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Feria Internacional de Arte Contemporáneo Just Madrid 2015

La Comunidad de Madrid se ha convertidio un año más en el epicentro del arte contemporáneo a nivel internacional gracias a la celebración de las ferias ARCOmadrid, Art Madrid, JustMad, Flecha, ääl Photo, Franqueados, etc. además de 150 exposiciones en la capital madrileña, generando una oferta cultural que atrajo a más de 200.000 visitantes procedentes de todo el mundo.

Just Medrid con sus proyectos y fomento del arte emergente ha sido todo un éxito de participación y de visitas.

 

 

 

 

 

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FRIEZE LONDON 2014

Frieze de Londres es una de las ferias de arte contemporáneo más importante del mundo y el evento de arte más relevante del año.

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Con 12 años de existencia se ha convertido en uno de los destinos principales en el circuito del arte y que tiene lugar todos los años en el mes de octubre en Regent’s Park, Londres, Situado en el corazón de la ciudad.

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Además de ser una feria donde ver y comprar arte de más de 1.000 artistas (los más destacados del mundo)  Frieze Contemporary Art Fairs cuenta con Frieze Projects , único programa de la feria, aclamado por la crítica en cuanto a las comisiones de artistas y Frieze conversaciones , un prestigioso programa de debates, mesas redondas y conferencias magistrales. En su edición 2014, la feria también introdujo en Vivo – una nueva sección dedicada a las instalaciones basadas en rendimientos ambiciosos.

Frieze Contemporary Art Fairs 2014 donde este año han participado más de 162 galería de 25 países de todo el mundo.

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Finaliza SUMMA 2014 Contemporary Art Fair Madrid

Muy buena la organización de la feria de arte, con una gran cartera de coleccionistas que nos visitaron, además de un publico maravilloso que compartieron todos ellos la pasión por el arte.

 

Una Pequeña muestra de lo que fue Summa Contemporary Art Fair Madrid ,  que se celebró en el Matadero, del 18 al 21 de Septiembre.

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SUMMA 2014 Contemporary Art Fair Madrid

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La galería Dunkan de Paris estará presente en la SUMMA Contemporary Art Fair de Madrid, que tendrá como sede en Matadero, uno de los espacios más visitados de la escena madrileña, del 18 al 21 de Septiembre y que anuncia a la vez la apertura de la temporada expositiva 2014-2015.  Al igual que en su precedente edición, SUMMA 2014 llevará a cabo diversos programas para coleccionistas.

Marcaran la internacionalidad de esta gran cita con el arte la galería Dunkan , con sedes en París (FRANCIA)-Leipzig (ALEMANIA),  conocida por tener una fuerte presencia en importantes ferias internacionales de arte, y por contar con una de las mejores ofertas artísticas del mundo.

Alicia Paz, La Géante, 2010, Oil, acrylic and collage on canvas, 190 x 130 cm, Courtesy Galerie Dukan

Para Summa 2014 la galería Dunkan trae a tres artistas que destaca cada uno por la fuerte personalidad de sus trabajos.

Alicia Paz, artista mexicana, conocida por sus creaciones tridimensionales, fantásticas esculturas formadas por siluetas femeninas como la técnica singular de sus cuadros.

Alicia Paz, Fox Trott, 2012, Mixed media on paper, 105 x 61 cm, Courtesy Galerie Dukan

Su arte es un mundo de ficción donde la figura femenina, misteriosa y juguetona es la protagonista central, una mujer camaleónica con su entorno colorido, se mueve como si de un gran baile de disfraces se tratase, de múltiples referencias, de la historia del cine, la moda, la escenografía, así como la cultura popular, todo ello conviven alegremente en un diálogo donde la mujer se muestra a veces alegre y coqueta y otras veces sobria e irónica.  Alicia Paz estudio en el Royal College of Art, Londres – Reino Unido, graduada por  U.C. Berkeley, ENSBA-Paris y en el Goldsmiths College. En el 2013, el Champagne Nicolas Feuillatte le otorgó el título de «Artista del Año» de Francia, en el mismo año se celebró una exposición semi-retrospectiva de su obra en Sigean LAC en colaboración con FRAC Languedoc-Roussillon. En 2012 , Exposicion colectiva en El Musée Kunstmuseum Magdeburg  junto a Neo Rauch, Gehard Richter….  Su obra está presente en numerosos museos importantes de arte contemporáneo de Europa, America y Asia. Para el año 2015 el Kunstmuseum Basel (Museo de arte contemporáneo de Basilea –Suiza) organizará una exposición individual a Alicia Paz

         Alicia Paz, Boxer, 2013, Mixed media on wood, metal base, 180 x 110 x 40 cm, front view, Courtesy Galerie Dukan                      Alicia Paz, Giant, 2013, Mixed media on wood, metal base, 171.5 x 86.1 x 40 cm, rear view, Courtesy Galerie Dukan             Instalaciones de Alicia Paz

Craig Wylie, El rostro es un paisaje fascinante que está lleno de claves y que wylie posee el poder de reinterpretarlos. Sus retratos de gran escala contienen rostros de expresiones ambiguas y miradas apacibles.

