Con un perfecto conocimiento de la técnica del lenguaje del volumen Mariela Garibay consagrada escultora peruana nos presenta una colección de gran expresividad. Sus piezas tienen la apariencia de niños “gorditos” en el que la artista representa muy bien esa ingenuidad tan inherente a ellos, dando forma con las manos sus sentimientos para luego compartirlo en sus exposiciones. La artista logra sacar la sonrisa del espectador que experimenta esos sentimientos de ternura que provocan sus esculturas. Sus niños son robustos, llenos de energía, cariñosos, tiernos, sensibles y juguetones.
Contemplar pequeñas cosas
Garibay trabaja la escultura en distintas clases de piedras, como el mármol de Carrara (Italia), el Alabastro, el mármol de Calatorao. También hay esculturas de arcilla para el cual utiliza una técnica milenaria del Perú, quemando la arcilla para conseguir una textura especial, con matices de color tostado que realza la forma y la expresividad de sus piezas.
Esperando
De currículo brillante, La escultora peruana cuenta con exposiciones en América y Europa. Realizó sus estudios de arte en la prestigiosa Universidad Católica de Lima donde se licenció en la especialidad de Escultura y en la Universidad de Barcelona donde realizo el Máster en Diseño Urbano, Arte y Sociedad . Empezó a exponer muy pronto, uno de sus primeros trabajos en el que se dio a conocer fue con la colección “Piedra sobre piedra” de alto significado y contenido simbólico, compaginando su carrera creativa con la enseñanza y la investigación. Ha realizado encargos de obra pública en Perú, ha sido reconocida con prestigiosos premios como el Nacional de Diseño para la Artesanía Peruana y dos veces con el conocido premio Winternitz.
El patinete
Desde hace varios años vive en España donde viene desarrollando una intensa carrera artística, con exposiciones en Madrid, Barcelona, Zaragoza, Tarragona, etc. afirmando cada vez su personalidad creativa. “A medida que voy madurando, mi trabajo y mis temas también maduran” decía Mariela Garibay en una entrevista a la revista especializada en coleccionismo de arte “Subastas Siglo XXI” donde afirman que la artista está despertando el interés de los coleccionistas, y el reconocimiento de la crítica.
Renato Costa hace gala de la figuración, la subjetividad, las emociones abiertas, la autobiografía, la memoria, el simbolismo, la psicología y la narrativa invitando al espectador a cuestionar los componentes físicos y espirituales de la condición humana. El autor describe su obra como “signos de una etapa de la existencia”,retomando el interés por la idea de la narrativa que no explica una historia; lo que le permite basarse en la psicología, el temor, la muerte y el amor de un modo tan directo como le sea posible.
Renato Costa (Río de Janeiro (1974) vive y trabaja en Madrid desde el año 2005.Realiza sus investigaciones artísticas principalmente en el ámbito de la pintura, encontrando la motivación en el hecho, dado en esta disciplina, del contacto entre el creador y la obra para que pueda ocurrir de una forma directa, además de suponer un desafío añadido la ubicación de un método tan tradicional, por muchos llamado dead art(arte muerto), en un lenguaje vigente del arte actual. En un sentido más amplio, la obra de Renato Costa se define por sus características técnicas y temáticas. La manipulación de los materiales tiende a ser táctil, sensual, y expresa intensamente las emociones. Con frecuencia, los temas presentan una profunda relación con el pasado, bien sea con la historia colectiva o bien con la memoria personal, y se exploran a través de la alegoría y el simbolismo. Se inspira en la historia de la pintura, escultura y arquitectura. Como resultado, la influencia del expresionismo, el surrealismo, el expresionismo abstracto y el arte informal es muy evidente.
Ha obtenido en los últimos años, un considerable reconocimiento de su obra, siendo galardonado con menciones de prestigio, como ejemplo el Premio Bancaja de Pintura que culminó en una exposición colectiva en el IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno), además de realizar varias muestras colectivas e individuales en galerías y museos.
En sus obras aborda esa conformidad, se entiende como un todo que influye en la mayoría que muchas veces acaba adoptando esa postura común”, también aborda la infancia y la creación de unos residuos que se dejan en herencia a las generaciones futuras. La vanidad que desemboca en la especulación financiera del arte con elogios al ego y a la producción artística, invita al observador a reflexionar, a indagar, a pensar, a platear.
