad de otro futuro distinto de aquel al que parecíamos abocados.
La exposición se puede visitar hasta el 28 febrero de 2021 en El Palacio de Cristal, Parque del Retiro de Madrid.
Esta magnífica muestra tiene lugar en Chelsea art gallery Library Old Town Hall
En Londres, en la Galería de Arte de la Biblioteca de Chelsea, se celebra en estos momentos la primera edición de la exposición «Encounters» (Encuentros) International Art Exhibition «. Con la participación de un total de 16 artistas procedentes de diferentes países como España, Reino Unido, Polonia, Canada, EEUU, Colombia, Bulgaria, Venezuela, entre otros.
ENCOUNTERS nos muestran una amplia y ecléctica gama de obras de arte y proyectos con una influencia multicultural, entretejida y distinta.
Esta gran muestra se podrá visitar hasta el 22 de Marzo, abierto al publico todos los dias dentro del horario comercial.
Los artista invitados son: Carmen Berges, Leonor Berlanga, Anna Bissset, Imeldo Delgado, Deborah Catton, DOP-Art, Pablo Drake, Roció E Bucheli, G de la Vega, Nisa Goiburu, Martin Hewer, Krum, Erika Nolte, Katarzyna Pacholik, Milena Stefanova y Clara Tengonoff. Todos ellos nos evidencian la condición multidisciplinaria de la creación contemporánea actual que desde la individualidad estética y conceptual ofrecen una misma mirada en conjunto potenciando su multiculturalidad.
En su catalogo reza la frase “La diversidad es nuestra fortaleza y el arte es más impactante cuando incluye o trasciende todas las fronteras”,.. de eso se trata.
Cartel de la exposición y la comisaria de arte Judith Cuba, junto a las artistas,Clara Tengoff (a la izquierda) y Roció E Bucheli (a su derecha).Carmen Berges. Acuarelas y técnicas mixtas con materiales reciclados. Llama la atención la poética narrativa en la obra de Carmen Berges, enlazando la acuarela con la fotografía, la poesía y la materia, un disfrute para los sentidos.Deborah Catton también presente en esta exposición. Estas magnificas obras pertenecen a las series «Mojacar,», «Late Summer» y «Tyrrhenian», donde el color y los sentimientos están relacionados; cada tonalidad expresa un estado de ánimo. Acrilico sobre papel.Esculturas de pared del artista multidisciplinar Krum. Su valor estético es enorme, no sólo por la vistosidad de la escultura, también por el juego de sombras que ofrece la obra al interactuar con la luz. Son famosos también y muy demandados sus corazones.Martin Hewer. «Energy forming»y»Cosmos». Oleo sobre lienzo. La obra cósmica de Martin Hewer, artista de larga trayectoria; su obra de técnica tan personal nos hace pensar, nos plantea varias cuestiones sobre la vida dentro del infinito.Milena Stefanova. De la serie «Estructura Interior» . Tecnica mixta sobre lienzo. 24 x 30 cm. cada una. Artista conceptual que trabja diversos medios. Una preciosa colección de sutil narrativa y reflexiva de lo que realmente importa.Lola de la Vega. De la colección «From color», PVC y acrílico sobre papel. Sus collages ofrecen una composición viva, casi orgánica, los elementos se mueven y tienen luz propia. Pinta sobre vinilo con colores muy vivos que luego recorta para crear sus composiciones sobre papel.Anna Bisset artista multidisciplinar, esta vez llevando su inquietud artística hacia el grabado. Presenta la serie “Luces en Lloyd Park”, un conjunto de 4 aguafuertes que responden al espectáculo de láser que tuvo lugar en el museo William Morris en Lloyd Park en la ceremonia de apertura en enero de 2019.La artista Katarzyna Pacholik a lado de su obra. Un dibujo al carboncillo de la serie La selva de Bialowieza. “El ahora en la selva no se construye con las cimas del presente, es continuo, eterno. Esa eternidad que invita a la contemplación profunda”. Pacholik es una joven promesa, en su ya