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Wylie, artista nacido en Zibawue que vive en Londres desde hace muchos años, se sirve de las instantáneas que hace a sus amigos y de la gente que tiene a su alrededor, buscando esa naturalidad de aparente normalidad que ellos mismos ayudan a construir como un universo singular.

MD(ripple) 2013 40x50cm Oil on LinenDesde la pantalla de su ordenado la instantánea se ve con otra luz, con otra intensidad lumínica y esa es la luz que da a sus cuadros, creando un efecto  inusual de profundidad, claridad de luz y color.  Él convierte esa fotografía en una reinterpretación de lo natural. En sus propias palabras, se trata de «aislar un tipo de tensión sin inflexiones, tomando prestada la instantánea desde la fotografía y que se extiende en el tiempo a través de la pintura, como un hilo de luz infinitamente vibrante.»  Craig Wylie  estudio en La Universidad de Rhodes, Grahamstown, Sudáfrica. Graduada BFA con honores, con exposiciones recientes en los EE.UU., Alemania, Hong Kong, Francia y Bélgica. Ha ganado numerosos premios, incluyendo el Premio Ist en el prestigioso BP Portrait Award en la National Portrait Gallery, Londres, el Premio Nacional Londres, el Premio Hunt a cabo en el Royal College of Art de Londres. Tiene obra en la colección permanente de la Galería Nacional de Retratos y el del Neuer Kunstverein, Aschaffenburg, Alemania.

Edición: Arte, Espacio&Contenido

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HENRI CARTIER-BRESSON, El ojo del siglo XX

   Exposición retrospectiva en la Fundación Mapfre de Madrid. Del 28 de Junio al 7 de Septiembre

Henri Cartier-Bresson concedió ese concepto que tiene hoy en día la fotografía, “el instante decisivo” el titulo que lleva su libro 1952.

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“Para mí, la cámara es un cuaderno de dibujo, un instrumento de la intuición y la espontaneidad en términos visuales, el maestro del instante, que te preguntas y te decides al mismo tiempo. Con el fin de «darle un sentido» al mundo, es necesario sentirse implicado en lo que encuadras a través del visor. Esta actitud requiere concentración, disciplina mental, sensibilidad y un sentido de la geometría. Por economía de medios es por lo que se llega a la simplicidad de expresión.

Para tomar una fotografía hay que contener la respiración en el momento cuando todas las facultades convergen en esa apariencia de huida de la realidad. Ese momento del dominio y la captura de la imagen se convierte en un gran gozo físico e intelectual.

Tomar una fotografía significa reconocer  simultáneamente y en una fracción de segundo  tanto el hecho en sí y la organización rigurosa de las formas percibidas visualmente que le dan sentido. Es poner la cabeza, uno de los ojos y el corazón en el mismo eje”.                                                                                                                                                                                    Henri Cartier-Bresson

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Esta retrospectiva es probablemente la más completa e interesante de las que se han realizado sobre la trayectoria de quien sin lugar a dudas ha sido el fotógrafo más influyente del siglo XX. Una muestra modélica no sólo por la ingente cantidad de material reunido, más de 500 fotografías, dibujos, películas, documentos o cuadros, sino también por su planteamiento. No es habitual encontrar todo en uno, claridad expositiva, densidad en el análisis, nuevos puntos de vista y, además, voluntad de síntesis entre las diferentes interpretaciones desarrolladas con anterioridad en torno al autor y su obra.

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gandhi_henri_cartier-bresson_1A lo largo de su carrera, retrató a personajes como Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Fidel Castro, Ernesto “Che” Guevara… Cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española, la Segunda Guerra Mundial, fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de Stalin.  tumblr_lkcgdgtGqV1qzz5ieo1_1280     779HenriCartier-Bresson-4PabloPicasso

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La exposición está ordenada cronológicamente. El paseo expositivo de la muestra nos cuenta que mannequin1Brensson comenzó su carrera fotográfica como empiezan la mayoría de los aficionados de esta técnica, fotografiando rincones curiosos de la ciudad, atardeceres, contraluces, comportamientos urbanos de la sociedad, pero poco a poco vemos y vamos observando cómo nace el artista. Cartier-Bresson empieza a fotografiar escaparates, la atracción que tienen estos sobre los paseantes, el escaparate como una gran vitrina de lo novedoso, de lo último en el mercado industrial, automovilístico, aparatos electrodomésticos, la moda, etc. Pero a la vez no deja de explorar lo que la modernidad va dejando atrás y es cuando también nos ofrece imágenes de tiendas viejas, en absoluto abandono, con sus escaparates de maniquíes abandonados con algunas de sus extremidades amputadas, quien sabe si por el tiempo.

