Cada dos años desde 1895, el mundo del arte internacional se reúne en la vista previa de la Bienal de Venecia para celebrar unos de los eventos más importantes y esperados del ARTE con mayúscula.  

 

Cada edición de la Bienal es más grande que la anterior: más arte para ver, más eventos imperdibles, colas más largas por todas partes, y donde todos, de alguna forma queremos ser partícipes.

La Bienal de Venecia es al arte lo que el Festival de Bayreuth a la ópera: un componente innegable en el panorama cultural, es como tratar de escuchar en una sola vez, las 17 horas enteras de “El anillo del Nibelungo” de Richard Wagner, pero el disfrute es tanto que no morirás en el intento; es el mismo sentimiento para la Bienal, recorres una sala tras otra, un pabellón tras otro hasta que las instalaciones de arte y los videos conceptuales empiezan a tener el mismo aspecto y tus pies no pueden más pero sigues; hay tanto que ver.

Vuelve la fiesta del arte contemporáneo

Tras la cancelación en 2020 de la bienal debido al Covid- 19, vuelve la gran muestra del arte contemporáneo, todo lo que se ve en la Bienal de Venecia representa lo que está sucediendo en el mundo del arte en estos momentos. Arte nuevo y reciente creado por artistas emergentes y establecidos de toda la geografía mundial. Considerada también la exposición más importante del mundo por su interesante mezcla ecléctica. Presentes en los pabellones de La Giardini, La Arsenale y alrededor de toda Venecia obras de 213 artistas de 58 países, con 1.433 piezas expuestas, bajo el lema La leche de los sueños inspirado en un libro de cuentos de Leonora Carrington y con la designación, por vez primera de una mujer, la italiana Cecilia Alemani como comisaria.

Este año la Bienal de Venecia es una oda a la mujer … soñar, crear, cuidar, reivindicar

Tanto la selección artística como curatorial está compuesta por un gran porcentaje de mujeres.

Cecilia Alemani es la primera curadora italiana en ser nombrada para este cargo. Actualmente es directora artística de High Line Art y anteriormente fue curadora del Pabellón de Italia en la Bienal de Arte de 2017 ; eligió para La Biennale Art 2022 el título del libro “La leche de los sueños” escrito por otra mujer: la artista surrealista Leonora Carrington que lo escribió para leérselo a sus hijos antes de dormir y que describe un mundo mágico en el que la vida se reinventa constantemente a través del prisma de la imaginación y en el que uno puede cambiar, transformarse y volverse en otro de uno mismo. La Exposición propone un viaje imaginativo a través de las metamorfosis de los cuerpos y las definiciones del ser humano ” Con este libro, Alemani ha querido oponerse «al ideal universal del hombre blanco» como «centro inmutable del universo y medida para todas las cosas».

La exposición principal, lleva el mismo titulo ‘The Milk of Dreams’, tiene sitio en el Pabellón Central de la Giardini y en la Corderie, Artiglierie y los espacios al aire libre de Gaggiandre y Giardino delle Vergini en el complejo Arsenale. La exposición presenta obras contemporáneas y nuevos proyectos concebidos específicamente para la Bienal de Arte, presentados en diálogo con obras históricas del siglo XIX en adelante. Entre las obras seleccionadas de artistas fallecidos, están las españolas Maruja Mallo (1902-1995) y Remedios Varo (1908-1963), ambas pintoras surrealistas, la dibujante Josefa Tolrá (1880-1959), además de la británica nacida en Las Palmas de Gran Canaria Georgiana Houghton (1814-1884).

En contraste con estos escenarios hipertecnológicos, las pinturas y ensamblajes de Paula Rego y Cecilia Vicuña visualizan nuevas formas de simbiosis entre animales y seres humanos, mientras otros artistas combinan enfoques políticos y sociales con una investigación de las tradiciones locales o imaginan nuevas y complejas relaciones con el planeta y la naturaleza, sugiriendo formas sin precedentes de convivir con otras especies y con el medio ambiente.