larga lista de exposiciones figuran importantes museos y prestigiosas galerías.Roció E Bucheli, participa con varias obras de técnicas propia. “Golden Nature-Male” y “Golden Nature-Female”, realizadas con Pan de oro, pluma estilográfica y tinta sobre lienzo, “Tibetan Ritual” y “Paradaise”, óleo sobre lienzo. Su pintura goza de una gran vitalidad y expresividad interior.Obras de Nisa Goiburu, grande entre los grandes, su obra es de lenguaje conceptual y poético, fusiona materia y pensamiento, de técnica muy versátil y en compromiso siempre con la vida. Presente con obras que nos habla de la naturaleza y la mujer.Pablo Drake presente con una interesante técnica donde el cartón y otros elementos de reciclaje son su materia prima, su genial domino del dibujo encuentran en estos materiales una excelente herramienta expresiva de gran potencial estético. “Tes mains”, “ Kin se souvient”, “Kin seconde”, Acrilico, técnica mixta sobre cartón.Obra de Erika Nolte de la Colección «Mares» y «Horizontes» de técnicas mixta, una serie de abstractos expresionistas que nos ofrece diferentes perspectivas del mar y el paisaje. En esta serie la artista da muestra una vez mas de sus saltos cualitativos en su evolución pictórica, de la necesidad de sintetizar sobre el lienzo lo que percibe su mirada
.Leonor Berlanga, presente con las obras “Connections” y la colección “Encounters”, Tecnica mixta y collage. Berlanga maneja como nadie el lenguaje de las texturas. Sus composiciones son como la alquimia de las emociones.El artista Imeldo Delgado participa con dos obras “El esclavo de Miguel Angel” y “Silueta”, ambas litografías parten de los originales de gran formato realizados con lápices de colores y ceras sobre papel. Sus dibujos retan las nuevas tecnologías, los visitantes preguntan si se trata de arte digital y la respuesta es no. La obra de Delgado exige la observación detenida, sin duda un disfrute para los sentidos.DOP-Art, Daniella Oviedo Ponte, joven artista emergente, compagina su profesión de arquitecta con la pintura y la ilustración. Sus obras “Inner Universe” y “ Awareness Layers” son de una perfecta composición abstracta de geometrías imposibles, un placer y reto para nuestra percepciónLa obra inconfundible de Clara Tengonoff . Creadora de un abstracto expresivo muy singular al trabajar sobre seda y pigmentos que ella misma fabrica y que da a su pintura un efecto especial de luminosidad y transparencia. Participa con la obra «To infinity».
Con la Gestión y el soporte de The Art Table y ArteGestión.
Contemporary African Art Fair,una feria joven y casi desconocina es de las más visitadas y recomendada por coleccionistasen la semana del arte de Londres
1-54 Art Fair es una feria que brilla con luz propia distinguiéndose de las demás al estar dedicada exclusivamente a artistas procedentes de África, de los 54 países que la componen de ahí su nombre. Actualmente son líderes en el mercado del arte africano, ascendiendo rápidamente y haciéndose notar cada vez más en la bulliciosa semana de las ferias de arte de Londres que este año se celebro del 3 al 6 de octubre.
Afrodita Kallipygos” de la artista Yinka Shonibare. Escultura de fibra de vidrio, pintada a mano con patrón de cera holandesa, globo terráqueo pintado a mano a medida y placa base de acero
Obra de Joana Choumali, un fotomontaje con intervenciones. Bordado y superpuesto con seis piezas de gasa traslúcida. Se vendió a las 11 am. del día de la vista previa.
Empezó en Londres en 2013 extendiendose a otros continentes como Nueva York (desde 2015) y Marrakech (desde 2018). Fundada por la comisaria de arte y artista marroquí Touria El Glaoui para dar visibilidad y presencia al arte contemporáneo africano, un arte muy versátil en estilos y técnicas.