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Varios de sus primeros cuadros celebran el movimiento por medio de la congelación de imagen, como «Detrás de la Gare Saint-Lazare, Paris(1932), en la que un hombre saltando queda fijado para
siempre justo antes de que su talón tocara el agua que reflejaba su silueta. Otras imágenes transforman completamente la realidad, la reinvención de la vida de la calle como teatro surrealista, más misterioso y atractivo que el mundo que conocemos.

Pero lo que más me ha impresionado y a mi parecer de las más emocionantes en su percepción (y donde más tiempo se detenía la gente a observar) fue su faceta como reportero gráfico en diferentes revistas como Paris Match o la agencia Magnu. Sus reportajes estaban repletas de fotografías, eran las imágenes las que contaban la noticia. La mejor es, cuando le mandan a Londres para cubrir la coronación del rey Jorge VI en 1937. Cuando toda Francia y Europa esperaban las fotografías del gran evento histórico,  Henri Cartier-Bresson decide  innovar al elegir fotografiar a la multitud que estaban a lo largo del recorrido del nuevo rey y no al propio rey.

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Llama la atención que entre la multitud, el publico que se encontraba detrás se situara dando la espalda al recorrido del nuevo rey para poder ver mejor a través de unos espejos retrovisores creado por ellos mismos.

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Durante más de dos horas estuve inmersa en ese gran reportaje de la memoria del siglo XX, pero es que no era sólo yo, todos incluido los niños estábamos como absorbidos por esas ventanas abiertas al pasado; una gran exposición que presentaba a la fotografía como el arte de contar la historia.

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Hasta el 7 de Septiembre en la Fundación Mapfre de Madrid. La entrada es gratuita.

Quedan pocos días para su clausura, No os la perdáis.

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VALERY KOSHLYAKOV creador de un arte que nace de la basura y se cotiza alto.

Koshlyakov  artista conceptual, famoso por la temática de sus obras y su técnica, emplea materiales pobres, reciclados, como cajas de cartón y cintas adhesivas de embalaje con el que incluso pega el cuadro a la pared de la galería. Su trabajo llama la atencion por su gran formato, pinta gigantescas construcciones simbólicas siempre en ruinas de monumentos arquitectónicos y escultóricos de la edad de oro de grandes culturas e imperios; y aunque su obra no es comercial debido a la corta vida de sus materiales que imposibilita su debida conservación sus piezas ya han alcanzado la cifra de  $100.000 en la Subasta de Otoño 2013,

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Se le podría denominar como un clásico post-modernista,  sus espectaculares construcciones del arte clásico están realizadas a gran escala, son una especie de «retratos» de los grandes monumentos arquitectónicos de Grecia y Roma, el legado del Renacimiento, las «composiciones» ideales del constructivismo. Partenón y el Coliseo, los frescos de Pompeya, los interiores de las catedrales góticas, el constructivismo y el estalinista de Moscú son sus ‘conservaciones nobles’. «Koshlyakov  puede ‘sumergirse’ en el espacio cultural de cualquier período de la historia del arte y luego asignar en el lienzo su fórmula del tiempo» (Elena Selina directora de la galería XL, Moscú).

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Con realismo y poesía, Koshlyakov invita a los visitantes a una ciudad imaginaria, construidos con materigales recurrentes, un refugio que la gente siente que ha reunido con el fin de sobrevivir, como el Arca de Noé, hecho de materiales sencillos y humildes. Sus exposiciones son más parecidas a un campamento surgido de un lugar atemporal donde  grabar la memoria de la historia de la historia como la suya personal, de una vida bohemia o de  un estado nómada.

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Valery Koshlykov en la exposición ‘Gaiety is the most outstanding feature of the Soviet Union’ (en La Saatchi Gallery, 21 Nov 2012 – 9Jun 2013)

El trabajo de  Koshlyakov se adapta al espacio donde se encuentra.  En su etapa como diseñador, acompañaba sus numerosos dibujos y bocetos con una meticulosa investigación de materiales, encontrándose elementos como el cartón, hierro, madera, plástico o cinta adhesiva de embalaje con el que utiliza para crear esculturas grandilocuentes. Estos elementos efímeros dan a sus grandes formatos una sensación de inestabilidad, creando un cierto enfrentamiento con la iconografía de lo instituido, enraizada en los monumentos clásicos y modernos de la tradición artística europea. La belleza de estos vestigios del pasado surgen de materiales obtenidos o encontrados en la basura o del desecho, que hacen que se asemejen a unas ruinas, a reliquias arqueológicas utópicas ubicada en un lugar y tiempo indefinido, aveces utiliza pintura blanca en forma de goteos simulando el excremento de las aves  proporcionando a la obra una sensación de estado de dejadez y abandono a lo ya ruinoso. Además de su evidente re-exploración del arte antiguo, clásico y moderno, la referencia predominante en la obra de Koshlyakov es el constructivismo ruso, el suprematismo de Kazimir Malevich, y los dibujos y diseños arquitectónicos de Laszlo Moholy Nagy, El Lissitzky, Antonio Sant ‘ Elia y Kurt Schwitters, en una alternancia entre pasado y futuro, la realidad y la fantasía, rigor geométrico y el azar puro.