Obras de distintas series de los últimos trabajos del artista y que, en un sentido metafórico, se cruzan formando intersecciones de planos, donde aparece una recta o más bien una línea de texto que plantea preguntas, poniendo de manifiesto los peligros de la vacuidad y la conformidad inherentes al conflictivo individualismo de los tiempos actuales”.
Fuentes: TodoMetro, El Faro Digital.
ENTREVISTARENATO COSTA:
Soy un cronista de mi tiempo, en mi obra reflejo lo que me llama la atención”
Renato Costa inicia su formación en el taller de su padre, el pintor Manoel Costa. Tras desarrollar su carrera en Brasil, su país natal, se traslada a Europa para abrir nuevos caminos en su pintura. Desde el año 2005 vive y trabaja en Madrid, periodo en el que ha realizado exposiciones individuales y colectivas en diferentes ciudades españolas obteniendo el reconocimiento de diversos certámenes. –Su padre también es pintor, ¿se dejó llevar por lo que veía en casa? –En un principio fue como un juego de niños. Empiezas a jugar con los colores, los pinceles… pero luego, con el tiempo, uno se da cuenta que es una cosa que va más allá que un simple entretenimiento. Ahí empecé y mi padre supo estimularme muy bien y me dio bastante libertad para todo. Fue todo muy natural. –Si en la vida de cualquier persona un padre siempre es un referente, imagino que en su caso todavía más –En un principio me influenció mucho y en mi trabajo lo ha hecho muchísimo técnicamente. –¿En su obra, sigue su línea o ha cambiado de registro? –En un principio sí. Yo llevo muchos años pintando, empecé a trabajar en el mercado del arte con 15 años. En esta primera etapa sí que tenía mucha influencia de mi padre, él es un pintor costumbrista y eso se nota en mis primeras obras. Hoy en día, aunque mi pintura sea figurativa, más contemporánea… arrastra todavía su visión. –¿Cómo reciben a un chaval de 15 que pretende vender su primer cuadro? –El contacto que tenía con las galerías y expertos de arte me trataban un poco como ‘hijo’. Al ser hijo de quien era he tenido mucha facilidad para entrar en el circuito brasileño. Yo crecí rodeado de artistas en casa, de hecho el primer cuadro que llevé a una galería estaba colgado en mi casa y creían que lo había pintado mi padre y ahí fue cuando empecé a vender. Surgió todo de una forma muy natural. –¿Le pesó la etiqueta de ‘hijo’? –Siempre se compara. Es complicado, porque de la misma manera que te facilita en muchos aspectos te complica en muchos otros. –En 2005 da el salto a Europa –Sí, me vine a Madrid, aunque no tenía pensado quedarme tanto tiempo, pero fueron sucediendo una serie de cosas muy positivas y hasta hoy –risas–. –¿Qué significa ‘Paramnesia Colectiva’? –Paramnesia es el nombre técnico para el déjà vu y viene a ser el hecho de percibir la realidad que vivimos como un recuerdo, causado por un defecto de la memoria a corto plazo. Yo utilizo esto para llamar la atención sobre un estado de ánimo casi hipnótico, que vivimos todos causado por la rutina y que nos transporta a algo ya visto continuo. –¿Cómo surge la inspiración? –Yo en mi trabajo soy un poco cronista de mi tiempo. Habló de cosas que me llaman la atención. El ser humano me inspira mucho: su vida, su perfil psicológico… y busco eso como temática.
Desde 1981 Ilan Wolff se ha especializado en crear fotografías usando la técnica de la Cámara Oscura, con cámaras hechas a partir de viejas cajas o latas. En la actualidad Wolff usa su furgoneta y habitaciones comunes para crear imágenes de mayor formato.
Desde 1993 Wolff imparte talleres sobre la técnica de la cámara oscura, también en la utilización de emulsiones fotográficas para la creación de imágenes en diferentes superficies; asimismo interviene en proyectos fotográficos de carácter artístico y comercial.
Os dejo tres vídeos interesantes que consiste en tres capítulos del Taller sobre Cámara Oscura impartido por Ilan Wolff.
El primer capitulo recoge La Historia de la Cámara oscura.
