18 cosas que las personas altamente creativas no hacen igual que el resto

 

18 cosas que las personas altamente creativas no hacen igual que el resto

La creatividad funciona de una forma misteriosa y a menudo paradójica. El pensamiento creativo es una característica estable, que define algunas personalidades, pero que también puede cambiar dependiendo de la situación y del contexto. A veces, la inspiración y las ideas vienen sin más, y luego, cuando más las necesitamos, no aparecen; el pensamiento creativo requiere un conocimiento complejo, si bien es completamente independiente del proceso de pensamiento.

La neurociencia ofrece una imagen muy compleja de la creatividad. Según plantean los científicos, la creatividad no es tan simple como la división entre las regiones derecha e izquierda del cerebro (la teoría dice que el hemisferio cerebral izquierdo es racional y analítico, mientras que el derecho es creativo y emocional). De hecho, se piensa que la creatividad implica numerosos procesos cognitivos, vías neuronales y emociones; aún no disponemos de una panorámica completa que explique cómo funciona una mente imaginativa.

Psicológicamente hablando, los tipos de personalidad creativa son difíciles de determinar, sobre todo porque son complejos, paradójicos y tienden a evitar el hábito o la rutina. No se trata de generalizar el estereotipo del «artista torturado», pero sí es verdad que los artistas suelen tener una personalidad compleja. Las investigaciones sugieren que la creatividad implica la unión de una multitud de rasgos, comportamientos e influencias sociales en una misma persona.

«Es cierto que a la gente creativa le resulta difícil conocerse a sí misma, puesto que el yo creativo es más complejo que el yo no creativo», informa Scott Barry Kaufman, psicólogo de la Universidad de Nueva York que ha pasado varios años investigando sobre la creatividad. «Las cosas que sobresalen más son las paradojas del yo creativo… Las personas con mucha imaginación tienen una mente más caótica».

Aunque no existe la definición exacta de la «típica» persona creativa, hay algunos rasgos y actitudes que caracterizan a las personas altamente creativas.

Estas son 18 cosas que las diferencian del resto.

Sueñan despiertos

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A pesar de lo que sus profesores les dijeran, las personas creativas saben que soñar despiertos no es, en absoluto, una pérdida de tiempo.

Según Scott Barry Kaufman y la psicóloga Rebecca L. Mcmillan, ambos autores del artículo Ode To Positive Constructive Daydreaming [Oda a lo positivo y constructivo de soñar despierto], dejar que la mente merodee libremente puede contribuir al proceso de «incubación creativa». Por supuesto, muchos de nosotros sabemos por experiencia que las mejores ideas se nos ocurren de repente, cuando tenemos la mente en las nubes.

Aunque nos puede parecer que soñar despierto es una actividad sin sentido, un estudio de 2012 sugiere que, en realidad, dicho proceso va ligado a un estado cerebral muy dinámico y exigente, pues conlleva conexiones y percepciones en relación con nuestra habilidad para captar la información frente a las distracciones. También se ha descubierto que soñar despierto activa los mismos procesos cerebrales que se asocian a la imaginación y la creatividad.

Lo observan todo

Las personas creativas se comen el mundo; ven posibilidades en cualquier lugar y están constantemente recopilando información que pueda servir para la expresión creativa. Como solía decir Henry James, «nada se pierde» en la mente de un escritor.

La escritora Joan Didion siempre llevaba encima un cuaderno en el que anotaba cualquier observación sobre la gente y los acontecimientos con el fin de entender mejor las complejidades y contradicciones de su propia mente:
«Por muy diligentemente que anotemos lo que vemos a nuestro alrededor, el común denominador de todo lo que vemos es siempre, de forma transparente y desvergonzada, el implacable ‘yo'», escribió Didion en su ensayo «Sobre tener un cuaderno de notas». «Estamos hablando de algo privado, de fragmentos de la cadena mental que son demasiado cortos para usarlos, de un ensamblaje indiscriminado y errático que solo reviste significado para quien lo lleva a cabo».

Elaboran sus propios horarios de trabajo a su medida

Muchos grandes artistas afirman que cuando mejor hacen su trabajo es o por la mañana temprano o a altas horas de la noche. Vladimir Nabokov empezaba aescribir inmediatamente después de levantarse, a las 6 o a las 7 de la mañana; Frank Lloyd Wright decía que se había acostumbrado a levantarse a las 3 o a las 4 de la mañana, ponerse a trabajar durante unas horas, y luego volverse a acostar. Independientemente de cuál sea su horario, los individuos altamente creativos suelen saber en qué momento del día su mente está más activa, y en función de esto, organizan sus días.

Se reservan unos momentos de soledad

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«Para estar más abiertos a la creatividad, tenemos que ser capaces de usar nuestra soledad de forma constructiva. Debemos superar el miedo a estar solos», escribió el psicólogo existencialista estadounidense Rollo May.

Con frecuencia, se describe a los artistas como personas solitarias. Aunque no siempre se cumple, la soledad puede ser una de las claves para llevar a cabo obras maestras. Para Kaufman, podemos volver a relacionar esta idea con el hecho de soñar despiertos; tenemos que concedernos momentos de soledad y, simplemente, dejar volar nuestras mentes.

«Tienes que contactar con tu yo interior para poder expresar tus pensamientos más internos», explica. «Es difícil encontrar esa voz creativa si no mantienes ningún contacto con tu interior ni reflexionas sobre ti mismo».

Saben aprovechar los problemas que les plantea la vida

Muchas de las historias míticas y de las canciones de todas las épocas han sido inspiradas por un drama o por un desamor; lo bueno de estos retos es que al final han servido como catalizador para crear arte. Los investigadores que estudian el crecimiento post-traumático, un ámbito de la psicología en auge, sostienen que mucha gente es capaz de emplear las dificultades y los traumas que sufrieron de pequeños para aumentar sustancialmente su creatividad. En concreto, se ha descubierto que los traumas pueden contribuir a que la gente desarrolle las áreas encargadas de las relaciones interpersonales, de la espiritualidad, el aprecio por la vida, la fuerza personal y, lo que es más importante para la creatividad, la capacidad de exprimir al máximo las posibilidades que te ofrece la vida.