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Valery Koshlyakov es nacido en Salsk, Rusia en 1962, reside actualmente en Moscú y París. De 1981 a 1985 estudió arte en la Escuela de Arte de Rostov-on-Don Superior y en 1987 se unió al grupo  «Arte o Muerte», formado por jóvenes artistas activistas 1981-1991 de la región, logrando una inmediata repercusión, de gran éxito como respuesta a la crisis que la cultura soviética estaba experimentando en ese período. Hoy los miembros del grupo están entre los artistas rusos más importantes de la escena contemporánea.

En el año 2000, Koshlyakov presentó la instalación «Izba» en la galería de Marat Gelman, donde todos los detalles interiores fueron «pintado» con cinta adhesiva de color en la pared. Y en 2003 hubo una exposición en la galería de «Regina». A continuación, el artista hizo las reproducciones de cuadros famosos con cinta adhesiva.

Instalación realizadas con cintas adhesivas de colores, 2004, Colección particular

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Instalación realizadas con cintas adhesivas, 2004, Colección particular

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En ese mismo año, el Museo de Arquitectura Schusev exhibió piezas tridimensionales de Koshlyakov. Había cabinas trabajadas con cartón pintado, con formas misteriosas que parecían elementos de la arquitectura antigua, clásica, barroca, avant-garde. En el 2005, el Museo del estado ruso se hizo otra exposición del artista, titulado «La ropa de espacio. Ikonuses». Según Koshlyakov «Ikonuses» contene la idea de buscar «la iglesia personal», un templo o lugar sólo para la persona y en 2009 se celebró una retrospectiva en el Museo Estatal de Arte Moderno de la Academia Rusa de las Artes que se convirtió mas tarde en un proyecto especial para la Bienal de Moscú .

Valery Koshlyakov  instalacion 3Valery Koshlyakov ha participado en importantes exposiciones internacionales, como «Iconographias Metropolitanas», São Paulo, Brasil (2002), «Il ritorno dell’artista», Bienal Venecia, 50 ª Exposición Internacional de Arte, Pabellón de Rusia (2003), «Moscú- Berlin / Berlín-Moscú 1950-2000 «, Berlín, Martin-Gropius-Bau; Moscú, Museo Estatal de Historia (2004), «Rusia», Nueva York, Solomon R. Guggenheim Museum (2005), Bilbao (2006), «Sots Art – Art Politique en Russie de 1972 à aujourd’hui», Paris, la Maison Rouge (2007), «Povera rusa», Perm, River Station Hall (2008), «Contrapunto – Contemporary Art de Rusia», París, Musée du Louvre, (2010-2011), «Dentro de un desorden absoluto – Arte Contemporáneo de Rusia» , Barcelona, ​​Arts Santa Mónica, (2012), . Sus exposiciones individuales más recientes incluyen: «Iconuses – Elección de la escala», Moscú, Museo Nacional de Arquitectura (2001), «Paysage, lieu de vie», Paris, Mairie de París, Hôtel d’Albret (2004), «Valery Koshlyakov «, Roma, MACRO, Museo d’Arte Contemporanea Roma (2005),» Iconuses – Vestir el espacio «, de San Petersburgo, el Museo Estatal Ruso (2005),» Edad de Oro «, Baden-Baden Kunstverein (2007),» Sarcófago «, Krasnoyarsk, Rusia, Museo de Lenin (2008),» Sarcófago «, Krasnoyarsk, Rusia, el Museo de Lenin (2008),» Valery Koshlyakov «, Roma, Fondazione Volume, (2009). ‘No es el fin del mundo’  proyecto concebido y producido por Artissima en colaboración con los museos de Turín líderes contemporáneos de arte e instituciones: Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, GAM Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea, Fondazione Merz, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo y Palazzo Madama). ‘Gaiety is the most outstanding, feature of the Soviet Union’  en  la Saatchi Gallery (21 Nov 2012 – 9 June 2013).

 

Fuentes: See you in Moscowt, Mutual Art.com, Galería XL Moscú, Saatchi Gallery

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I FESTIVAL DE ÓPERA DEARTE MEDINACELI

 

 OPERA MEDINACELI

 

Fundación Medinaceli DEARTE

 

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18 cosas que las personas altamente creativas no hacen igual que el resto

 

18 cosas que las personas altamente creativas no hacen igual que el resto

La creatividad funciona de una forma misteriosa y a menudo paradójica. El pensamiento creativo es una característica estable, que define algunas personalidades, pero que también puede cambiar dependiendo de la situación y del contexto. A veces, la inspiración y las ideas vienen sin más, y luego, cuando más las necesitamos, no aparecen; el pensamiento creativo requiere un conocimiento complejo, si bien es completamente independiente del proceso de pensamiento.