La guerra presente

En medio de una pandemia y una guerra, la Bienal de Venecia también tiene en esta edición espacio para la política, especialmente para el arte político. La guerra ocupa un lugar importante en Venecia: se ha organizado una exposición al aire libre, bautizada como Piazza Ucraina, a cargo de los comisarios del pabellón del país

Los Leones de Oro a la Trayectoria

La artista alemana Katharina Fritsch y la artista chilena Cecilia Vicuña son las ganadoras del León de Oro a la trayectoria

Por primera vez en sus 127 años de historia, los premios máximos fueron para dos mujeres negras, La estadounidense Simone Leigh obtuvo el León de Oro por sus grandes instalaciones de esfinges y figuras africanas en el pabellón estadounidense  y la artista afrocaribeña británica Sonia Boyce a la mejor participante en el pabellón de Gran Bretaña. La artista Ali Cherri fue galardonado con el León de Plata, como joven valor de las artes visuales.

Las menciones especiales individuales fueron para Shuvinai Ashoona y Lynn Hershman Leeson, y las colectivas para los pabellones de Francia y Uganda. Esta edición es La Bienal más inclusiva por dedicar sus salas y pabellones a la diversidad cultural y la reivindicación del papel que juega la mujer.

El Pabellón de EEUU llama la atención, una choza africana gigante que alberga esculturas de bronce monumentales.

Estados Unidos, representado por la gran escultora Simone Leigh que explora las historias coloniales y las promesas del feminismo negro. Sus obras escultóricas a gran escala unen formas derivadas de la arquitectura vernácula y el cuerpo femenino, plasmándolas a través de materiales y procesos asociados con las tradiciones artísticas de África y la diáspora africana. La exposición esta curada por Eva Respini, Institute of Contemporary Art/Boston.

Pabellón de Brasil: El artista Jonathas de Andrade creó una instalación inmersiva sobre el cuerpo en relación con expresiones idiomáticas populares que hablan de las debilidades, virtudes, actitudes y fracasos personales y colectivos del pueblo brasileño.

Dos enormes orejas colocadas a la entrada y a la salida del pabellón aluden a la expresión popular «por un oído me entra y por el otro me sale», permitiendo a los visitantes entrar «por un oído y salir por el otro». Traspasando cualquiera de las orejas y una vez que en el interior, se proyecta un vídeo en el que se intercalan rítmicamente primeros planos de manos y pies de personas con tomas de la agitación social actual en Brasil bajo en mandato de Bolsonaro. Considerado uno de los artistas brasileños más representativos de su generación, Jonathas de Andrade concibió el proyecto por invitación de Jacopo Crivelli Visconti, quien fue designado por la Fundação Bienal como curador de la representación.

Gran Bretaña, “Una cacofonía gloriosa de voces femeninas negras”  representada por Sonia Dawn Boyce, una artista afrocaribeña británica (como ella gusta definirse); ya que los trabajos de artistas negras siempre han brillado por su ausencia en Venecia, El Reino Unido da presencia y sobretodo de la música con un despliegue de imágenes full-colors y audios de voces femeninas .  

Pabellón de Australia: Desastres. Uno de los artistas australianos más influyentes, Marco Fusinato explora la frontera entre el arte, la composición musical y la interpretación, investigando la dimensión de la experimentación sonido conectado a la investigación visual. Interesado al rozamiento producido por tensiones entre fuerzas opuestas – ruido y silencio, orden y desorden, pureza y contaminación – Fusinato implementa una experiencia visceral que coloca al público en el centro de la obra, actuando en vivo en el Pabellón con una guitarra eléctrica utilizada como generador de señal, en una escalada de saturación sonido y abundancia de imágenes.. Comisariada por la curadora Alexie Glass-Kantor.

Pabellon de España. Ignasi Aballí es el autor del proyecto ‘Corrección’, curada por Beatriz Espejo, siguiendo la estela de otros trabajos anteriores en los que el artista construye de manera sutil un proceso de cuestionamiento del espacio de exposición, sea pintando de diferentes blancos las paredes de un museo o trazando paredes imaginarias para dividir espacios a priori indivisibles.