Según un estudio del ‘Finacial Times’ la edición de este año fue de un rotundo exito de ventas. Los organizadores de la feria 1:54 de arte africano contemporáneo hicieron bien en organizar una sofisticada séptima edición a los VIP al abrir con una inauguración y pre visita unas horas antes de que lo hiciese ‘Frieze Art Fiar’ el 2 de octubre; luego la multitud del 1:54 se dirigió a Frieze que se celebra en Regent’s Park, y contaban los expositores que, en esas horas se realizaron importantes contactos y numerosas ventas anticipadas. En Freize en cambio habia preocupación, el Brexit les estaba afectando, lo que no paso en el 1-54 con obras a un precio más asequible».
Este año, una vez mas tuvo como sede el antiguo palacio imperial de Somerset House, participaron 46 galerías internacionales, la gran mayoria procedian del norte (Europa y EE. UU.), Incluidos espacios como James Cohan de NuevaYork, que tuvo una exhibición impresionante que combinó dos esculturas de Yinka Shonibare CBE con varias paredes.
Sólo 18 galerías o el 38%, tienen bases en África. Seis de estos son distribuidores con sede en Sudáfrica, y el resto representa una pequeña cantidad de espacios de otras naciones, incluidos Egipto, Marruecos y Nigeria.
Lo cierto es que 1-54 Contemporary African Art Fair se consolida un año más. La otra gran referencia la tenemos en la edición de Nueva York celebrada en el mes de Mayo que ha batido record de visitas y ventas este año.
¿Qué ofrece el trabajo de estos artistas africanos? tal vez, honestidad y amor por su trabajo; gusta a la primera, llama la atención las técnicas utilizadas, la mayoria de ellas de producción manual con materiales reciclados, con un contenido conceptual cargada de una narrativa visual y poética; algunas llenas de humor y sutilza y otras de voz más reflexiva con eco social.
Un ejemplo, nada mas entrar me encontré con esta belleza, del artista Kyle Meyer.
Kyle Meyer, de la serie “Interwoven” (entretejida), Estampado con pigmentos naturales, tejido a mano con tela coloreada con ceras, 137 x 91,5 cm.
Una obra de técnica increíble, su temática explora los desafíos de la homosexualidad en una cultura hipermasculina como es la africana. Esta serie son retratos de hombres homosexuales que tienen que reprimir su verdadera identidad. Cada obra es un testimonio de las historias personales de lucha que homosexuales de Swazilandia confiaron al artista Kyle Meyer, él les pidio que eligieran un trozo de tela local que se utilizan convencionalmente para tocados de mujer, los cortó en tiras con las que entretejió la tela del retrato para proteger su identidad. Una técnica supercompleja que deleitaba el ojo escudriñador del coleccionista.
Si tienes planeado visitar Londres en octubre para ir a las ferias de arte no deberías perdértela, yo la disfruté, 1-54 da una sensación de más curada que algunas de las ferias más grandes a las que he asistido, de las 45 galerías presentes nueve exposiciones eran individuales y curadas como la muestra especial de la artista sudafricana Mary Sibande y una instalación a gran escala en el patio del palacio del artista angoleño Kiluanji Kia Henda. Y a pesar de la creciente popularidad del arte africano contemporáneo, los precios de las obras siguen siendo accesibles para los nuevos coleccionistas.
Éstos son sólo algunos de los aspectos más destacados de esta edición de 1-54 Londres.
Kiluanji Kia Henda
La Fortaleza, escultura de hierro de Kiluanji Kia Henda . La obra proyecta una tenue sombra a lo largo del patio adoquinado del palacio real Somerset House, aunque, ideado para el desierto de Angola; el objetivo de esta obra fantasmal de la arquitectura es llamar la atención sobre lo efímeras que son las construcciones humanas que siluetean los paisajes de la realidad.
Bisa Butler
Bisa Butler, «No soy tu Negro», Algodón, lana y gasa acolchados y aplicaciones textiles cosidas, 183 x 127 cm.