Taller de Ilan Wolff – Cápitulo-1. La Cámara Oscura: Entre la magia y la ciencia
Taller de Ilan Wolff- Capítulo-2. La imagen través de la cámara oscura
Taller de Ilan Wolff – Capítulo-3. La mirada de un Fotógrafo
Biografía
1955 :Nació en Nahariya, Israel
1970-73 : O.R.T. Escuela de Artes, Haifa, Israel
1976-78 : Freelance como diseñador gráfico,Israel
1978-81 : W.I.Z.O. Trabaja con Neri Bloomfield compañero de diseño, Departamento de Fotografía, Haifa, Israel
1982-86 : Vive en Amsterdam, Holanda. Se especializa en la técnica usando cámaras
cilíndricas con un agujero. Realiza proyectos para la revista «Stren» (mayo 1985) Alemania y Compañía de seguros en Amsterdam.
1987-90 Vive y trabaja en New York and Amsterdam.
Realiza proyectos para Kodak y J&J. USA. Primer taller en Madrid, España organizado por kodak.
Proyectos para el Ministerio de Cultura Francés y Keith Nolan –compañía cinematográfica en Dublín Irlanda.
1990-92: Vive en Amsterdam, Proyectos para la compañía Man Roland en Alemanía (calendario 1992). «IMAGINA» proyecto para el C.A.F. (Centro Andaluz de la Fotografía)
Almeria-España (Para la Expo de Sevilla en 1992).
1992-94: Afincado en Paris en la ciudad internacional de las artes, primer trabajo desde dentro de la cámara oscura transformando su estudio en una cámara “pin hole” (Cámara Oscura). Creando una nueva técnica el «PINOGRAMA» la cual combina el agujero y el fotograma en la misma exposición.
1994-97: Vive en PARIS, transformando su propio coche en cámara oscura,
se especializa en la técnica «PINOGRAMA», usando su coche como cámara. Proyecto para la ciudad de Lorient » El Puerto», Francia. Creando una serie sobre el monumento de Paris. Proyecto para «MIGRO» Empresa de supermercados en Suiza.
1997-2009: Se afincó en SEYSSEL, Francia. Especializandose en » FOTOGRAMA”,
desarrollando el «CALORIGRAMA» – Fotograma basado en CALOR y solo en energía el «NATUROGRAMA» (una nueva forma de desarrollo). Desde 2004 usa la luz de luna como única energía para el «LUNAGRAMA» Técnica, trabajada en la noche a la intemperie. Experimenta con plantas, verduras ( pimiento rojo) y la propia tierra como agujero de la cámara, usando cámaras con tres 3 agujeros.
Proyecto para la ciudad de Cahlon S/ Saone- Musee N.Niepce «El Gran Album» 2000, Francia. Desde 2001 viene trabajando habitualmente para el C.A.F. en Almería- España, impartiendo talleres todos los año. Realiza proyecto en San Sebastián (2006-2007) –Trabaja en España para la Caja KUTXA sobre los monumentos de la ciudad, utilizando su propia caravana como cámara y un LUNAGRAMA de 30 metros.» Monumentos de Andalucía»(2008-2010) proyecto para el C.A.F. (centro Andaluz de la Fotografía) Almeria,
En 2011 vive en España con viajes de exposiciones catálogadas . lan Wolff vive en Cabo de Gata, Almería – España, tambien ha realizado un proyecto para CAJA SEGOVIA sobre los monumentos de la ciudad.
El día martes 10 de Diciembre se ha inaugurado en la galería de arte Salduba la exposición benéfica favor de la Obra Social del Carmen.
Esta bonita iniciativa parte del grupo de voluntarias del comedor a través de la comisaria de arte Judith Cuba y la galería Salduba. La inauguración tuvo un gran éxito de participación, estuvieron presentes los artistas que tan generosamente han contribuido con la donación de una obra; se trata de artistas jóvenes promesas y firmas relevantes como: Aurora Charlo, Isabel Guerra, Arturo Elena, Jesús Proaño, Juan Badenes, Cuca Muro, Carmen Berges, María Victoria Arbeloa, Iñaki, Kumiko Fujimura, Gregorio Barcelona, Radoslav, Acacía, Julio Casado, Eduardo G. Wallace, Oscar Jiménez, Nacho Rodríguez.