«Mucha gente es capaz de utilizar esto como la gasolina que necesitan para descubrir una perspectiva diferente de la realidad», afirma Kaufman. «En algún momento de su vida, se ha desmontado la visión que tenían del mundo como un lugar seguro […], haciéndoles salir a la periferia a ver las cosas de una forma diferente, renovada; es esto lo que conduce a la creatividad».

Buscan nuevas experiencias

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A la gente creativa le encanta lanzarse a probar nuevas experiencias, sensaciones y estados mentales. Esta apertura y amplitud de miras suele activar de manera significativa la creatividad.

«Estar abierto a nuevas experiencias te lleva, la mayoría de las veces, a obtener logros creativos», asegura Kaufman. «Esta idea presenta muchas facetas diferentes, pero todas relacionadas entre sí: la curiosidad intelectual, la búsqueda de sensaciones, el no tener miedo a mostrar tus emociones ni tu fantasía. Lo que une a todas estas características es el camino hacia la exploración cognitiva y conductual del mundo, tanto interno como externo».

Se caen y vuelven a levantarse

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La resiliencia prácticamente es un prerrequisito para el éxito creativo, afirma Kaufman. El trabajo creativo a menudo se describe como un proceso de fallos repetidos hasta acabar encontrando algo que encaja y que funciona. Las personas creativas, al menos las que tienen éxito, aprenden a no tomarse demasiado a pecho los errores.

«La gente creativa fracasa, y los que son buenos de verdad fracasan más de una vez», escribió Steven Kotler, colaborador de Forbes, en una pieza sobre el genio creativo de Einstein.

Plantean grandes preguntas

La gente creativa es insaciablemente curiosa; normalmente, optan por cuestionar cualquier aspecto de la vida, e incluso cuando envejecen mantienen su sentido de la curiosidad. Ya sea mediante una conversación intensa o mediante una reflexión en solitario, las personas creativas observan el mundo a su alrededor y quieren saber por qué, y cómo, funcionan las cosas.

Observan a las personas

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Son observadores por naturaleza y tienen curiosidad por la vida de los demás; a las personas creativas les suele gustar observar a la gente, y a menudo extraen algunas de sus mejores ideas de ahí.

«[Marcel] Proust pasó la mayor parte de su vida observando a la gente, anotó sus observaciones, y las reflejó en sus libros», explica Kaufman. «Para muchos escritores, observar la vida de la gente es muy importante… Son buenos observadores de la naturaleza humana».

Se arriesgan

Una parte del trabajo creativo implica correr riesgos; muchas personas creativas disfrutan del riesgo en diversos aspectos de su vida.

«Existe una conexión profunda y significativa entre el riesgo y la creatividad, aunque a menudo se pase por alto», escribió Steven Kotler en Forbes. «La creatividad es el acto de fabricar algo de la nada. Requiere hacer públicas las apuestas mejor posicionadas en tu imaginación. No es un trabajo para los tímidos. Perder el tiempo, empañar tu reputación y no gastar demasiado bien el dinero son algunas de las consecuencias negativas que puede tener la creatividad».

Consideran que todo en la vida es una oportunidad para la expresión propia

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Nietzsche creía que la vida y el mundo deberían considerarse obras de arte. Las personas creativas tienden a ver el mundo de esta manera, y a buscar constantemente cualquier oportunidad de autoexpresión en la vida diaria.

«La expresión creativa es la expresión de uno mismo», afirma Kaufman. «La creatividad no es otra cosa que la expresión individual de tus necesidades, de tus deseos y de tu naturaleza única».

Siguen sus pasiones verdaderas

La gente creativa suele tener una motivación intrínseca; esto es, una persona creativa está motivada a actuar desde sus más internos deseos, en lugar de buscar el reconocimiento o las recompensas externas. Muchos psicólogos han demostrado que la gente creativa obtiene su energía de las actividades que le plantean desafíos, lo cual es una muestra de la motivación interna. Las investigaciones sugieren que solo con pensar en los motivos intrínsecos que te mueven a hacer algo se puede activar la creatividad.

«Los mejores creadores deciden implicarse con pasión en cuestiones complejas y arriesgadas que les proporcionan un importante sentido del poder por la capacidad de utilizar su talento», escriben M.A. Collins y T.M. Amabile en The Handbook of Creativity.

Salen de sus propias mentes

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Kaufman señala que otro objetivo de soñar despierto es ayudarnos a salir de nuestra perspectiva limitada y explorar otras formas de pensamiento, que pueden ser una baza importante para el trabajo creativo.

«Soñar despierto nos permite evadirnos del presente», explica Kaufman. «La misma red cerebral asociada con la imaginación está vinculada a la teoría de la mente; esta nos permite imaginar lo que está pensando alguien o fantasear sobre cómo será nuestro “yo” futuro».

Otras investigaciones también señalan que inducir la «distancia psicológica» (es decir, pensar desde la perspectiva de otra persona o reflexionar sobre una cuestión como si fuera irreal o desconocida) puede activar el pensamiento creativo.

Pierden la noción del tiempo

Las personas creativas pueden pensar que cuando están escribiendo, bailando, pintando o expresándose, entran «en la zona», lo que se conoce como estado de flujo, que puede ayudarlos a crear a su máximo nivel de expresión. Dicho flujo es un estado mental en que un individuo va más allá de su pensamiento consciente para alcanzar un estado superior de concentración y calma sin esfuerzo. Cuando alguien alcanza este estado es prácticamente inmune a cualquier presión o distracción, sea interna o externa, que pueda entorpecer su actividad.

Entras en esa zona cuando realizas una actividad con la que disfrutas y que se te da bien, pero que a la vez te plantea retos; es lo que define a un buen proyecto creativo.

«[Las personas creativas] han descubierto su pasión, pero también han desarrollado su capacidad para entrar en el estado de flujo», asegura Kaufman. «Este estado mental requiere una conexión entre tus habilidades y la tarea que has emprendido».

Se rodean de belleza

Las personas creativas suelen tener un gusto excelente y, por ello, disfrutan de la belleza y se rodean de ella.