La neurociencia ofrece una imagen muy compleja de la creatividad. Según plantean los científicos, la creatividad no es tan simple como la división entre las regiones derecha e izquierda del cerebro (la teoría dice que el hemisferio cerebral izquierdo es racional y analítico, mientras que el derecho es creativo y emocional). De hecho, se piensa que la creatividad implica numerosos procesos cognitivos, vías neuronales y emociones; aún no disponemos de una panorámica completa que explique cómo funciona una mente imaginativa.

Psicológicamente hablando, los tipos de personalidad creativa son difíciles de determinar, sobre todo porque son complejos, paradójicos y tienden a evitar el hábito o la rutina. No se trata de generalizar el estereotipo del «artista torturado», pero sí es verdad que los artistas suelen tener una personalidad compleja. Las investigaciones sugieren que la creatividad implica la unión de una multitud de rasgos, comportamientos e influencias sociales en una misma persona.

«Es cierto que a la gente creativa le resulta difícil conocerse a sí misma, puesto que el yo creativo es más complejo que el yo no creativo», informa Scott Barry Kaufman, psicólogo de la Universidad de Nueva York que ha pasado varios años investigando sobre la creatividad. «Las cosas que sobresalen más son las paradojas del yo creativo… Las personas con mucha imaginación tienen una mente más caótica».

Aunque no existe la definición exacta de la «típica» persona creativa, hay algunos rasgos y actitudes que caracterizan a las personas altamente creativas.

Estas son 18 cosas que las diferencian del resto.

Sueñan despiertos

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A pesar de lo que sus profesores les dijeran, las personas creativas saben que soñar despiertos no es, en absoluto, una pérdida de tiempo.

Según Scott Barry Kaufman y la psicóloga Rebecca L. Mcmillan, ambos autores del artículo Ode To Positive Constructive Daydreaming [Oda a lo positivo y constructivo de soñar despierto], dejar que la mente merodee libremente puede contribuir al proceso de «incubación creativa». Por supuesto, muchos de nosotros sabemos por experiencia que las mejores ideas se nos ocurren de repente, cuando tenemos la mente en las nubes.

Aunque nos puede parecer que soñar despierto es una actividad sin sentido, un estudio de 2012 sugiere que, en realidad, dicho proceso va ligado a un estado cerebral muy dinámico y exigente, pues conlleva conexiones y percepciones en relación con nuestra habilidad para captar la información frente a las distracciones. También se ha descubierto que soñar despierto activa los mismos procesos cerebrales que se asocian a la imaginación y la creatividad.

Lo observan todo

Las personas creativas se comen el mundo; ven posibilidades en cualquier lugar y están constantemente recopilando información que pueda servir para la expresión creativa. Como solía decir Henry James, «nada se pierde» en la mente de un escritor.

La escritora Joan Didion siempre llevaba encima un cuaderno en el que anotaba cualquier observación sobre la gente y los acontecimientos con el fin de entender mejor las complejidades y contradicciones de su propia mente:
«Por muy diligentemente que anotemos lo que vemos a nuestro alrededor, el común denominador de todo lo que vemos es siempre, de forma transparente y desvergonzada, el implacable ‘yo'», escribió Didion en su ensayo «Sobre tener un cuaderno de notas». «Estamos hablando de algo privado, de fragmentos de la cadena mental que son demasiado cortos para usarlos, de un ensamblaje indiscriminado y errático que solo reviste significado para quien lo lleva a cabo».

Elaboran sus propios horarios de trabajo a su medida

Muchos grandes artistas afirman que cuando mejor hacen su trabajo es o por la mañana temprano o a altas horas de la noche. Vladimir Nabokov empezaba aescribir inmediatamente después de levantarse, a las 6 o a las 7 de la mañana; Frank Lloyd Wright decía que se había acostumbrado a levantarse a las 3 o a las 4 de la mañana, ponerse a trabajar durante unas horas, y luego volverse a acostar. Independientemente de cuál sea su horario, los individuos altamente creativos suelen saber en qué momento del día su mente está más activa, y en función de esto, organizan sus días.

Se reservan unos momentos de soledad

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«Para estar más abiertos a la creatividad, tenemos que ser capaces de usar nuestra soledad de forma constructiva. Debemos superar el miedo a estar solos», escribió el psicólogo existencialista estadounidense Rollo May.

Con frecuencia, se describe a los artistas como personas solitarias. Aunque no siempre se cumple, la soledad puede ser una de las claves para llevar a cabo obras maestras. Para Kaufman, podemos volver a relacionar esta idea con el hecho de soñar despiertos; tenemos que concedernos momentos de soledad y, simplemente, dejar volar nuestras mentes.

«Tienes que contactar con tu yo interior para poder expresar tus pensamientos más internos», explica. «Es difícil encontrar esa voz creativa si no mantienes ningún contacto con tu interior ni reflexionas sobre ti mismo».