Arturo Elena Jesús Proaño
En la presentación del acto habló el padre Vicente miembro de la comisión directiva de la obra social de La Parroquia de Ntra Sra. Del Carmen para agradecer a todos los que hicieron realidad esta gran gala solidaria de arte y en el que también contó un poco del día a día de los distintos proyectos que realizan además del comedor , como el Ropero, la Guardería, Atención Social, Alojamientos, Casa de Acogida para Mujeres, etc..
Carmen Berges
Iñaki
La recaudación integra por la venta de los cuadros de esta exposición serán destinados esta gran obra social
Esta magnífica exposición permanecerá abierta hasta el día 31 de Diciembre en La galería de Arte Salduba, Calle Madre Vedruna, 5
El V Congreso Iberoamericano de Cultura ha generado una «gran actividad» en las redes sociales, con más de 4.000 tweets, que ha permitido alcanzar una audiencia superior a los 12 millones de personas, que se suma a las más de 5.000 personas que lo han seguido en directo a través de la retransmisión en streaming de las principales ponencias, mesas e intervenciones.
Durante tres días han participado más de 1.400 asistentes inscritos, nueve ministros de Cultura iberoamericanos, 174 ponentes, que han intervenido en 21 mesas redondas, además se han dado a conocer 20 experiencias digitales, 21 proyectos de emprendimiento cultural, actividades culturales, trabajo en red y fomento de sinergias.
En el Palacio de Congresos Expo de Zaragoza y en la sede 2 Etopia-Cat, se han explorado las posibilidades que ofrece la red a creadores, productores, distribuidores y promotores de la cultura, ya sean instituciones públicas o privadas. Además, se ha puesto de manifiesto la existencia de dos realidades complementarias en el desarrollo cultural: una mente muy dinámica y digital que convive con una muy diversa creatividad analógica.
Esta cita ha sido un espacio de debate del sector cultural y creativo iberoamericano. Con presencia también de representantes de Estados Unidos, la UE y otros países, junto a delegados de instituciones culturales iberoamericanas (CERLALC, AECID, CONACULTA, Instituto Camoes, CONAR, Instituto Cervantes, SURDOC, ARCE, TEIB), profesionales y creadores, este foro ha permitido comprender el impacto que tiene Internet en el mundo cultural.
Tres días, donde se han explorado las posibilidades que ofrece la red a creadores, productores, distribuidores y promotores de la cultura, ya sean instituciones públicas o privadas. Además, se ha puesto de manifiesto la existencia de dos realidades complementarias en el desarrollo cultural: una mente muy dinámica y digital que convive con una muy diversa creatividad analógica.
Este video es una pequeña muestra del congreso, 3 días intensos en el que hemos profundizado también sobre la forma de realizar arte desde las nuevas tecnologías, De cómo acercar estas nuevas expresiones artísticas a una población que está inmersa en un punto de inflexión entre lo mecánico y lo digital
DEBATE INSTITUCIONAL
Los ministros iberoamericanos han desarrollado una activa participación durante el Congreso, a través de un espacio de debate institucional, ‘Conversatorios’, donde han abordado los retos y oportunidades de la era digital para la consolidación del Espacio Cultural Iberoamericano, así como la propuesta de una Agenda Digital Cultural Iberoamericana que deberá reforzar dicho Espacio.
Tanto el ministro de Educación, Cultura y Deporte de España, como el secretario de Estado de Cultura, han debatido en este contexto institucional del Congreso con sus homólogos iberoamericanos sobre estos dos temas centrales para el desarrollo cultural de la región.
De dicho debate se ha concluido, entre otras reflexiones, que este «espacio ha de coordinarse» con otros proyectos de cooperación de la región, teniendo en cuenta el carácter transversal de la cultura con el que se buscan sinergias para fomentar el desarrollo educativo, la participación social y de los jóvenes, reconociendo y protegiendo la diversidad cultural.
EMPRENDIMIENTO CULTURAL
Una de las más firmes apuestas y novedades que ha acogido el Congreso ha sido fomentar el emprendimiento cultural en el espacio iberoamericano. La región tiene un gran futuro digital, con una pujante generación de emprendedores que proponen nuevas soluciones y nuevos modelos de negocio para dar respuesta a las necesidades sociales, tal y como ha quedado patente en el l Concurso ‘Emprende con cultura’, que ha recibido más de 550 proyectos «muy innovadores, con gran calidad y potencial de crecimiento». Los premios han sido entregados por el Príncipe de Asturias,
PRINCIPALES PONENCIAS
El programa académico del V Congreso Iberoamericano de Cultura ha sido dirigido por Javier Celaya y ha contado con la participación de destacadas personalidades nacionales e internacionales del ámbito de las nuevas tecnologías de la información y de la cultura digital.