Un estudio publicado recientemente en la revista Psychology of Aesthetics, Creativity, and the Arts reveló que los músicos (incluidos los miembros de una orquesta, los maestros de música y los solistas) muestran una alta sensibilidad e inclinación hacia la belleza artística.

Saben unir los puntos

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Si hay algo que distinga a las personas altamente creativas del resto es la capacidad de ver oportunidades donde otros no las ven. Muchos artistas y escritores importantes han afirmado que la creatividad se basa en la capacidad de unir los puntos, algo que los demás probablemente nunca se habían planteado.

En palabras de Steve Jobs: «La creatividad simplemente consiste en conectar las cosas. Cuando le preguntas a las personas creativas cómo han hecho algo, se sienten un poco culpables porque en realidad no han creado nada, sino que se han limitado a ver algo. Tras un tiempo, les resulta obvio, pues han sido capaces de conectar las experiencias que habían tenido y de sintetizar cosas nuevas».

Les gustan los cambios radicales

La diversidad de experiencias es crucial para la creatividad, afirma Kaufman. A las personas creativas les encanta alterar las cosas, tener nuevas experiencias y evitar que su vida se convierta en algo monótono y mundano.

«La gente creativa tiene experiencias más diversas; la rutina es lo que mata esta diversidad de experiencias», explica Kaufman.

Encuentran tiempo para la meditación

Las personas creativas entienden el valor de la concentración mental, pues su trabajo depende de ella. Muchos artistas, emprendedores, escritores y otros trabajadores creativos, como David Lynch, consideran la meditación como una herramienta para conectar con su estado mental más creativo.

La ciencia respalda la idea de que la meditación realmente puede activar el poder de la mente de muchas formas. Un estudio realizado en 2012 por un equipo holandés señala que algunas técnicas de meditación promueven el pensamiento creativo. Las prácticas de meditación pueden ir ligadas a una mejora de la memoria y de la concentración, a un mayor bienestar emocional, a una disminución del estrés y de la ansiedad, y a una mayor claridad mental; todo esto puede fomentar la capacidad de pensamiento creativo.

Fuente:   Huffington Post

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¡¡EL VERANO YA ESTÁ AQUÍ!!

El verano ya está aquí

El verano ya está aquí, sal con los brazos abiertos y dale la bienvenida….  sin complejos..

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¡¡CONTIGO HAY ÓPERA!!

¡¡CONTIGO HAY ÓPERA!! 

FESTIVAL ÓPERA DEARTE MEDINACELI. SORIA

 

Descripción del proyecto

 

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El I Festival Ópera DeArte Medinaceli es un ambicioso proyecto que pretende presentar óperas en un incomparable escenario: el histórico Patio Renacentista del Palacio Ducal de Medinaceli.

Cuatro días, 7, 8, 9 y 10 de agosto de 2014, con ópera de calidad y actividades paralelas que pretenden acercar este genero al gran público y apoyar a los jóvenes creadores e interpretes. Generando interés en los más pequeños con espectáculos para niños. Contribuyendo a dinamizar económica, social y culturalmente, la provincia de Soria, muy despoblada.

CONCURSO DE CANTO
En el I Concurso Internacional de Canto «Un Futuro DEARTE», participarán jóvenes intérpretes, seleccionados por un jurado excepcional:

Paolo Pinamonti, Director Teatro de la Zarzuela de Madrid
Cristobal Soler, Director Musical Teatro de la Zarzuela de Madrid.
Juan Ángel Vela del Campo, Crítico musical.
José Ramón Tapia, Crítico musical.
Susana Cordón, Profesora de la Escuela Superior de Canto de Madrid.
José Manuel Aceña, Director otoño musical de Soria.
Francisco Mejorada, Director I Festival Ópera DeArte Medinaceli

Los tres finalistas cantarán, junto a la ya consagrada soprano Pilar Jurado, durante el festival y recibirán los siguientes premios:

  • Primer Premio: 2.500 € + trofeo
  • Segundo Premio: 1.000 € + trofeo
  • Tercero Premio: 500 € + trofeo

DESARROLLO DEL FESTIVAL

  • Banda Municipal de Soria.
  • Ópera y Baco.
  • Don Pasquale, producida por Producciones Omis.
  • Pilar Jurado, Soprano, recital junto con los finalistas del concurso.
  • Entrega del Premio «Una vida DEARTE».
  • Ópera para niños: «Cuidado con la Soprano»Carmen Dólera y Salvador Requena.

TALLERES PARA NIÑOS
Los espectáculos principales se complementarán con talleres para niños, para acercar la ópera a las nuevas generaciones y hacerlo más atractivo para las familias.

EXPOSICIÓN TRAJES DE ÓPERA
Medinaceli DEARTE, presentará una exposición de Trajes de Ópera que mostrará el arte de la costura con trajes que son verdaderas obras de arte.

A QUÉ DESTINAREMOS VUESTRAS APORTACIONES
PRESUPUESTO:El presupuesto previsto para todo el festival es de 93.500 € de los cuales la mayor parte se cubre a través de patrocinios de entidades y marcas.

Solicitamos ayuda para completar la financiación del Festival. Con ello sufragaremos el coste de la cuarta jornada con el espectáculo lírico «Cuidado con la Soprano», más los dos talleres infantiles y la exposición de trajes.

La producción ha empezado desde hace tiempo y el primer día del festival será el 7 de agosto de 2014, prolongándose hasta el día 9 de agosto (quizás también el día 10).
Necesitamos tu apoyo para impulsar este hermoso proyecto, y poder completarlo satisfactoriamente. Para impulsar a los jóvenes creadores, acercar la ópera a todo el mundo y dinamizar la hermosa y despoblada provincia de Soria.

Porque contigo hay ópera!!

http://www.verkami.com/projects/8953#

RECOMPENSAS A LOS MECENAS
Ofrecemos una amplia gama de recompensas para premiar la generosidad de los amigos en función de las posibilidades de cada uno.

Los Conciertos de Palacio son Veladas musicales que se realizan asiduamente en elPatio Renacentista del Palacio Ducal de Medinaceli. Se puede consultar la programaciónaquí

Las entradas al Festival, obtenidas mediante crowdfunding, son muy ventajosas respecto a su adquisición en taquilla.