El proyecto de Ignasi Aballí para la Bienal de Arte de Venecia busca corregir dos realidades: la espacial y la temporal. De la primera se encarga en el Pabellón de España, donde propone una nueva arquitectura; un desdoblamiento del espacio actual girado diez grados para subsanar su desviación respecto a sus vecinos de Bélgica y Holanda. Aquí comienza también la segunda, con la entrega —como a los tripulantes de La caza del Snark— de «un mapa perfecto en blanco totalmente», en el que Aballí ha representado a Venecia como un lugar vacío, desprovisto de calles y construcciones, con solo seis ignotos puntos.

El pabellón kosovar, el joven país cuya muestra se titula La monumentalidad del día a día, donde el artista Jakup Ferri hace presente el tejido en todas sus dimensiones, para entrelazar, coser, bordar, establecer conexiones esférica en una exposición monumental que cubre por completo una plataforma inclinada como si de un skate park se tratara, intercalando tapicería-pared, alfombra-suelo como metáfora de vínculos que los curadores Alisa Gojani-Berisha y Inke Arns quieren representar.

Las obras se inspiran en dibujos infantiles, arte popular y Outsider Art. Las pinturas y los bordados se basan en los dibujos ligeramente surrealistas del artista que representan escenas cotidianas con animales, niños, acróbatas y arquitectura utópica.

Por su parte, las alfombras tejidas a mano con motivos geométricos se basan en los diseños del avatar del hijo del artista para el video juego Animal Crossing. Ferri, que para sus obras textiles colabora con mujeres de Albania, Kosovo, Burkina Faso y Surinam, considera la fabricación de alfombras y el bordado como una técnica de coherencia y construcción de comunidades del resurgido Kosovo

El pabellón de Francia representada por la artista  Zineb Sedira quien recibió una mención especial en la Exposición Internacional del Arte – La Bienal de Venecia por su proyecto  Los sueños no tienen título. Con esta instalación cinematográfica gestionad por el Instituto Francés, Zineb Sedira abisma la historia del cine a través de diversas estrategias que le permiten tejer su propia ficción-realidad, y testimonia el relato. de su vida, su familia y su comunidad, una historia que enriquece los debates actuales sobre migración y solidaridad al tiempo que cuestiona la vulnerabilidad y la resiliencia, la intimidad y la memoria colectiva.

Con los curadores Yasmina Reggad, Sam Bardaouil y Till Fellrath, Zineb Sedira transforman el Pabellón Francés en una instalación cinematográfica profundamente humanista donde la película Los sueños no tienen título estimula los sentidos y la reconforta la vez. Utiliza la narrativa autobiográfica, la ficción y el documental para resaltar solidaridades internacionales, pasadas y presentes, vinculadas a luchas de liberación históricas. Su enfoque sirve también como advertencia contra el fracaso de una promesa de emancipación que, para muchos individuos, sigue siendo un sueño incumplido, incluso inaccesible. 

Pabellón de Alemania. Presenta “Reubicación de una estructura” por la artista Maria Eichhorn que ha arrancado parte de las paredes y un gran trozo del suelo y excavado, exhibiendo lis cimientos de rocas y ladrillos, cemento y roca construidos en la primera década del siglo XX para crear el pabellón del Reino de Baviera, construido en 1909, pasó a llamarse Pabellón Alemán en 1912 y fue rediseñado en 1938 para reflejar la estética fascista. Una nueva fachada, extensiones traseras y un techo elevado contribuyeron a la apariencia intimidante del Pabellón. A pesar de las modificaciones de la posguerra, el edificio aún encarna el lenguaje formal del fascismo. 