Los retratos acolchados a escala real de la artista afroamericana Bisa Butler están compuestos por colores vibrantes y materiales textiles no tradicionales en las bellas artes. Retrata su comunidad afroamericana de una manera atractiva y positiva pero a la vez les da una presencia convincente, siempre devolviendo la mirada del espectador.
Bisa Butler «The Equestrian» Algodón, chifón y gasa acolchados y aplicaciones textiles cosidas, 183 x 120 cm
Detalle del arte textil de Bisa Butler
Bisa Butler, «Tambien yo», Algodón, lana, gasa acolchados y aplicaciones textiles cosidas, 127 x 183 cmDetalle del arte textil de Bisa Butler
Caitlin Cherry
Caitlin Cherry, Innervision, 2019, óleo sobre lienzo, 176,5 x 218,4 cm.
Anton Kannemeyer
De Anton Kannemeye, Dibujo, tecnica mixta sobre lienzo, la obra es una reflexión sobre las sociedades pasadas, presentes y futuras de Sudáfrica pero también de Europa y África.De Anton Kannemeye, Dibujo, tecnica mixta sobre lienzo.
Dawit Abebe
Dibujo de Dawit Abebe ‘Mutual Identity 26’, se vendió casi inmediatamente después de la apertura la feria.
Elias Sime
Tightrope: Noiseless 14, 2019′ de Elias Sime (Etiopía)Detalle de ‘Tightrope: Noiseless 14, 2019’ de Elias Sime
Eddy Kamuanga
‘Consciencia Frágil’ de Eddy Kamuanga Ilunga, Acrílico y óleo sobre lienzo, 200 x 220 cmEddy Kamuanga Ilunga, ‘Olvida el pasado y perderás los dos ojos’, Acrílico y óleo sobre lienzo, 200 x 220 cm
Abdoulaye Konaté
“Gouttes Rouges” de la serie Ofrendas de Color (2019) del artista textil maliense Abdoulaye Konaté.
Nnenna Okore
Nigeria y la diáspora nigeriana ocuparon un lugar destacado en la feria de arte, intrincadamente tejida y montada en la pared de la artista textil contemporánea Nnenna Okore. Esta es una pieza escultórica que llama la atención por su brillo y negro prfundo que en la foto no se aprecia.
Walid Ardhaoui
Walid Ardhaoui, «Rainbow» 2019 Acrílico y óleo sobre lienzo, panel de 180 × 140 × 4 cm
Hew Locke
“Golden Horde, 5” de Hew Locke, Instalación escultórica de técnica mixta que explora los códigos del poder colonial y poscolonial mediante el uso de armas, prendas indumentarias, cadenas y trofeos de oro y plata.
Nathalie Boutté
Nathalie Boutté ‘Un jeune gentleman’, Collage de papel japonés, tinta, Aprox. 82 x 54 cm. Detlle de «Un jeune gentleman» de Nathalie Boutté
Evans Mwangi
Es mi hora y tiene que haber otra manera, 2019′ por Evans Mwangi (Kenia)Desde mi perspectiva, 2019′ por Evans Mwangi (Kenia)
Khadim by Alexis Peskine
Alexis Peskine, ‘Dexu Adüna’, Oro luna, clavos, tierra, agua, café y barniz sobre madera. 150 × 110 cmDrtalle de Dexu Adüna por Alexis Peskine
Video – detalle de ‘Dexu Adüna’
Isabelle D
Isabelle D ‘Oued’, 2019, Cuerda natural, bordados de seda, viscosa y lana. 170 × 140 Composición de Isabelle D, Cuerdas naturales, bordados y tejidos de seda, viscosa y lana. Detalle
Hasan Hajjaj
Lambda metálico en Dibond de 3 mm en un marco blanco pintado en madera con verde HH, Cajas de té con mariposa, 140,5 x 101,5 x 10,5 cm
Kelani Abass
Kelani Abass, ‘Making’ Time 3 y 4’, Dibujo, collage y grabado, 90 × 93 cmDetalle de ‘Making Time 3′ de Kelani Abass
Ghizlane Sahli
Esta elegante escultura, “HT053” (2018) de Ghizlane Sahli de Marruecos, esta realizada con seda, botellas de plástico, madera y alambre
Sonia Kallel
“La Pièce” de la artista tunecina Sonia Kallel. Papel perforado, 900 cm x 113 cm. Refleja una práctica de bellas artes impregnada de la herencia artística y artesanal de su país para que permanezca y quede no sólo en la memoria también a través del tiempo , esta pieza ha pasado por procesos desde lo artesanal de como la mano se convierte en la máquina y qué pasa cuando este mismo gesto se repite digitalmente.