La Posada Real Santaquiteria es un hotel de lujo, en un entorno natural paradisíaco, que se ubica en un castillo del siglo XI y un caserón del siglo XVIII.

Para más información consulte www.posadasantaquiteria.com

Fotografía de Medinaceli, para la recompensa Una Noche de Hotel en la Villa Historica de Medinaceli:

Fotografías de la casa de Pollença del siglo XVII:

Las recompensas a los mecenas de Verkami las entregaremos en la misma semana de desarrollo del Festival.

CALENDARIO
JULIO 2014
Domingo 20 de Julio

  • 11:00, Inauguración exposición de trajes de óperas
  • 12:00, Final del concurso I Premio Un Futuro DEARTE. Jurado y público.

AGOSTO 2014

Jueves 7 de agosto

  • 12:00, Taller Infantil
  • 20:00, Banda Municipal de Soria y Coral de Soria.

** Viernes 8 de agosto**
– 21:00, «Don Pasquale»Gaetano Donizetti. Orguesta: Martin y Soler (27 interpretes) Productora: Producciones Omis

Sábado 9 de agosto

  • 2:00, Taller para niños.
  • 21:00, Recital de la soprano Pilar Jurado.
  • 22:00, Recital de los finalistas del Concurso de Canto.
  • 23:00, Entrega de los premio Un Futuro DEARTE y Una Vida DEARTE

Sábado 9 de agosto

  • 17:00, Ópera para niños: «Cuidado con la Soprano».

MÁS INFORMACIÓN
Sobre el I Festival de Ópera de Medinaceli
Sobre la Fundación Dearte
facebook.com/fundacion.deartecontemporaneo
Twitter de la Fundación
Página de Pilar Jurado
Página de OMIS, productores de la ópera Don Pasquale:
Página de la Banda Municipal de Soria

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Si quieres saber más pregúntale al autor

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MARIELA GARIBAY

 

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El cilindro

 

Con un perfecto conocimiento de la técnica del lenguaje del volumen  Mariela Garibay consagrada escultora peruana nos presenta una colección de gran expresividad.  Sus piezas tienen la apariencia de niños “gorditos” en el que la artista representa muy bien esa ingenuidad tan inherente a ellos, dando forma con las manos sus sentimientos para luego compartirlo en sus exposiciones. La artista logra sacar la sonrisa del espectador que experimenta esos sentimientos de ternura que provocan sus esculturas.  Sus niños son robustos, llenos de energía, cariñosos, tiernos, sensibles y juguetones.

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Contemplar pequeñas cosas

 

Garibay trabaja la escultura en distintas clases de piedras, como el mármol de Carrara (Italia), el Alabastro, el mármol de Calatorao. También hay esculturas de arcilla para el cual utiliza una técnica milenaria del Perú, quemando la arcilla para conseguir una textura especial, con matices de color tostado que realza la forma y la expresividad de sus piezas.

 

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Esperando

 

 

De currículo brillante,  La escultora peruana cuenta con exposiciones en América y Europa. Realizó sus estudios de arte en la prestigiosa Universidad Católica de Lima donde se licenció en la especialidad de Escultura y en la Universidad de Barcelona donde realizo el Máster en Diseño Urbano, Arte y Sociedad . Empezó a exponer muy pronto, uno de sus primeros trabajos en el que se dio a conocer fue con la colección “Piedra sobre piedra” de alto significado y contenido simbólico, compaginando su carrera creativa con la enseñanza y la investigación. Ha realizado encargos de obra pública en Perú, ha sido reconocida con prestigiosos premios como el Nacional de Diseño para la Artesanía Peruana y dos veces con el conocido premio Winternitz.

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El patinete

Desde hace varios años vive en España donde viene desarrollando una intensa carrera artística, con exposiciones en Madrid, Barcelona, Zaragoza, Tarragona, etc. afirmando cada vez su personalidad creativa. “A medida que voy madurando, mi trabajo y mis temas también maduran” decía Mariela Garibay en una entrevista a la revista especializada en coleccionismo de arte “Subastas Siglo XXI” donde afirman que la artista está despertando el interés de los coleccionistas, y el reconocimiento de la crítica.

Judith Cuba

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Exposición: Del 8 de Mayo al 15 de Julio de 2014

http://www.galeriasalduba.com/artista/mariela-garibay/

 

 

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La vida cotidiana en colores

laabundancia estaoloenelestampado del mantel y noennuestra mesa-  x ahora slo podemos compartir u vaso dagua yuna q nos anuncia u final

Fotografia: Hugo González Granda

A veces la abundancia está en el estampado del mantel y no en la mesa, nuestras herramientas de trabajo ya nos no dan de comer.

Esto nos recuerda que no debemos juzgar una casa por su jardín, aveces las apariencias engañan…..    entra sin llamar.

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RENATO COSTA

Renato Costa hace gala de la figuración, la subjetividad, las emociones abiertas, la autobiografía, la memoria, el simbolismo, la psicología y la narrativa invitando al espectador a cuestionar los componentes físicos y espirituales de la condición humana. El autor describe su obra como “signos de una etapa de la existencia”,retomando el interés por la idea de la narrativa que no explica una historia; lo que le permite basarse en la psicología, el temor, la muerte y el amor de un modo tan directo como le sea posible.

RENATO COSTA

Renato Costa (Río de Janeiro (1974) vive y trabaja en Madrid desde el año 2005.Realiza sus investigaciones artísticas principalmente en el ámbito de la pintura, encontrando la motivación en el hecho, dado en esta disciplina, del contacto entre el creador y la obra para que pueda ocurrir de una forma directa, además de suponer un desafío añadido la ubicación de un método tan tradicional, por muchos llamado dead art(arte muerto), en un lenguaje vigente del arte actual. En un sentido más amplio, la obra de Renato Costa se define por sus características técnicas y temáticas. La manipulación de los materiales tiende a ser táctil, sensual, y expresa intensamente las emociones. Con frecuencia, los temas presentan una profunda relación con el pasado, bien sea con la historia colectiva o bien con la memoria personal, y se exploran a través de la alegoría y el simbolismo. Se inspira en la historia de la pintura, escultura y arquitectura. Como resultado, la influencia del expresionismo, el surrealismo, el expresionismo abstracto y el arte informal es muy evidente.