Maria Eichhorn y la curadora de la muestra Yilmaz Dziewior descubren rastros del pabellón original, escondidos detrás de su rediseño de 1938. El proyecto también incluye recorridos por la ciudad a lugares de memoria y resistencia realizados por Giulio Bobbo y Luisella Romeo y desarrollados con el Istituto Veneziano per la Storia della Resistenza e della Società Contemporanea (IVESER), actuaciones de Nkisi y Jan St. Werner, y un catálogo . En los años 30, los nazis erigieron una ampliación de la imponente arquitectura que aún se mantiene en pie. 

Pabellón de Venezuela. “Tierra, País, Casa, Cuerpo». La exposición, integrada por los artistas Palmira Correa, Mila Quast, César Várquez y Jorge Recio  propone la comprensión del cuerpo como una presencia que participa transversalmente en cuatro niveles: como metáfora y vida, desde la dimensión ecológica de la tierra, mediadora entre humanos y el macrocosmos El cuerpo social en su acción política como país, ese espacio-tiempo de la geografía humana en el que se priva a la comunidad, a la conciencia histórica, a los valores de la independencia. El cuerpo, que es uno con la casa, proyección de su ser que reproduce las funciones biológicas y los delicados comportamientos de nuestra psique. Finalmente, el cuerpo como microcosmos, actor de la vida, a veces con su saldo de heridas que el humano sabiamente logrará redimir.

La muestra está curado por Zacarías García y comisionado por  Paola Claudia Posani, de cuyo trabajo es demostrar no sólo una realidad del mundo actual, sino la capacidad de resiliencia del ser humano, de imponerse creativamente ante lo sobrevenido.

Pabellón de Polonia. El proyecto de Małgorzata Mirga-Tas está inspirado en el renacentista Palazzo Schifanoia en Ferrara; expande la iconosfera europea y la historia del arte con representaciones de la cultura gitana, que a menudo se pasa por alto. El interior del pabellón polaco consta de una instalación: doce paneles cubiertos con representaciones de los doce meses del año en textiles de gran formato, que se inspiran en los frescos astrológicos renacentistas del Palacio Schifanoia. Los símbolos del palacio, incluidos los signos del zodíaco, el sistema de decanato, los ciclos temporales y la migración de imágenes a través del tiempo y los continentes, se erige como puntos de referencia visuales e ideológicos, que el artista inscribe en una identidad polaco-romana y la lengua vernácula. experiencia histórica, construyendo la iconografía afirmativa de la mayor minoría europea. Comisariado por los curadores Wojciech Szymański y Joanna Warsza.

Pabellón de Corea.  En los ciclos infinitos de creación y extinción, gira y desciende ; este tema impregna todo, desde la energía hasta la materia, la vida y el universo: los ciclos son ubicuos y siempre presentes. La exposición Gyre explora el mundo como un laberinto, donde hay movimiento en la quietud y quietud en movimiento, abarcando objetos no humanos y la realidad material. Basado en la investigación transdisciplinaria del artista Yunchul Kim en literatura, mitología, filosofía y ciencia, crea un universo dentro del Pabellón de Corea, donde sus instalaciones patafísicas se metamorfosean continuamente y se ven afectadas por eventos cósmicos, atmósfera, luz y naturaleza. Comisariado por el curador Youngchul Lee.

Pabellón de Mexico. La exposición Hasta que los cantos broten explora los modos en que Mariana Castillo Deball, Naomi Rincón Gallardo, Fernando Palma Rodríguez y Santiago Borja Charles abordan saberes que no han sido totalmente colonizados por la episteme moderna, existentes en resistencia y actualizándose para afirmar opuestos y alternos. modos de vida a un principio antropocéntrico de progreso. Las obras exploran transacciones entre culturas y formas de conocimiento que desobedecen la musealización exotista de prácticas disidentes. Al imaginar futuros decoloniales que pueden librarnos de realidades de opresión que someten a diversas formas de vida humanas, no humanas y más que humanas en la actualidad, Hasta que los cantos broten (Hasta que las canciones broten) propone metodologías alternativas para desbloquear nuevas realidades especulativas. Comisariado por los curadores Catalina Lozano and Mauricio Marcin.