Zak Ové
Zak Ové «DP27» Tapiz de crochet (ganchillo), 180 × 120 cm
Mary Sibande
«Me desmoroné en las costuras» de la artista Mary Sibande (Sudáfrica). Su exposición examina aspectos cambiantes de las identidades individuales y colectivas en Sudáfrica a lo largo de la era poscolonial y postapartheid, rinde homenaje a generaciones de mujeres en su propia familia, expresado en la forma de la protagonista alter-ego de Sibande, Sophie, que a veces se viste con uniformes que hacen referencia a historias de trabajo doméstico femenino, como también toma la forma de una sacerdotisa y curandera.
Nelly Guambe
Nelly Guambe, Sin título, 2019, Carboncillo sobre papel Fabriano, 300 g / m2, 140 x 60 cm
Nelly Guambe, Cansancio , 2019, Acrílico sobre lienzo, 101 × 100 cm
Kagiso Pat Mautloa
Kagiso Pat Mautloa, ‘Máscara urbana I, II y III’ 2019, Bordado con cuentas de semillas y critales, 80 × 60 cm.
La obra de Kagiso Pat Mautloa impresiona a primera vista, al entrar a la sala redonda de la feria te encuentras con tres cuadros, un tríptico de brillo parpadeante, que juega con los reflejos de la luz de la sala lanzando mil destellos de lucecitas de colores, cuando uno se acerca para mirar la técnica, oh! te das cuenta que esta bordada en su totalidad con cuentas de cristales de colores, y lo primero que piensas es ¡cuanto trabajo!,, El tríptico de ‘Mascara Urbana’, una obra que vibra y palpita se vendio el primer dia, su precio muy bajo pienso yo.
Detalle de ‘Máscara urbana‘ de Kagiso Pat Mautloa
Aida Muluneh
De la serie “Water Life” (2019) de la artista etíope Aida Muluneh, Fotografía, 80 × 80 cm, cada una.
Alimi Adewale
Alimi Adewale, ‘Sin título’ , 2019, Madera tallada y pintura acrílica, 104 × 28 × 35 cm
Chourouk Hriech
Chourouk Hriech, ‘¿A quién pertenece la memoria de los paisajes?’, Gouache sobre lienzo, 168 × 192 cmChourouk Hriech,Dibujos en tinta china sobre papel, difererentes medidas.
February James
February James, un artista en ascenso, autodidacta, creador de una obra figurativa que dialoga con el espectador, en lugar de retratos realistas, James captura la esencia de sus personajes en sus acuarelas.
Febrero James ‘Sigueme’, Óleo y acuarela sobre lienzo, 48,2 x 48,2 cmFebrero James, de la serie ‘Somos el huésped de una casa que no nos pertenece’, Dípticos, Acuarela y tinta sobre papel, 35,5 x 28 cm cada unaFebrero James, de la serie ‘Somos el huésped de una casa que no nos pertenece’, Dípticos, Acuarela y tinta sobre papel, 35,5 x 28 cm cada unaFebrero James, de la serie ‘Somos el huésped de una casa que no nos pertenece’, Dípticos, Acuarela y tinta sobre papel, 35,5 x 28 cm (cada una).