RENATO+COSTA+1.jpg (461×390) Ha obtenido en los últimos años, un considerable reconocimiento de su obra, siendo galardonado con menciones de prestigio, como ejemplo el Premio Bancaja de Pintura que culminó en una exposición colectiva en el IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno), además de realizar varias muestras colectivas e individuales en galerías y museos.

En sus obras aborda esa conformidad,  se entiende como un todo que influye en la mayoría que muchas veces acaba adoptando esa postura común”,  también aborda la infancia y la creación de unos residuos que se dejan en herencia a las generaciones futuras.  La vanidad que desemboca en la especulación financiera del arte con elogios al ego y a la producción artística, invita al observador a reflexionar, a indagar, a pensar, a platear.

Obras de distintas series de los últimos trabajos del artista y que, en un sentido metafórico, se cruzan formando intersecciones de planos, donde aparece una recta o más bien una línea de texto que plantea preguntas, poniendo de manifiesto los peligros de la vacuidad y la conformidad inherentes al conflictivo individualismo de los tiempos actuales”.

Fuentes: TodoMetro, El Faro Digital.

ENTREVISTA RENATO COSTA: 

Soy un cronista de mi tiempo, en mi obra reflejo lo que me llama la atención”

Renato Costa inicia su formación en el taller de su padre, el pintor Manoel Costa. Tras desarrollar su carrera en Brasil, su país natal, se traslada a Europa para abrir nuevos caminos en su pintura. Desde el año 2005 vive y trabaja en Madrid, periodo en el que ha realizado exposiciones individuales y colectivas en diferentes ciudades españolas obteniendo el reconocimiento de diversos certámenes. –Su padre también es pintor, ¿se dejó llevar por lo que veía en casa? –En un principio fue como un juego de niños. Empiezas a jugar con los colores, los pinceles… pero luego, con el tiempo, uno se da cuenta que es una cosa que va más allá que un simple entretenimiento. Ahí empecé y mi padre supo estimularme muy bien y me dio bastante libertad para todo. Fue todo muy natural. –Si en la vida de cualquier persona un padre siempre es un referente, imagino que en su caso todavía más –En un principio me influenció mucho y en mi trabajo lo ha hecho muchísimo técnicamente. –¿En su obra, sigue su línea o ha cambiado de registro? –En un principio sí. Yo llevo muchos años pintando, empecé a trabajar en el mercado del arte con 15 años. En esta primera etapa sí que tenía mucha influencia de mi padre, él es un pintor costumbrista y eso se nota en mis primeras obras. Hoy en día, aunque mi pintura sea figurativa, más contemporánea… arrastra todavía su visión. –¿Cómo reciben a un chaval de 15 que pretende vender su primer cuadro? –El contacto que tenía con las galerías y expertos de arte me trataban un poco como ‘hijo’. Al ser hijo de quien era he tenido mucha facilidad para entrar en el circuito brasileño. Yo crecí rodeado de artistas en casa, de hecho el primer cuadro que llevé a una galería estaba colgado en mi casa y creían que lo había pintado mi padre y ahí fue cuando empecé a vender. Surgió todo de una forma muy natural. –¿Le pesó la etiqueta de ‘hijo’? –Siempre se compara. Es complicado, porque de la misma manera que te facilita en muchos aspectos te complica en muchos otros. –En 2005 da el salto a Europa –Sí, me vine a Madrid, aunque no tenía pensado quedarme tanto tiempo, pero fueron sucediendo una serie de cosas muy positivas y hasta hoy –risas–. –¿Qué significa ‘Paramnesia Colectiva’? –Paramnesia es el nombre técnico para el déjà vu y viene a ser el hecho de percibir la realidad que vivimos como un recuerdo, causado por un defecto de la memoria a corto plazo. Yo utilizo esto para llamar la atención sobre un estado de ánimo casi hipnótico, que vivimos todos causado por la rutina y que nos transporta a algo ya visto continuo. –¿Cómo surge la inspiración? –Yo en mi trabajo soy un poco cronista de mi tiempo. Habló de cosas que me llaman la atención. El ser humano me inspira mucho: su vida, su perfil psicológico… y busco eso como temática.

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LA CAMARA OSCURA DE ILAN WOLFF

 

LA CAMARA OSCURA DE ILAN WOLFF

Desde 1981 Ilan Wolff se ha especializado en crear fotografías usando la técnica de la Cámara Oscura, con cámaras hechas a partir de viejas cajas o latas.   En la actualidad  Wolff usa su furgoneta y habitaciones comunes para crear imágenes de mayor formato.
Desde 1993  Wolff imparte talleres sobre la técnica de la cámara oscura, también en la utilización de emulsiones fotográficas para la creación de imágenes en diferentes superficies; asimismo interviene en proyectos fotográficos de carácter artístico y comercial.
Os dejo tres vídeos interesantes que consiste en tres capítulos del  Taller sobre Cámara Oscura impartido por Ilan Wolff.

El primer capitulo recoge La Historia de la Cámara oscura.