El Pabellón de Nueva Zelanda. Campamento paraíso. El artista interdisciplinario Yuki Kihara presenta una exhibición grupal, Paradise Camp , desde la perspectiva única de Fa’afafine  : “a la manera de una mujer” o tercer género en Samoa. Concebido hace ocho años, Paradise Camp comprende un conjunto de doce fotografías de cuadros en colores saturados que reciclan pinturas de Paul Gauguin; una serie de «programas de entrevistas» episódicos de cinco partes en la que un grupo de Fa’afafine comenta ingeniosamente sobre pinturas seleccionadas de Gauguin y el archivo de investigación personal de Kihara. Las audaces recreaciones de Kihara abordan la interseccionalidad entre la descolonización, la política de identidad y la crisis climática desde una perspectiva incondicional de Pasifika, contando su historia desde el Pacífico. Curadora de la exposición Natalie King.

Pabellón de Perú. Exposición La paz es una promesa corrosiva. Artista Herbert Rodríguez. Curadores Jorge Villacorta, Viola Varotto. Herbert Rodríguez abandonó sus estudios en la Escuela de Arte de la Universidad Católica del Perú en 1981, justo cuando la agitación amanecía en el país. Perú quedó atrapado en una espiral de violencia, cuando el grupo armado subversivo Sendero Luminoso (Sendero Luminoso), un movimiento maoísta-Pol Pot, declaró la guerra al estado. Se produjo un baño de sangre a través de los enfrentamientos entre Sendero Luminoso y las fuerzas armadas en los Andes y parches de la selva amazónica. Lima sufrió ataques terroristas. Rodríguez adoptó una postura crítica en su arte, defendiendo los derechos humanos y defendiendo el anarquismo de los subterráneos (escena underground creada por hombres y mujeres jóvenes) en Lima. En 1989, sin embargo, confrontó directamente a Sendero Luminoso en un terreno simbólico con su Arte-Vidaproyecto en la Universidad de San Marcos: el campus se convirtió en un teatro cultural de guerra. La exposición comprende los restos de su obra de arte de la época.

Pabellón de Suiza. La exposición El concierto presentada por la artista Latifa Echakhch crea una experiencia de viaje en el tiempo orquestada. Un entorno rítmico y espacial que permite una percepción del tiempo y del propio cuerpo en sentido contrario a las agujas del reloj, explorando simultáneamente la continuidad, los movimientos y las secuencias. Esculturas efímeras inspiradas en la estatuaria popular emergen de la iluminación orquestada capturando los ritmos compuestos por el percusionista Alexandre Babel. Puedes ver la música, pero no puedes oírla. El artista se inspira en el vocabulario de las construcciones de carros efímeros, abordando inquietudes y disputas, sueños y utopías, jugando con armonías y disonancias, con sentimientos encontrados de expectativa, realización, destrucción y recuerdos. Comisariado por los curadores Alexandre Babel, Francesco Stocchi.

Pabellón de Serbia. Exposición Caminando con Agua, artista Vladimir Nikolić, comisariado por Biljana Ćirić. Entras en un espacio que es una ficción. Una abstracción de tiempo y espacio. Es pura pintura modernista a través de la cual el artista devuelve la realidad al cuadro. Entras en una relación mediada por la tecnología que el artista invierte. La presentación subraya las relaciones con la tecnología y la naturaleza, en este caso el agua como parte de nuestro cuerpo, pero también el agua como nuestro punto de conexión y no como una separación. En estas aguas nada el artista a la espera de que surja la imagen perfecta. La exposición presenta la exploración de Vladimir Nikolic en los últimos tres años, entrelazando lo personal e íntimo con las ansiedades políticas de futuros inciertos si no aprendemos a ser un tipo diferente de ser humano.