Bev Butkow
Una serie de collages de técnica mixta del artista sudafricano Bev Butkow, realizados con trapos de cocina tejidos con cuentas sobre lienzos estampados. Dimensiones aproximadas, 50 x 50 cm (cada una)
Adel El Siwi
Adel El Siwi, ‘La cantante’, 2019, Tecnica mixta sobre lienzo, 50 x 70 cm.
Uno de los artistas egipcios contemporáneos más famosos e influyentes, Adel El Siwi explora el tema de los rostros, pone de relieve la parte más expresiva del cuerpo humano en el contexto de preceptos inhibidos y cargados de culpa. Son rostros alargados, parecen crecer en las superficies, son la fusión de tres influencias: el rostro faraónico, la máscara africana y los retratos de la momia Fayum. Esto da forma a un conjunto de personalidades diferentes: entre estados de ánimo pensativos y miradas sugerentes, algunos rostros emanan encanto y carisma, otros intimidan o revelan una sutil capacidad de seducción.
Adel El Siwi ‘La reina’, 2019, Técnica mixta sobre lienzo, 120 x 100 cm.Adel El Siwi ‘Príncipe con flores rojas’, 2019, Técnica mixta sobre lienzo, 120 x 100 cm.Adel El Siwi, Tarboushs artesanal, 20 × 14 × 14 cm
Godfried Donkor
Godfried Donkor, ’Olímpicos XVI’ y ‘Olímpicos XIV’, Óleo y acrílico sobre papel, 212 x 136 cm
Jean David Nkot, Po
Prinston Nnanna ‘Guya’, Carboncillo sobre papel tonificado a mano, 130×106 cmJean David Nkot, Po. ‘Caja-2470 una vida de ilusiones’, Acrílico, Posca y tinta china sobre lienzo, 160 x 140 cm.
Ibrahim El-Salahi
Sin duda una feria impresionante con magníficas obras, pero la que mas me ha emocionado es la de Ibrahim El-Salahi, una obra caragada de sentimiento.
Ibrahim El-Salahi “Dibujo para aliviar el dolor” , sobre lino belga calandrado, 28 × 15 cm
Ibrahim El-Salahi “Dibujo para aliviar el dolor” , 2019, sobre lino belga calandrado, 196 × 130 cm
Ibrahim El-Salahi es un pintor célebre, con una impresionante carrera internacional que abarca cinco décadas. Considerado una de las figuras más significativas del Modernismo africano y árabe, su obra es profundamente espiritual y reflexiva poniendo énfasis en la injusticia social y política. En su trabajo, utiliza siempre materiales que están a la mano: encarcelado en la década de los 70 sin haber sido juzgado bajo la dictadura militar de Sudán, su único escape era dibujar y pintar, los realizaba sobre trozos de papel de empaquetar cemento o telas de sacos de café. Ahora con 89 años y enfermo, con el movimiento limitado por el dolor, dibuja sobre papel o cartones de cajas de medicamentos. Recién recuperado de sus crisis de dolor de los huesos regresó despues de su tratamiento a su estudio para trabajar en grandes y pequeños formatos de dibujo y pintura que son los que hemos admirado en 1-54. El Finacial Times le dedicó un articulo en su informe sobre la feria.
Estudió en la Escuela de Diseño del Gordon Memorial College en Jartum, Sudán y en la Escuela de Bellas Artes Slade, en Londres, Reino Unido. Siempre fiel a su técnica y motivo incluida la caligrafía abstracta que dominó como fundador a principios de la década de 1960 de lo que más tarde se denominó la Escuela de Jartum. Su lenguaje visual surrealista, combina influencias árabes, islámicas, nubias, coptas y occidentales. Las obras de El-Salahi se encuentran en las colecciones del Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York; el Metropolitan Museum of Art de Nueva York; Tate de Londres; el Museo Británico de Londres, Reino Unido; Mathaf: Museo Árabe de Arte Moderno de Doha, Qatar; Museo Nacional de Arte Africano – Institución Smithsonian en Washington DC; Art Institute of Chicago en Chicago; Galería Nacional de Victoria en Melbourne, Australia; y el Museo de Newark en Newark, Estados Unidos.