Saben aprovechar los problemas que les plantea la vida

Muchas de las historias míticas y de las canciones de todas las épocas han sido inspiradas por un drama o por un desamor; lo bueno de estos retos es que al final han servido como catalizador para crear arte. Los investigadores que estudian el crecimiento post-traumático, un ámbito de la psicología en auge, sostienen que mucha gente es capaz de emplear las dificultades y los traumas que sufrieron de pequeños para aumentar sustancialmente su creatividad. En concreto, se ha descubierto que los traumas pueden contribuir a que la gente desarrolle las áreas encargadas de las relaciones interpersonales, de la espiritualidad, el aprecio por la vida, la fuerza personal y, lo que es más importante para la creatividad, la capacidad de exprimir al máximo las posibilidades que te ofrece la vida.

«Mucha gente es capaz de utilizar esto como la gasolina que necesitan para descubrir una perspectiva diferente de la realidad», afirma Kaufman. «En algún momento de su vida, se ha desmontado la visión que tenían del mundo como un lugar seguro […], haciéndoles salir a la periferia a ver las cosas de una forma diferente, renovada; es esto lo que conduce a la creatividad».

Buscan nuevas experiencias

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A la gente creativa le encanta lanzarse a probar nuevas experiencias, sensaciones y estados mentales. Esta apertura y amplitud de miras suele activar de manera significativa la creatividad.

«Estar abierto a nuevas experiencias te lleva, la mayoría de las veces, a obtener logros creativos», asegura Kaufman. «Esta idea presenta muchas facetas diferentes, pero todas relacionadas entre sí: la curiosidad intelectual, la búsqueda de sensaciones, el no tener miedo a mostrar tus emociones ni tu fantasía. Lo que une a todas estas características es el camino hacia la exploración cognitiva y conductual del mundo, tanto interno como externo».

Se caen y vuelven a levantarse

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La resiliencia prácticamente es un prerrequisito para el éxito creativo, afirma Kaufman. El trabajo creativo a menudo se describe como un proceso de fallos repetidos hasta acabar encontrando algo que encaja y que funciona. Las personas creativas, al menos las que tienen éxito, aprenden a no tomarse demasiado a pecho los errores.

«La gente creativa fracasa, y los que son buenos de verdad fracasan más de una vez», escribió Steven Kotler, colaborador de Forbes, en una pieza sobre el genio creativo de Einstein.

Plantean grandes preguntas

La gente creativa es insaciablemente curiosa; normalmente, optan por cuestionar cualquier aspecto de la vida, e incluso cuando envejecen mantienen su sentido de la curiosidad. Ya sea mediante una conversación intensa o mediante una reflexión en solitario, las personas creativas observan el mundo a su alrededor y quieren saber por qué, y cómo, funcionan las cosas.

Observan a las personas

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Son observadores por naturaleza y tienen curiosidad por la vida de los demás; a las personas creativas les suele gustar observar a la gente, y a menudo extraen algunas de sus mejores ideas de ahí.

«[Marcel] Proust pasó la mayor parte de su vida observando a la gente, anotó sus observaciones, y las reflejó en sus libros», explica Kaufman. «Para muchos escritores, observar la vida de la gente es muy importante… Son buenos observadores de la naturaleza humana».

Se arriesgan

Una parte del trabajo creativo implica correr riesgos; muchas personas creativas disfrutan del riesgo en diversos aspectos de su vida.

«Existe una conexión profunda y significativa entre el riesgo y la creatividad, aunque a menudo se pase por alto», escribió Steven Kotler en Forbes. «La creatividad es el acto de fabricar algo de la nada. Requiere hacer públicas las apuestas mejor posicionadas en tu imaginación. No es un trabajo para los tímidos. Perder el tiempo, empañar tu reputación y no gastar demasiado bien el dinero son algunas de las consecuencias negativas que puede tener la creatividad».

Consideran que todo en la vida es una oportunidad para la expresión propia

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Nietzsche creía que la vida y el mundo deberían considerarse obras de arte. Las personas creativas tienden a ver el mundo de esta manera, y a buscar constantemente cualquier oportunidad de autoexpresión en la vida diaria.

«La expresión creativa es la expresión de uno mismo», afirma Kaufman. «La creatividad no es otra cosa que la expresión individual de tus necesidades, de tus deseos y de tu naturaleza única».

Siguen sus pasiones verdaderas

La gente creativa suele tener una motivación intrínseca; esto es, una persona creativa está motivada a actuar desde sus más internos deseos, en lugar de buscar el reconocimiento o las recompensas externas. Muchos psicólogos han demostrado que la gente creativa obtiene su energía de las actividades que le plantean desafíos, lo cual es una muestra de la motivación interna. Las investigaciones sugieren que solo con pensar en los motivos intrínsecos que te mueven a hacer algo se puede activar la creatividad.

«Los mejores creadores deciden implicarse con pasión en cuestiones complejas y arriesgadas que les proporcionan un importante sentido del poder por la capacidad de utilizar su talento», escriben M.A. Collins y T.M. Amabile en The Handbook of Creativity.