Pabellón de Bolivia. Exposición Wara Wara Jwira por el colectivo de artistas Warmichacha. Para Walter Benjamin, el aura de la obra de arte estaba destinada a desaparecer por su reproductibilidad, primero con la fotografía, luego con el collage y finalmente con el cine. Entonces, ¿qué hace que una obra de arte no se repita y se mate? Wara Wara Jawira (Río de estrellas) representa una parte del cosmos, no como una obra de arte, sino como una lectura que busca incorporar diferentes puntos de vista transdisciplinarios en lugar de impresionar con una sola verdad, para evocar las íntimas sensaciones de confort y la domesticidad boliviana en lugar de asombro y asombro. Curadores: Roberto Aguilar Quisbert y Judith Cuba.

Participación de los artistas del colectivo Warmichacha: Roberto Mamani. Leo Calisaya, Johnny Aduviri, Santiago Romero, Josué Caleb Rodríguez, Joaquín Salvador Saavedra, Claudio Fabián Vargas, Fátima Gloria Choque, Krystel Adeline Jiménez, Luis Oscar Jiménez, Samuel Martínez, Iris Kiya, Juan Pablo Villalobos, Jasmany Eddy Vásquez, Andrés Armin Kuljis, Gabriela Lugones, Guto Ajayu, Javier Sebastián, Abecia Achá, David Fernando Portillo, Adriana Aneiva, Juan Carlos Usnayo, Jessica Violeta Vásquez, José Luis Saenz, Lenard Gery López, Solandré Vásquez y Belén Crespo.

Pabellón de Austria. Exposición “Invitation of the Soft Machine and Her Angry Body Parts” por los artistas Jakob Lena Knebl y Ashley Hans Scheirl.  Presentan instalaciones escénicas en las que despliegan todo su cosmos artístico: desde pinturas, esculturas, trabajos textiles, fotografías, texto y video hasta una colección de moda y una publicación en forma de revista. Los artistas se centran en la situación de la arquitectura simétrica del Pabellón de Austria, que a la vez está dividida y conectada por una columna. Los dos espacios llevan cada uno la marca de uno de los dos artistas. Mientras se distinguen las dos posiciones distintas, esto además permite que permanezcan en dialogo entre sí para enfatizar la dualidad de los artistas en los puntos apropiados. Varios materiales, modos de operación, símbolos y formas parecen oscilar entre las dos presentaciones, duplicadas y reflejadas y traducidas a la práctica artística preferida en cada caso.

Pabellón de Argentina. Exposición La importancia del origen será importada por el origen de la sustancia por la artista Mónica Heller y curador de la muestra Alejo Ponce de León.
Mónica Heller construye un escenario envolvente, inspirado tanto en el diseño arquitectónico multisensorial de los bingos de los suburbios argentinos como en los universos surrealistas de la pintura y la poesía de entreguerras. Pantallas y proyecciones albergan diferentes personajes que habitan un mundo oscilante: seres que se construyen, deconstruyen y reconstruyen en bucles temporales tan breves como infinitos. Cada pantalla encierra un retrato animado y en cada una, a través del humor absurdo, el lirismo áspero y el estado de ánimo metafísico de la representación 3D, se desarrolla una serie de eventos en los que los metabolismos transponibles e inquietos se reorganizan constantemente en una amplia gama de posibilidades inexplicables.

ARTISTAS INVITADOS

Os presentamos algunos proyectos de artistas seleccionados para la Exposición internacional La leche de los sueños que tiene lugar en el Pabellón Central (Giardini) y en el Arsenale, incluidos 213 artistas de 58 países.

TETSUMI KUDO, artista japonés (1935 – 1990), fue parte de una generación de artistas japoneses muy escéptico de la sociedad tradicional a raíz de los acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial. Una figura esencial en el desarrollo del «Anti-Arte» en Tokio en la década de 1950, Kudo participó regularmente en la Exposición Independiente Yomiuri, el lugar más importante de Japón para el arte contemporáneo, mostrando obras que criticaban duramente el consumismo desenfrenado y la ortodoxia política de la posguerra japonesa. Después de mudarse a París en 1962, Kudo comenzó a crear obras guiado por su sentimiento de una «Nueva Ecología» donde el ser humano, la naturaleza y la tecnología estaban entrelazados. Los valores éticos eran tan intercambiables como las mercancías. Esta idea es evidente en Your Portrait (1966), donde se coloca un ojo humano en el interior de una caja perforada. Cultivation (1972) presenta un jardín de cactus irónicamente aprisionados en una jaula rosada DayGlo. Kudo a menudo empleó la fluorescencia para crear un aura de asombrosa alta tecnología, como en Flores luminosas (1967-1968) o los tonos ácidos del aparato fálico representado en Pollution-cultivation-nouvelle écologie (1971). Sus visiones posnaturales capturan el desapego ambiguo de un mundo remodelado por el deseo humano.