Ibrahim El-Salahi ‘Dibujo para aliviar el dolor’, Pluma y tinta dibujado sobreel reverso de cajas de medicamentos, 16,9 × 10,8 cmIbrahim El-Salahi, ‘Para aliviar el dolor’, 2019, Serigrafía única sobre lino belga calandrado, 105 x 187 cm. Ibrahim El-Salahi ‘Dibujos para aliviar el dolor’, Pluma y tinta dibujado sobre el reverso de cajas de medicamentos, varias medidas.Ibrahim El-Salahi ‘Dibujos para aliviar el dolor’, Pluma y tinta dibujado sobre el reverso de cajas de medicamentos, varias medidas.
Prinston Nnanna
Prinston Nnanna ‘4000 Genera’l , 2019, Carboncillo sobre papel tonificado a mano, 150x95cm.Prinston Nnanna ‘Guya’, Carboncillo sobre papel tonificado a mano, 130×106 cm.
Diane Victor
Los espectaculares dibujos de la artista sudafricana Diane Victor están realizados con humo, ceniza y carbón. Cuando dibuja con humo lo hace con una vela, con el humo que desprende la llama, acercando el papel sobre ella, sin tocarla mueve la vela como si fuera su pincel. Su obra es figurativa, y para ella el componente estético es importante, la obra tiene que atraer; en sus propias palabras “vinculo la obra con una estética que de placer visualmente hablando. Cuando miras como espectador estás participando, observando y haciendo preguntas. Entonces si el espectador está lo suficientemente interesado leerá más o encontrará algo más y profundizará en el tema, …, es una forma más sutil de plantear una problemática ya que dibujo las cosas o temas que me enojan. Soy una artista inútil cuando no estoy enojada, ja, ja. Si soy feliz no hay energía, es extraño explicarlo; pero con la ira hay foco. Cuando estoy feliz, de verdad prefiero ir de fiesta o salir a caminar. Lo que busco es concienciar con determinados temas, busco una reacción porque no soporto la indeferencia ante determinadas problemáticas que están ahí, convive con nosotros, lo vemos en la tele, en los medios, como por ejemplo el maltrato a los animales o las guerras inútiles, la violencia, el hambre,” (fragmento de una entrevista de la revista de arte Artskop 3437).
Diane Victor, dibujo realizado con ceniza sobre papel, 2019Diane Victor, ‘Hermanito’ – dibujo realizado con humo sobre papel (con la llama de una vela), 2019
Vincent Michéa
Vincent Michéa. ‘Le Marché kermel’ , De la serie, Nous deux, Acrílico sobre lienzo, 100 × 100 cmVincent Michéa, ‘Le Grand marché’, De la serie, Nous deux, Acrílico sobre lienzo, 145 x 235 cm
Houston Maludi
Houston Maludi, de la serie La vie dans la cité, 2019 ‘Back the Street’, Tinta china sobre papel, 27 x 49 cm
Tyna Adebowale
Tyna Adebowale, ‘Sin título # 001’ Óleo sobre lienzo, 109 × 139 cm
Merikokeb Berhanu
Merikokeb Berhanu, Untitled XXXVI, 2019, Acrylic on canvas, 152 x 122 cm.
Y cómo fue la feria en números
El “Arte africano” empieza a percibirse como un termino cada vez más amplio para los 54 países del continente. “La etiqueta ‘africana’ no tiene que desaparecer, pero tiene que evolucionar”, dice Rakeb Sile, cofundador de Addis Fine Art de Etiopía. “África es vista como un monolito, como una unidad, pero tiene muchas historias diferentes, con muchos matices «.