Salen de sus propias mentes

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Kaufman señala que otro objetivo de soñar despierto es ayudarnos a salir de nuestra perspectiva limitada y explorar otras formas de pensamiento, que pueden ser una baza importante para el trabajo creativo.

«Soñar despierto nos permite evadirnos del presente», explica Kaufman. «La misma red cerebral asociada con la imaginación está vinculada a la teoría de la mente; esta nos permite imaginar lo que está pensando alguien o fantasear sobre cómo será nuestro “yo” futuro».

Otras investigaciones también señalan que inducir la «distancia psicológica» (es decir, pensar desde la perspectiva de otra persona o reflexionar sobre una cuestión como si fuera irreal o desconocida) puede activar el pensamiento creativo.

Pierden la noción del tiempo

Las personas creativas pueden pensar que cuando están escribiendo, bailando, pintando o expresándose, entran «en la zona», lo que se conoce como estado de flujo, que puede ayudarlos a crear a su máximo nivel de expresión. Dicho flujo es un estado mental en que un individuo va más allá de su pensamiento consciente para alcanzar un estado superior de concentración y calma sin esfuerzo. Cuando alguien alcanza este estado es prácticamente inmune a cualquier presión o distracción, sea interna o externa, que pueda entorpecer su actividad.

Entras en esa zona cuando realizas una actividad con la que disfrutas y que se te da bien, pero que a la vez te plantea retos; es lo que define a un buen proyecto creativo.

«[Las personas creativas] han descubierto su pasión, pero también han desarrollado su capacidad para entrar en el estado de flujo», asegura Kaufman. «Este estado mental requiere una conexión entre tus habilidades y la tarea que has emprendido».

Se rodean de belleza

Las personas creativas suelen tener un gusto excelente y, por ello, disfrutan de la belleza y se rodean de ella.

Un estudio publicado recientemente en la revista Psychology of Aesthetics, Creativity, and the Arts reveló que los músicos (incluidos los miembros de una orquesta, los maestros de música y los solistas) muestran una alta sensibilidad e inclinación hacia la belleza artística.

Saben unir los puntos

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Si hay algo que distinga a las personas altamente creativas del resto es la capacidad de ver oportunidades donde otros no las ven. Muchos artistas y escritores importantes han afirmado que la creatividad se basa en la capacidad de unir los puntos, algo que los demás probablemente nunca se habían planteado.

En palabras de Steve Jobs: «La creatividad simplemente consiste en conectar las cosas. Cuando le preguntas a las personas creativas cómo han hecho algo, se sienten un poco culpables porque en realidad no han creado nada, sino que se han limitado a ver algo. Tras un tiempo, les resulta obvio, pues han sido capaces de conectar las experiencias que habían tenido y de sintetizar cosas nuevas».

Les gustan los cambios radicales

La diversidad de experiencias es crucial para la creatividad, afirma Kaufman. A las personas creativas les encanta alterar las cosas, tener nuevas experiencias y evitar que su vida se convierta en algo monótono y mundano.

«La gente creativa tiene experiencias más diversas; la rutina es lo que mata esta diversidad de experiencias», explica Kaufman.

Encuentran tiempo para la meditación

Las personas creativas entienden el valor de la concentración mental, pues su trabajo depende de ella. Muchos artistas, emprendedores, escritores y otros trabajadores creativos, como David Lynch, consideran la meditación como una herramienta para conectar con su estado mental más creativo.

La ciencia respalda la idea de que la meditación realmente puede activar el poder de la mente de muchas formas. Un estudio realizado en 2012 por un equipo holandés señala que algunas técnicas de meditación promueven el pensamiento creativo. Las prácticas de meditación pueden ir ligadas a una mejora de la memoria y de la concentración, a un mayor bienestar emocional, a una disminución del estrés y de la ansiedad, y a una mayor claridad mental; todo esto puede fomentar la capacidad de pensamiento creativo.

Fuente:   Huffington Post

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¡¡EL VERANO YA ESTÁ AQUÍ!!

El verano ya está aquí

El verano ya está aquí, sal con los brazos abiertos y dale la bienvenida….  sin complejos..

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¡¡CONTIGO HAY ÓPERA!!

¡¡CONTIGO HAY ÓPERA!! 

I FESTIVAL ÓPERA DEARTE MEDINACELI. SORIA

 

Descripción del proyecto

 

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El I Festival Ópera DeArte Medinaceli es un ambicioso proyecto que pretende presentar óperas en un incomparable escenario: el histórico Patio Renacentista del Palacio Ducal de Medinaceli.

Cuatro días, 7, 8, 9 y 10 de agosto de 2014, con ópera de calidad y actividades paralelas que pretenden acercar este genero al gran público y apoyar a los jóvenes creadores e interpretes. Generando interés en los más pequeños con espectáculos para niños. Contribuyendo a dinamizar económica, social y culturalmente, la provincia de Soria, muy despoblada.