FELIPE BAEZA Abro contra mi voluntad soñando con otros planetas estoy soñando con otras formas de ver esta vida. Estas líneas dan título a una pintura a gran escala de Felipe Baeza (Mexico – 1987), quien combina collage, técnica mixta, temple al huevo y grabado para realizar obras bidimensionales de gran textura. Los sueños de otros planetas, de otra vida surgen a través de cuerpos representados en estados de transformación, a menudo mitad humanos, mitad flora. El follaje completo brota de las cabezas humanas, alcanza los torsos y las extremidades, y se abre camino eróticamente enredaderas dentro y fuera de las bocas deseosas. El enfoque de Baeza al material se alinea con los conceptos que subrayan su trabajo. Esta intensa manipulación de materiales vuelve a caracterizar los procesos tradicionales de dibujo y pintura y, al reflejar la experiencia del artista de la migración a los Estados Unidos desde México y la migración en todo el mundo, expresa su intención de crear «cuerpos fugitivos». Descrito por el artista como cartas de amor, sus pinturas y collages son una forma de autorretrato imaginativo y construcción futura.

FICRE GHEBREYESUS (1962, Eritrea – 2012, Estados Unidos) A la vez pensativa y exuberante, las pinturas de Ficre Ghebreyesus capturan la complejidad de su infancia y vida en África Oriental en la diáspora, presentando paisajes fantásticos extraídos del anhelo de un tiempo y un lugar interrumpidos por el conflicto. Nacido en el seno de una familia cristiana copta en lo que se convertiría en la capital de Eritrea, Asmara, al comienzo de los treinta años de la Guerra de Independencia del país de Etiopía (1961-1991), Ghebreyesus se fue de casa como un adolescente refugiado para establecerse eventualmente en New Haven, Connecticut.  En el gran lienzo sin estirar City with a River Running Through (2011), un paisaje urbano de las casas pintadas de estuco modernistas que se encuentran en toda Asmara construido a partir de un tablero de ajedrez de formas naranjas y melocotón que se asemejan a la cestería de bordados tradicionales de Eritrea. 

BÁRBARA KRUGER (1945, Estados Unidos). El trabajo de imagen y texto de Barbara Kruger es famoso por su poder retórico y urgencia visual. En las décadas de 1960 y 1970, Kruger trabajó como diseñadora gráfica y editora de imágen para Mademoiselle , Vogue , House & Garden y Aperture donde desarrolló la sensibilidad gráfica que luego instrumentaría en su arte, empleando fotografías recortadas en blanco y negro a gran escala superpuestas con aforismos concisos escritos en Futura Bold Oblique o Helvetica Ultra Condensed y contrastados con barras rojas o negras: un diseño ahora icónico. , la nueva instalación de Kruger para The Milk of Dreams   Ubicada al final del edificio Corderie incluye un componente de video de tres canales, está mapeada para ajustarse a los parámetros espaciales del sitio. Las suplicantes frases de mando de Kruger (“PLEASE CARE”, “PLEASE MOURN”) implican al espectador en una confrontación directa con la obra, utilizando el modo irónicamente incorpóreo de dirigirse que es característico de su práctica para llamar la atención sobre las vísceras y las vísceras de nuestros propios cuerpos. excremento.