Entre ellas, destacan las intervenciones del catedrático de filosofía política y social de la Universidad del País Vasco, Daniel Innerarity, que impartió la ponencia inaugural del Congreso.
La vicepresidenta de Medios de Terra para Iberoamérica y EE.UU., Sandra Pecis, ha compartido su visión del consumo de Internet en Iberoamérica y reflexionó sobre cómo Internet ha cambiado el día a día de la sociedad, pero aportó el dato de que en Latinoamérica la penetración de Internet es aún de 40%.
Para el sociólogo y autor de ‘Cultura mainstream’, Frédéric Martel, Internet refuerza el concepto territorial, físico y cercano y, por tanto, no llevará a una globalización mundial de la cultura.
La directora global de estrategia digital de la editorial Penguin, Molly Barton, ha destacado que algunas plataformas digitales facilitan a los artistas mayor control sobre el desarrollo y la distribución de su trabajo, adaptándose a las necesidades particulares de campos creativos específicos.
REINVENTAR
El fundador de la plataforma Wearewhatwedo.org, Nick Stanhopese, se ha centrado en cómo la tecnología y la creatividad pueden ampliar y mejorar el descubrimiento y el aprovechamiento del patrimonio local como fuerza cultural y social de gran alcance.
El experto en nuevas tecnologías de Iberoamérica, Pablo Arrieta, ha resaltado que la tecnología digital permite reinventar maneras de hacer las cosas que aportan a creadores, industrias y públicos nuevas maneras de conversar.
Por su parte, la directora de Asuntos Públicos y director de Stakeholder Engagement de Telefónica, respectivamente, Arancha Díaz Lladó y Eduardo Puig de la Bellacasa, han puesto de manifiesto que las alianzas público-privadas cobran una relevancia especial en el contexto cultural y económico actual, a la hora de sacar el máximo partido a la revolución de las tecnologías de la información.
La delegada general del «Labo de l’édition», Virginie Rouxel, ha considerado que el desafío principal, tanto en el mundo editorial como en otros sectores, es conjugar el apoyo a las nuevas empresas innovadoras con el seguimiento a los actores tradicionales.
Finalmente, el investigador de Nesta (National Endowment for Science, Technology and the Arts), Juan Mateos-García, ha demostrado la importancia del análisis de datos para las actividades del sector creativo y cultural, dejando claro que creatividad y análisis no son enemigos, sino todo lo contrario. Para este estudioso, si se quiere entender mejor el trasfondo de la privacidad, el mundo de la cultura debería adentrarse en el mundo de los datos y conocer las audiencias mejor que Google y Facebook.
El Ministro de Cultura de Costa Rica, Manuel Obregón, ha presentado los grandes rasgos del VI Congreso Iberoamericano de Cultura que se celebrará del 12 al 13 de abril de 2014 en este país centroamericano. Obregón ha enfatizado que se fortalecerá la alianza de la región para dar cabida a los que nunca han tenido voz en este tipo de foros.
Ha sido también punto de encuentro de un intenso debate sobre las oportunidades que ofrece Internet para reducir la brecha social.
La exposición ‘Bosques de Luz’ ofrece en el Instituto Aragonés de Arte y Cultura Contemporáneos (IAACC) Pablo Serrano, una treintena de obras del fotógrafo José Manuel Ballester. Esta muestra ha llegado a Zaragoza, con motivo del V Congreso Iberoamericano de Cultura, que organiza el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, entre el 20 y el 22 de noviembre, tras su exhibición en el espacio de promoción del arte Tabacalera de Madrid.
Una gran exposición que, a través de 29 fotografías,resume los últimos ocho años de trabajo del pintor y fotógrafo José Manuel Ballester (Madrid, 1960), distinguido con el Premio Nacional de Fotografía 2010 por su trayectoria personal y por su singular interpretación del espacio arquitectónico y la luz.
Interior Niemeyer, 2008. Impresión Digital sobre papel Hahnemühle. 136,6 x 300 cm
La muestra reúne una cuidada selección de la obra del artista de los últimos ocho años. Imágenes fotográficas de gran variedad que nos permiten asomarnos a los cambios y avances producidos en su trabajo.