Taller de Ilan Wolff – Cápitulo-1. La Cámara Oscura: Entre la magia y la ciencia

Taller de Ilan Wolff- Capítulo-2. La imagen  través de la cámara oscura

Taller de Ilan Wolff – Capítulo-3. La mirada de un Fotógrafo

Biografía

1955 :Nació en Nahariya, Israel
1970-73 : O.R.T. Escuela de Artes, Haifa, Israel
1976-78 : Freelance como diseñador gráfico,Israel
1978-81 : W.I.Z.O.  Trabaja con Neri Bloomfield compañero de diseño, Departamento de Fotografía, Haifa, Israel
1982-86 : Vive en Amsterdam, Holanda. Se especializa en la técnica usando cámaras
cilíndricas con un agujero. Realiza proyectos para la revista «Stren» (mayo 1985) Alemania y Compañía de seguros en Amsterdam.
1987-90 Vive y trabaja en New York and Amsterdam.
Realiza proyectos para Kodak y J&J. USA. Primer taller en Madrid, España organizado por kodak.
Proyectos para el Ministerio de Cultura Francés y Keith Nolan –compañía cinematográfica en Dublín Irlanda.
1990-92: Vive en Amsterdam, Proyectos para la compañía Man Roland en Alemanía (calendario 1992). «IMAGINA» proyecto para el C.A.F. (Centro Andaluz de la Fotografía)
Almeria-España (Para la Expo de Sevilla en 1992).
1992-94: Afincado en Paris en la ciudad internacional de las artes, primer trabajo desde dentro de la cámara oscura transformando su estudio en una cámara “pin hole” (Cámara Oscura). Creando una nueva técnica el «PINOGRAMA» la cual combina el agujero y el fotograma en la misma exposición.
1994-97: Vive en PARIS, transformando su propio coche en cámara oscura,
se especializa en la técnica «PINOGRAMA», usando su coche como cámara. Proyecto para la ciudad de Lorient » El Puerto», Francia. Creando una serie sobre el monumento de Paris. Proyecto para «MIGRO» Empresa de supermercados en Suiza.
1997-2009: Se afincó en SEYSSEL, Francia. Especializandose en » FOTOGRAMA”,
desarrollando el «CALORIGRAMA» – Fotograma basado en CALOR y solo en energía el «NATUROGRAMA» (una nueva forma de desarrollo). Desde 2004 usa la luz de luna como única energía para el «LUNAGRAMA» Técnica, trabajada en la noche a la intemperie. Experimenta con plantas, verduras ( pimiento rojo) y la propia tierra como agujero de la cámara, usando cámaras con tres 3 agujeros.
Proyecto para la ciudad de Cahlon S/ Saone- Musee N.Niepce «El Gran Album» 2000, Francia. Desde 2001 viene trabajando habitualmente para el C.A.F. en Almería- España, impartiendo talleres todos los año.  Realiza proyecto en San Sebastián (2006-2007) –Trabaja en España para la Caja KUTXA sobre los monumentos de la ciudad, utilizando su propia caravana como cámara y un LUNAGRAMA de 30 metros.» Monumentos de Andalucía»(2008-2010) proyecto para el C.A.F. (centro Andaluz de la Fotografía) Almeria,

En 2011 vive en España con viajes de exposiciones catálogadas .  lan Wolff  vive en Cabo de Gata, Almería – España, tambien ha realizado un proyecto para CAJA SEGOVIA  sobre los monumentos de la ciudad.

Ilan Wolff – Lunagrama

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EXPOSICIÓN BENÉFICA A FAVOR DEL COMEDOR SOCIAL DEL CARMEN EN LA GALERÍA DE ARTE SALDUBA

EXPOSICIÓN BENÉFICA A FAVOR DEL COMEDOR SOCIAL DEL CARMEN EN LA GALERÍA DE ARTE SALDUBA

 Aurora Charlo

El día martes 10 de Diciembre se ha inaugurado en la galería de arte Salduba la exposición benéfica favor de la Obra Social del Carmen.

Esta bonita iniciativa parte del grupo de voluntarias del comedor a través de la comisaria de arte Judith Cuba y la galería Salduba. La inauguración tuvo un gran éxito de participación, estuvieron presentes los artistas que tan generosamente han contribuido con la donación de una obra; se trata de artistas jóvenes promesas y firmas relevantes como:  Aurora Charlo, Isabel Guerra, Arturo Elena, Jesús Proaño, Juan Badenes, Cuca Muro, Carmen Berges, María Victoria Arbeloa, Iñaki, Kumiko Fujimura, Gregorio Barcelona, Radoslav, Acacía, Julio Casado, Eduardo G. Wallace, Oscar Jiménez, Nacho Rodríguez.

 

                  Obra de Arturo Elena    OLYMPUS DIGITAL CAMERA

                       Arturo Elena                                                                              Jesús Proaño

En la presentación del acto habló el padre Vicente miembro de la comisión directiva de la obra social de La Parroquia de Ntra Sra.  Del Carmen  para  agradecer a todos los que hicieron realidad esta gran gala solidaria de arte y en el que también contó un poco del día a día de los distintos proyectos que realizan además del comedor , como el Ropero, la Guardería,  Atención Social,  Alojamientos, Casa de Acogida para Mujeres, etc..

Obra de Carmen Berges

Carmen Berges

SAMSUNG

 

Iñaki

La recaudación integra por la venta de los cuadros de esta exposición serán destinados esta gran obra social

Esta magnífica exposición permanecerá abierta hasta el día 31 de Diciembre en La galería de Arte Salduba, Calle Madre Vedruna, 5

Fuente: Exposiciones en Zaragoza. Blog

 

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Concluye el V Congreso Iberoamericano de Cultura – Zaragoza 2013

El V Congreso Iberoamericano de Cultura ha generado una «gran actividad» en las redes sociales, con más de 4.000 tweets, que ha permitido alcanzar una audiencia superior a los 12 millones de personas, que se suma a las más de 5.000 personas que lo han seguido en directo a través de la retransmisión en streaming de las principales ponencias, mesas e intervenciones.

v-congreso-iberoamericano-de-cultura-2013

Durante tres días han participado más de 1.400 asistentes inscritos, nueve ministros de Cultura iberoamericanos, 174 ponentes, que han intervenido en 21 mesas redondas, además se han dado a conocer 20 experiencias digitales, 21 proyectos de emprendimiento cultural, actividades culturales, trabajo en red y fomento de sinergias.

En el Palacio de Congresos Expo de Zaragoza y en la sede 2 Etopia-Cat, se han explorado las posibilidades que ofrece la red a creadores, productores, distribuidores y promotores de la cultura, ya sean instituciones públicas o privadas. Además, se ha puesto de manifiesto la existencia de dos realidades complementarias en el desarrollo cultural: una mente muy dinámica y digital que convive con una muy diversa creatividad analógica.