CONCURSO DE CANTO
En el I Concurso Internacional de Canto «Un Futuro DEARTE», participarán jóvenes intérpretes, seleccionados por un jurado excepcional:

Paolo Pinamonti, Director Teatro de la Zarzuela de Madrid
Cristobal Soler, Director Musical Teatro de la Zarzuela de Madrid.
Juan Ángel Vela del Campo, Crítico musical.
José Ramón Tapia, Crítico musical.
Susana Cordón, Profesora de la Escuela Superior de Canto de Madrid.
José Manuel Aceña, Director otoño musical de Soria.
Francisco Mejorada, Director I Festival Ópera DeArte Medinaceli

Los tres finalistas cantarán, junto a la ya consagrada soprano Pilar Jurado, durante el festival y recibirán los siguientes premios:

  • Primer Premio: 2.500 € + trofeo
  • Segundo Premio: 1.000 € + trofeo
  • Tercero Premio: 500 € + trofeo

DESARROLLO DEL FESTIVAL

  • Banda Municipal de Soria.
  • Ópera y Baco.
  • Don Pasquale, producida por Producciones Omis.
  • Pilar Jurado, Soprano, recital junto con los finalistas del concurso.
  • Entrega del Premio «Una vida DEARTE».
  • Ópera para niños: «Cuidado con la Soprano», Carmen Dólera y Salvador Requena.

TALLERES PARA NIÑOS
Los espectáculos principales se complementarán con talleres para niños, para acercar la ópera a las nuevas generaciones y hacerlo más atractivo para las familias.

EXPOSICIÓN TRAJES DE ÓPERA
Medinaceli DEARTE, presentará una exposición de Trajes de Ópera que mostrará el arte de la costura con trajes que son verdaderas obras de arte.

A QUÉ DESTINAREMOS VUESTRAS APORTACIONES
PRESUPUESTO:El presupuesto previsto para todo el festival es de 93.500 € de los cuales la mayor parte se cubre a través de patrocinios de entidades y marcas.

Solicitamos ayuda para completar la financiación del Festival. Con ello sufragaremos el coste de la cuarta jornada con el espectáculo lírico «Cuidado con la Soprano», más los dos talleres infantiles y la exposición de trajes.

La producción ha empezado desde hace tiempo y el primer día del festival será el 7 de agosto de 2014, prolongándose hasta el día 9 de agosto (quizás también el día 10).
Necesitamos tu apoyo para impulsar este hermoso proyecto, y poder completarlo satisfactoriamente. Para impulsar a los jóvenes creadores, acercar la ópera a todo el mundo y dinamizar la hermosa y despoblada provincia de Soria.

Porque contigo hay ópera!!

http://www.verkami.com/projects/8953#

RECOMPENSAS A LOS MECENAS
Ofrecemos una amplia gama de recompensas para premiar la generosidad de los amigos en función de las posibilidades de cada uno.

Los Conciertos de Palacio son Veladas musicales que se realizan asiduamente en elPatio Renacentista del Palacio Ducal de Medinaceli. Se puede consultar la programaciónaquí

Las entradas al Festival, obtenidas mediante crowdfunding, son muy ventajosas respecto a su adquisición en taquilla.

La Posada Real Santaquiteria es un hotel de lujo, en un entorno natural paradisíaco, que se ubica en un castillo del siglo XI y un caserón del siglo XVIII.

Para más información consulte www.posadasantaquiteria.com

Fotografía de Medinaceli, para la recompensa Una Noche de Hotel en la Villa Historica de Medinaceli:

Fotografías de la casa de Pollença del siglo XVII:

Las recompensas a los mecenas de Verkami las entregaremos en la misma semana de desarrollo del Festival.

CALENDARIO
JULIO 2014
Domingo 20 de Julio

  • 11:00, Inauguración exposición de trajes de óperas
  • 12:00, Final del concurso I Premio Un Futuro DEARTE. Jurado y público.

AGOSTO 2014

Jueves 7 de agosto

  • 12:00, Taller Infantil
  • 20:00, Banda Municipal de Soria y Coral de Soria.

** Viernes 8 de agosto**
– 21:00, «Don Pasquale». Gaetano Donizetti. Orguesta: Martin y Soler (27 interpretes) Productora: Producciones Omis

Sábado 9 de agosto

  • 2:00, Taller para niños.
  • 21:00, Recital de la soprano Pilar Jurado.
  • 22:00, Recital de los finalistas del Concurso de Canto.
  • 23:00, Entrega de los premio Un Futuro DEARTE y Una Vida DEARTE

Sábado 9 de agosto

  • 17:00, Ópera para niños: «Cuidado con la Soprano».

MÁS INFORMACIÓN
Sobre el I Festival de Ópera de Medinaceli
Sobre la Fundación Dearte
facebook.com/fundacion.deartecontemporaneo
Twitter de la Fundación
Página de Pilar Jurado
Página de OMIS, productores de la ópera Don Pasquale:
Página de la Banda Municipal de Soria

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Si quieres saber más pregúntale al autor

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