GIULIA CENCI (1988, Italia). Al incorporar objetos cotidianos encontrados y elementos modelados en esculturas e instalaciones inmersivas, Giulia Cenci combina lo natural con lo sintético para explorar temas de tecnología y naturaleza.  El trabajo de Cenci paraThe Milk of Dreams , titulada Dead dance (2021-2022), constituye un paseo de 150 metros por un entorno construido con restos de maquinaria agrícola industrial. Esta armadura está poblada por fragmentos de cuerpos humanos y animales, cada uno fundido en aluminio rescatado de autopartes y algunos de los cuales aparecen en múltiples iteraciones. Con esta progresión espacializada de figuras quimeras, Cenci explora las condiciones que subyacen a la producción industrial de alimentos y, a su vez, de la vida misma.

KATHARINA FRITSCH  (1956, Alemania). Las esculturas realistas de Katharina Fritsch disuelven los límites entre lo ordinario y lo extraño, agitando nuestros sueños y pesadillas profundamente arraigados mientras despiertan recuerdos infantiles de cuentos religiosos, fábulas y mitos. Sus obras se presentan como proyectos públicos de gran escala y colores potentes, piezas sonoras íntimas y múltiples, a veces proyectan confianza y protección y otras amenazante. Fundido en poliéster verde oscuro a partir del molde de un elefante de peluche, Elefant / Elephant(1987) reproduce las texturas y los pliegues del cuerpo del mamífero con una exactitud sorprendente, y su tamaño, la claridad de los detalles anatómicos y el perfil de color adquieren un efecto sobrenatural, se vuelve extraño por la absorción de luz de la pintura, lo que le da a la superficie una cualidad desconcertante. Elefante / Elefantetoma los vestigios de fábulas de grandeza, intelecto, cautiverio y sociedades matriarcales: el núcleo de las estructuras familiares de elefantes. Incluso en Venecia, la iconografía de los elefantes ocupa un lugar destacado: en la década de 1890, justo antes del comienzo de la historia de la Bienal, un elefante llamado «Toni» vivía en los terrenos del parque y era conocido como «el prisionero de los Giardini».

PRECIOSO OKOYOMON (1993, Reino Unido). Poeta, artista y chef, escenifica topografías escultóricas compuestas de materiales vivos, en crecimiento, en descomposición y moribundos, que incluyen rocas, agua, flores silvestres, caracoles y enredaderas. Para Okoyomon, la naturaleza es inseparable de las marcas históricas de colonización y esclavitud. En su trabajo, plantas como el kudzu, una enredadera originaria de Asia que el gobierno de los EE. UU. introdujo por primera vez en las granjas de Mississippi en 1876 como un medio para fortalecer la erosión del suelo local, que había sido degradado por el cultivo excesivo de algodón, y luego se convirtió en un invasivo incontrolable, convertido en metáforas del enredo de la esclavitud, la racialización y la diáspora con la naturaleza, pero también de capacidad de cambio y revitalización.  Su trabajo para The Milk of Dreams titulado To See the Earth before the End of the World (2022),  es referencia de un poema de Ed Roberson, las esculturas de Okoyomon se ubican en un campo de crecimiento salvaje;  red de ríos y caña de azúcar, lo que cultivaba su abuela en su huerto cuando Okoyomon vivía en Nigeria. La caña de azúcar es una planta cuya esencia misma está saturada de las circunstancias económicas e históricas de la trata transatlántica de esclavos. Siguiendo la obra Monsieur Toussaint de Édouard Glissant, cuya Martinica natal fue una vez uno de los mayores productores de azúcar del mundo, la instalación de Okoyomon intenta invocar una política de revuelta y revolución ecológica.

The Milk of Dreams – Curated by Cecilia Alemani

Exposición internacional “La leche de los sueños” – Curadora: Cecilia Alemani – Artistas invitados.

Dentro de la 59º Muestra Internacional de La Bienal de Venecia esta la Exposición especial de proyectos de artistas invitados y que se puede visitar en los pabellones centrales de La Giardini y El Arsenale.

Editado por Arte: Espacio y Contenido.

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