Esta cita ha sido un espacio de debate del sector cultural y creativo iberoamericano. Con presencia también de representantes de Estados Unidos, la UE y otros países, junto a delegados de instituciones culturales iberoamericanas (CERLALC, AECID, CONACULTA, Instituto Camoes, CONAR, Instituto Cervantes, SURDOC, ARCE, TEIB), profesionales y creadores, este foro ha permitido comprender el impacto que tiene Internet en el mundo cultural.

Tres días, donde se han explorado las posibilidades que ofrece la red a creadores, productores, distribuidores y promotores de la cultura, ya sean instituciones públicas o privadas. Además, se ha puesto de manifiesto la existencia de dos realidades complementarias en el desarrollo cultural: una mente muy dinámica y digital que convive con una muy diversa creatividad analógica.

Este video es una pequeña muestra del congreso, 3 días intensos en el que hemos profundizado también sobre la forma de realizar arte desde las nuevas tecnologías, De cómo acercar estas nuevas expresiones artísticas a una población que está inmersa en un punto de inflexión entre lo mecánico y lo digital

DEBATE INSTITUCIONAL

Los ministros iberoamericanos han desarrollado una activa participación durante el Congreso, a través de un espacio de debate institucional, ‘Conversatorios’, donde han abordado los retos y oportunidades de la era digital para la consolidación del Espacio Cultural Iberoamericano, así como la propuesta de una Agenda Digital Cultural Iberoamericana que deberá reforzar dicho Espacio.

Tanto el ministro de Educación, Cultura y Deporte de España, como el secretario de Estado de Cultura, han debatido en este contexto institucional del Congreso con sus homólogos iberoamericanos sobre estos dos temas centrales para el desarrollo cultural de la región.

De dicho debate se ha concluido, entre otras reflexiones, que este «espacio ha de coordinarse» con otros proyectos de cooperación de la región, teniendo en cuenta el carácter transversal de la cultura con el que se buscan sinergias para fomentar el desarrollo educativo, la participación social y de los jóvenes, reconociendo y protegiendo la diversidad cultural.

EMPRENDIMIENTO CULTURAL

Una de las más firmes apuestas y novedades que ha acogido el Congreso ha sido fomentar el emprendimiento cultural en el espacio iberoamericano. La región tiene un gran futuro digital, con una pujante generación de emprendedores que proponen nuevas soluciones y nuevos modelos de negocio para dar respuesta a las necesidades sociales, tal y como ha quedado patente en el l Concurso ‘Emprende con cultura’, que ha recibido más de 550 proyectos «muy innovadores, con gran calidad y potencial de crecimiento». Los premios han sido entregados por el Príncipe de Asturias,

PRINCIPALES PONENCIAS

El programa académico del V Congreso Iberoamericano de Cultura ha sido dirigido por Javier Celaya y ha contado con la participación de destacadas personalidades nacionales e internacionales del ámbito de las nuevas tecnologías de la información y de la cultura digital.

Entre ellas, destacan las intervenciones del catedrático de filosofía política y social de la Universidad del País Vasco, Daniel Innerarity, que impartió la ponencia inaugural del Congreso.

La vicepresidenta de Medios de Terra para Iberoamérica y EE.UU., Sandra Pecis, ha compartido su visión del consumo de Internet en Iberoamérica y reflexionó sobre cómo Internet ha cambiado el día a día de la sociedad, pero aportó el dato de que en Latinoamérica la penetración de Internet es aún de 40%.

Para el sociólogo y autor de ‘Cultura mainstream’, Frédéric Martel, Internet refuerza el concepto territorial, físico y cercano y, por tanto, no llevará a una globalización mundial de la cultura.

La directora global de estrategia digital de la editorial Penguin, Molly Barton, ha destacado que algunas plataformas digitales facilitan a los artistas mayor control sobre el desarrollo y la distribución de su trabajo, adaptándose a las necesidades particulares de campos creativos específicos.

REINVENTAR

El fundador de la plataforma Wearewhatwedo.org, Nick Stanhopese, se ha centrado en cómo la tecnología y la creatividad pueden ampliar y mejorar el descubrimiento y el aprovechamiento del patrimonio local como fuerza cultural y social de gran alcance.

El experto en nuevas tecnologías de Iberoamérica, Pablo Arrieta, ha resaltado que la tecnología digital permite reinventar maneras de hacer las cosas que aportan a creadores, industrias y públicos nuevas maneras de conversar.

Por su parte, la directora de Asuntos Públicos y director de Stakeholder Engagement de Telefónica, respectivamente, Arancha Díaz Lladó y Eduardo Puig de la Bellacasa, han puesto de manifiesto que las alianzas público-privadas cobran una relevancia especial en el contexto cultural y económico actual, a la hora de sacar el máximo partido a la revolución de las tecnologías de la información.

La delegada general del «Labo de l’édition», Virginie Rouxel, ha considerado que el desafío principal, tanto en el mundo editorial como en otros sectores, es conjugar el apoyo a las nuevas empresas innovadoras con el seguimiento a los actores tradicionales.

Finalmente, el investigador de Nesta (National Endowment for Science, Technology and the Arts), Juan Mateos-García, ha demostrado la importancia del análisis de datos para las actividades del sector creativo y cultural, dejando claro que creatividad y análisis no son enemigos, sino todo lo contrario. Para este estudioso, si se quiere entender mejor el trasfondo de la privacidad, el mundo de la cultura debería adentrarse en el mundo de los datos y conocer las audiencias mejor que Google y Facebook.

El Ministro de Cultura de Costa Rica, Manuel Obregón, ha presentado los grandes rasgos del VI Congreso Iberoamericano de Cultura que se celebrará del 12 al 13 de abril de 2014 en este país centroamericano. Obregón ha enfatizado que se fortalecerá la alianza de la región para dar cabida a los que nunca han tenido voz en este tipo de foros.

Ha sido también punto de encuentro de un intenso debate sobre las oportunidades que ofrece Internet para reducir la brecha social.

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JOSE MANUEL BALLESTER, presenta su Bosques de Luz, en el IAACC Pablo Serrano de Zaragoza.