En la obra de José Manuel Ballester hay tres elementos que son su leitmotiv: el tiempo, la luz y el espacio. A través de ellos muestra la frontera entre dos lenguajes aparentemente opuestos pero interrelacionados entre sí, como son la abstracción y la figuración.
Nocturno Beyeler, 2011. Fotografía sobre papel Kodak endura. 133 x 248 cm
La exposición muestra un conjunto de obras unidas por un sutil hilo conductor que procura dar una visión sintetizada de aquellas características más significativas que han distinguido el quehacer artístico de Ballester, y así comprobamos que el artista no se propone desarrollar un lenguaje fotográfico específico, sino utilizar el objetivo como testigo para justificar, registrar, matizar e interrogar la actualidad y el progreso. En una primera mirada podría decirse que el énfasis está puesto en su diversidad más que en una unidad formal o temática, pero a pesar de esta consideración, existen muchas conexiones de diferentes tipos que unen los trabajos expuestos, creando códigos que resuenan a lo largo de toda la exposición. Cada obra se convierte en una huella de la travesía elegida de entre las múltiples posibles.
Puente de Dujiangyan, 2011. Fotografía sobre papel Kodak rc brillo. 180 x 270 cm
La fotografía es un medio capaz de transformar inmediatamente el acto de ver en una imagen de lo que vemos, y en el arte contemporáneo, la fotografía se ha convertido en algo menos pragmático técnicamente y más creativo poéticamente. A través de la particular visión del artista, se nos ofrece una pluralidad de miradas que nos invitan a reflexionar sobre nuestra realidad, estimuladas por unas obras que remiten tanto a las huellas del pasado como a diversos aspectos culturales, sociales y económicos de nuestra actualidad.
Ballester posee una capacidad analítica y descriptiva que convierte en únicas las fotografías que produce y que nos inducen a entrar en un mundo propio que oscila entre la ficción y la realidad. Las obras seleccionadas proponen a su vez rehacer la experiencia de una cierta manera de ver, introduciendo al espectador cada vez en un nuevo universo que no es ni la realidad ni una ficción, sino la realidad de una visión. En algunos casos el fotógrafo se convierte en un escenógrafo, construyendo una realidad que hace dudar al espectador sobre si es realidad lo fotografiado o es ficción.
Puente 1, 2008. Impresión Digital sobre papel Hahnemühle. 105,2 x 250 cm
José Manuel documenta espacios desde uno o diversos ángulos, y a través de sus fotografías nos aproxima a la manera en que la memoria y el conocimiento influyen sobre el espacio y la apreciación que de él realiza el espectador. Sus imágenes, definidas por el motivo y no por el momento, se acercan mucho a la pintura.
La fotografía y la arquitectura son dos formas de expresión estética que buscan motivar la percepción de quienes las contemplan.Las obras seleccionadas para esta exposición demuestran que la arquitectura, como cualquier documento, basa su significado tanto en su autor como en sus traductores, en este caso el fotógrafo. Ballester busca el equilibrio entre las diferencias; entre lo conocido y lo desconocido, lo acotado y lo ilimitado, reflexionando siempre sobre la representación de lo real. A José Manuel Ballester le interesan los espacios de fricción entre la arquitectura y la ciudad, entre la pintura y la fotografía, entre lo «artificial» y lo «natural»; es ahí donde se generan muchos de sus trabajos fotográficos. Su obra es a menudo el reflejo de la complejidad de la experiencia urbana que se mueve entre la globalización y la individualidad. Sus imágenes captan la esencia de la ciudad, su espacio, su tiempo.
Vestíbulo Principal 2 Rijksmuseum, 2005. Fotografía/papel Kodak Profesional Endura. 178,8 x 291,9 cm
A lo largo de toda su trayectoria, José Manuel Ballester nos habla de algo que va más allá de las estructuras representadas en sus fotografías; habla de modernidad, de memoria, del pasado, del presente y del futuro. Su trabajo es metafórico, poético y visionario; sus imágenes son enigmáticas y bellas, abiertas e impenetrables.
El Ministerio de Educación, Cultural y Deporte concedióa José Manuel Ballester el Premio Nacional de Fotografía en 2010.
Fuentes: Acción Cultural Española, Pag. web del artista.