Los numeros según el Financial Times: la feria ha estado muy animada y concurrida con un balance de ventas también muy positivas. La galería Sile vendió todas las obras que había traído para su stand, todos de artistas etíopes: Tadesse Mesfin (25,000- 35,000£) y sus discípulos Ermias Kifleyesus ( 5,500- 12,500£) y Merikokeb Berhanu (hasta 15,000£ ). En las otras galerías como la October Gallery, las ventas incluyeron “Conscience Fragile” (2019) del artista de la República Democrática del Congo, Eddy Kamuanga Ilunga, la Norval Foundation de Sudáfrica (65,000£), mientras que la galería Vigo reportó ventas de 57 de los dibujos de la serie “Pain Relief” (Alivio del dolor) de Ibahim El-Salahi, nacido en Sudán (con un precio de entre 2,000 y 30,000£ cada uno), incluido uno para la colección del Modern Forms de Londres.
Autor: Arte: espacio y contenido.
Fuentes: 1-54 Contemporary African Art Fair, Artsy, Financial Times.
Si os encontráis por San Sebastián este mes de agosto, estáis a tiempo de disfrutar de la magnífica exposición AQUAZUL de la artista vasca Nisa Goiburu en la Sala Nautilus del Aquarium donostiarra.
Una vez más Nisa Goiburu nos da muestra de esa gran capacidad de convertir los sentimientos en expresión poética visual. Aquazul es un proyecto pluridiciplinar donde predomina su visión interior; nos habla de la mujer, el mar, el universo; de las huellas del recorrer y de los océanos que la transporta a otras culturas.
Aquazul nace del mar, del azul profundo y del azul celeste que la mira, del azul frío de la melancolía y la espera, del lapislázuli del encuentro y del azul turquesa de la renovación; nos narra el significado de la vida a través de las texturas de la materia y el color.
En la muestra nos encontraremos con el arte en toda su diversidad y atemporalidad. Goiburu compone sus intervenciones con varios elementos, desde pinturas, dibujos y collage hasta instalaciones y performance uniendo todas las artes en una sola voz.
Judith Cuba comisaría de la muestra hizo la presentación, habló sobre el proceso del proyecto, de un trabajo que nace de la investigación, de cómo la artista va componiendo la obra, los materiales que maneja para intervenir la pintura, de su técnica muy personal que se ha ido enriqueciendo con el tiempo hasta convertirse en una alquimia que se confabula con lo intuitivo y los sentimientos.
La comisaría de la exposición nos dice en su crítica;
“La exposición Aquazul que nos trae Nisa Goiburu nace de dos miradas, la poética y el proceso creativo de su arte siempre en compromiso con la vida, nos acentúa una vez más esa estrecha afinidad de la artista con la naturaleza.Aquazul surge del mar, de ese dialogo de recuerdos que nos evoca la inmensidad del océano; la lejanía, la ausencia, y que se convierte en esperanza como si de una poesía se tratase.
La exposición explora el azul en todos sus matices y dimensiones para dar significado y respuestas, haciendo tangible el agua y su universo y todo ese horizonte azul donde el océano se une con lo inmaterial. Asimismo, nos ofrece una visión única de los procesos en su trabajo de reciente creación destacando el papel crucial de la materia y el color, utiliza materiales sobrantes de anteriores colecciones como semillas que han germinado para la ejecución de este proyecto permitiendo al espectador ahondar en la mente de la artista y participaren su recorrido.
Sin duda esta es una exposición para vivirla, una vez más Nisa Goiburu nos da muestra de que la experimentación artística permanece siempre como algo vivo y latente en su arte.”
Nisa Goiburu en la presentación de la perfomance “Nací del mar” el día de la inauguración, con la intervención de la soprano María Mendizabal y la bailarina Garazi Egiguren.
La exposición se puede ver en la Sala Nautilus del Aquarium de San Sebastián, en horarios de: Jueves, Viernes y Sábados: 18 h-20 h
Hasta el 31 de agosto.
La exposición ha tenido mucho eco en los diferentes medios de comunicación. Dejamos aquí un link de la entrevista a Nisa Goiburu en Radio Nacional de España.
ARTE: espacio y contenido 