La exposición ‘Bosques de Luz’ ofrece en el Instituto Aragonés de Arte y Cultura Contemporáneos (IAACC) Pablo Serrano, una treintena de obras del fotógrafo José Manuel Ballester. Esta muestra ha llegado a Zaragoza, con motivo del V Congreso Iberoamericano de Cultura, que organiza el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, entre el 20 y el 22 de noviembre, tras su exhibición en el espacio de promoción del arte Tabacalera de Madrid.

JOSE MANUEL BALLESTER, presenta su Bosques de Luz, en el IAACC Pablo Serrano de Zaragoza.

Una  gran exposición que, a través de 29 fotografías, resume los últimos ocho años de trabajo del pintor y fotógrafo José Manuel Ballester (Madrid, 1960), distinguido con el Premio Nacional de Fotografía 2010 por su trayectoria personal y por su singular interpretación del espacio arquitectónico y la luz.

https://i0.wp.com/www.metalocus.es/content/es/system/files/file-images/ml_Jose%20Manuel%20Ballester_Bosques%20de%20Luz_38_1200.jpgInterior Niemeyer, 2008. Impresión Digital sobre papel Hahnemühle. 136,6 x 300 cm 

La muestra reúne una cuidada selección de la obra del artista de los últimos ocho años. Imágenes fotográficas de gran variedad que nos permiten asomarnos a los cambios y avances producidos en su trabajo.

En la obra de José Manuel Ballester hay tres elementos que son su leitmotiv: el tiempo, la luz y el espacio. A través de ellos muestra la frontera entre dos lenguajes aparentemente opuestos pero interrelacionados entre sí, como son la abstracción y la figuración.

https://i0.wp.com/www.metalocus.es/content/es/system/files/file-images/ml_Jose%20Manuel%20Ballester_Bosques%20de%20Luz_42_945.jpgNocturno Beyeler, 2011. Fotografía sobre papel Kodak endura. 133 x 248 cm 

La exposición muestra un conjunto de obras unidas por un sutil hilo conductor que procura dar una visión sintetizada de aquellas características más significativas que han distinguido el quehacer artístico de Ballester, y así comprobamos que el artista no se propone desarrollar un lenguaje fotográfico específico, sino utilizar el objetivo como testigo para justificar, registrar, matizar e interrogar la actualidad y el progreso. En una primera mirada podría decirse que el énfasis está puesto en su diversidad más que en una unidad formal o temática, pero a pesar de esta consideración, existen muchas conexiones de diferentes tipos que unen los trabajos expuestos, creando códigos que resuenan a lo largo de toda la exposición. Cada obra se convierte en una huella de la travesía elegida de entre las múltiples posibles.

https://i0.wp.com/www.metalocus.es/content/es/system/files/file-images/ml_Jose%20Manuel%20Ballester_Bosques%20de%20Luz_28_1080.jpgPuente de Dujiangyan, 2011. Fotografía sobre papel Kodak rc brillo. 180 x 270 cm

La fotografía es un medio capaz de transformar inmediatamente el acto de ver en una imagen de lo que vemos, y en el arte contemporáneo, la fotografía se ha convertido en algo menos pragmático técnicamente y más creativo poéticamente. A través de la particular visión del artista, se nos ofrece una pluralidad de miradas que nos invitan a reflexionar sobre nuestra realidad, estimuladas por unas obras que remiten tanto a las huellas del pasado como a diversos aspectos culturales, sociales y económicos de nuestra actualidad.

Ballester posee una capacidad analítica y descriptiva que convierte en únicas las fotografías que produce y que nos inducen a entrar en un mundo propio que oscila entre la ficción y la realidad. Las obras seleccionadas proponen a su vez rehacer la experiencia de una cierta manera de ver, introduciendo al espectador cada vez en un nuevo universo que no es ni la realidad ni una ficción, sino la realidad de una visión. En algunos casos el fotógrafo se convierte en un escenógrafo, construyendo una realidad que hace dudar al espectador sobre si es realidad lo fotografiado o es ficción.

https://i0.wp.com/www.metalocus.es/content/es/system/files/file-images/ml_Jose%20Manuel%20Ballester_Bosques%20de%20Luz_37_1200.jpg
 Puente 1, 2008. Impresión Digital sobre papel Hahnemühle. 105,2 x 250 cm

José Manuel documenta espacios desde uno o diversos ángulos, y a través de sus fotografías nos aproxima a la manera en que la memoria y el conocimiento influyen sobre el espacio y la apreciación que de él realiza el espectador. Sus imágenes, definidas por el motivo y no por el momento, se acercan mucho a la pintura.

La fotografía y la arquitectura son dos formas de expresión estética que buscan motivar la percepción de quienes las contemplan.Las obras seleccionadas para esta exposición demuestran que la arquitectura, como cualquier documento, basa su significado tanto en su autor como en sus traductores, en este caso el fotógrafo. Ballester busca el equilibrio entre las diferencias; entre lo conocido y lo desconocido, lo acotado y lo ilimitado, reflexionando siempre sobre la representación de lo real. A José Manuel Ballester le interesan los espacios de fricción entre la arquitectura y la ciudad, entre la pintura y la fotografía, entre lo «artificial» y lo «natural»; es ahí donde se generan muchos de sus trabajos fotográficos. Su obra es a menudo el reflejo de la complejidad de la experiencia urbana que se mueve entre la globalización y la individualidad. Sus imágenes captan la esencia de la ciudad, su espacio, su tiempo.

https://i0.wp.com/www.metalocus.es/content/es/system/files/file-images/ml_Jose%20Manuel%20Ballester_Bosques%20de%20Luz_05_1200.jpg
   Vestíbulo Principal 2 Rijksmuseum, 2005. Fotografía/papel Kodak Profesional Endura. 178,8 x 291,9 cm 

A lo largo de toda su trayectoria, José Manuel Ballester nos habla de algo que va más allá de las estructuras representadas en sus fotografías; habla de modernidad, de memoria, del pasado, del presente y del futuro. Su trabajo es metafórico, poético y visionario; sus imágenes son enigmáticas y bellas, abiertas e impenetrables.
El Ministerio de Educación, Cultural y Deporte concedióa José Manuel Ballester el Premio Nacional de Fotografía en 2010.

Fuentes: Acción Cultural Española, Pag. web del artista.

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