La novela ‘Un mundo feliz’ del destacado escritor británico Aldous Huxley será ilustrada por el diseñador gráfico Finn Dean en una nueva edición que se publicará en septiembre.
Las imágenes que acompañarán a la famosa novela son las ganadoras del concurso dedicado al autor -quien nació un 26 de julio hace 119 años, organizado por The Folio Society.
Los diseños de Finn Dean ilustraran la portada y contraportada de esta nueva edición de la obra del célebre autor británico, quien plasmó en ella sus ideas sobre el impacto de la ciencia y la tecnología en el siglo XX.
Dean fue seleccionado entre 500 participantes por un jurado compuesto por Sir Christopher Frayling, John Sutherland, Igor Karash ganador del anterior certamen y Flora Craig de la Casa de la Ilustración y un equipo de The Folio Society quienes elogiaron su trabajo.
Sutherland dijo:. «Su forma de ilustrar no es decorativa, sino interpretativa, de lo que Huxley imaginaba en Un mundo feliz , rico en paisajes ilustrativos y, ya solo el hecho de que se trate de un libro tan conocido y tan bien imaginado en la realidad, hacen que la tarea no haya sido nada fácil”.
La nueva edición de Brave New World se estrenará en septiembre, con una nueva introducción por Ursula K Le Guin.
Dean ha ganado varios premios por sus ilustraciones antes, su trabajo aparece en la última película de Danny Boyle, «Trance». Actualmente está trabajando en una serie de portadas de libros para Penguin.
Cuando lo vi me cautivó. Se trata de una imagen que despierta la percepción y la emoción; posee una gran fuerza expresiva y narrativa… Es la magia de la fotografía, que atrapa el momento y materializa lo efímero para luego compartir la mirada.
Está fotografía nos ofrece un instante en la vida de unos seres que forman parte de un paisaje estéril … Pero, no dejo de pensar en el árbol, en ese tronco seco que aun así no se libra de su destino, ¿escalera? ¿silla? algunas de su múltiples funciones. Y pensar que una vez fue fuente de vida, y que cumplió la función de producir oxígeno, purificar el aire, de ser hábitat de muchas especies animales y vegetales, de dar sombra y cobijo,,. El presente es un árbol seco, reducido a su mínima expresión, que se pierde en el color árido de la tierra como queriendo enterrarse en ella para no cumplir su última función, dar calor con su hoguera.. su destino final.
Sé que mi atención debería focalizarse en el niño, como símbolo de vida que persiste en un paisaje yermo; el niño como futuro, como continuador de su cultura; pero, mi mirada se posa en ese abatido y desvencijado árbol que orgulloso sostiene una esperanza.
Fue una noche mágica, y se contó también con la presencia de la autora de los relatos la escritora Esther Andaluz quien hizo una breve intervención de escena . La presentación estuvo a cargo de la comisaria de la perfomance Judith Cuba. La recreación artística ha estado conformado por: Eduardo G. Wallace, artista plástico encargado de las ilustraciones; Noé Artigot con el violín; la dirección escenográfica por Lydia Andaluz; la lectura de los textos y la dramatización estubieron realizados por Rosa Ruiz, Lydia Andaluz y Susana H. Villén; Video por Judith Cuba y el montaje video-audio por Víctor Recua. Los artistas que participaron pertenecen a la Asociación Cultural “La casa de Zitas” de Zaragoza, colectivo multidisciplinar que hacen realidad numerosos proyectos culturales. Con ellos hemos realizado la adaptación de los “Relatos Oscuros” al perfomance, en un formato de arte en vivo de unos relatos que nos acercan a unos seres existentes e inexistentes, que nos fueron desvelando sus pavorosas realidades.
Este proyecto culminará con la publicación del libro «Relatos Oscuros» .
Ha obtenido en los últimos años, un considerable reconocimiento de su obra, siendo galardonado con menciones de prestigio, como ejemplo el Premio Bancaja de Pintura que culminó en una exposición colectiva en el IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno), además de realizar varias muestras colectivas e individuales en galerías y museos.
Interior Niemeyer, 2008. Impresión Digital sobre papel Hahnemühle. 136,6 x 300 cm 
Nocturno Beyeler, 2011. Fotografía sobre papel Kodak endura. 133 x 248 cm 
Puente de Dujiangyan, 2011. Fotografía sobre papel Kodak rc brillo. 180 x 270 cm
