Bajo el marco del Festival Cultural de Madrid “Veranos de la Villa”, la Fundación Carlos de Amberes presenta una gran muestra sobre el arte contemporáneo del Perú que reúne las ultima vanguardias de creadores testimonio de la modernidad e innovación artística de este país.
La exposicion, titulada “12+10. ARTE CONTEMPORÁNEO DEL PERÚ” nos trae la obra de 12 artistas contemporáneos peruanos de reconocida trayectoria y éxito internacional, Sandra Gamarra, Fernando Bryce, Jimena Kato, Aldo Chaparro, Sergio Zevallos, Daniela Ortiz, Miguel Aguirre, Jorge Cabieses, José Vera Matos, María María Acha-Kutscher, Daniel Jacoby y Andrea Cánepa, representados por diez de las más prestigiosas galerías españolas.
Esta magnífica exposición esta comisariada por Claudia Arbulú, cuya nota curatorial manifiesta contextos históricos de la rica cultura popular del Perú y en su efecto de América latina, por ende, el punto de partida de un viaje en el tiempo visto a través del cristal de la modernidad y de lo contemporáneo.
Además de la amplia variedad de soportes, medios y materiales, y la infinidad de lenguajes que refuerzan la noción de la riqueza cultural de estos artistas multidisciplinares, está la investigación donde la documentación es una actividad cotidiana que permite indagar más profundamente en las inquietudes y las intenciones reflexivas del artista proyectada al público espectador e interactuar con su lectura convirtiendo al espectador en observador, en participante activo del proceso mental que estas creaciones de lo sensible motivan y exigen al mismo tiempo.
Las imágenes de archivo, las investigaciones sobre la discriminación de género, la lucha política y social, que se expresan claramente en la parcela del arte de acción, reflexionan sobre la construcción cultural de la feminidad y la participación de las mujeres y también los hombres en los conflictos globales. La tensión entre lo “civilizado” y lo “salvaje”, entre cultura “oficial” y cultura popular, entre lo occidental y lo indígena, hace de esta exposición una joya que dispara el pensamiento y la reflexión sobre el otro y su otra realidad.
El potencial conceptual de las obras propuestas, la apropiación de materiales no artísticos, la reflexión sobre los mecanismos del arte y como estos se vislumbran en los diferentes espacios culturales y en la hibridación de dos culturas con una historia en común, son motores de reflexión madura sobre la realidad que nos aconteció, la que nos acontece y la que podría acontecernos. La activación y desactivación de mecanismos tradicionales en obras tan contundentes y elocuentes como las que se presentan para esta exposición, generan sin duda un espacio intermedio entre los hemisferios que a pesar de la distancia física se encuentran en el mismo punto de reflexión artística y de disfrute estético, ofreciendo un diálogo vivo entre los artistas y visitantes, reactivando los debates sobre los conceptos relacionados con el arte.
Esta magnífica exposición de creadores contemporáneos peruanos que viene de la mano del Festival del verano de la villa, de la Fundación Carlos de Amberes y la embajada del Perú se podrá disfrutar hasta el 6 de agosto.
Cada dos años desde 1895, el mundo del arte internacional se reúne en la vista previa de la Bienal de Venecia para celebrar unos de los eventos más importantes y esperados del ARTE con mayúscula.
Cada edición de la Bienal es más grande que la anterior: más arte para ver, más eventos imperdibles, colas más largas por todas partes, y donde todos, de alguna forma queremos ser partícipes.
La Bienal de Venecia es al arte lo que el Festival de Bayreuth a la ópera: un componente innegable en el panorama cultural, es como tratar de escuchar en una sola vez, las 17 horas enteras de “El anillo del Nibelungo” de Richard Wagner, pero el disfrute es tanto que no morirás en el intento; es el mismo sentimiento para la Bienal, recorres una sala tras otra, un pabellón tras otro hasta que las instalaciones de arte y los videos conceptuales empiezan a tener el mismo aspecto y tus pies no pueden más pero sigues; hay tanto que ver.
Vuelve la fiesta del arte contemporáneo
Tras la cancelación en 2020 de la bienal debido al Covid- 19, vuelve la gran muestra del arte contemporáneo, todo lo que se ve en la Bienal de Venecia representa lo que está sucediendo en el mundo del arte en estos momentos. Arte nuevo y reciente creado por artistas emergentes y establecidos de toda la geografía mundial. Considerada también la exposición más importante del mundo por su interesante mezcla ecléctica. Presentes en los pabellones de La Giardini, La Arsenale y alrededor de toda Venecia obras de 213 artistas de 58 países, con 1.433 piezas expuestas, bajo el lema La leche de los sueños inspirado en un libro de cuentos de Leonora Carrington y con la designación, por vez primera de una mujer, la italiana Cecilia Alemani como comisaria.
Roberto Cicutto, Presidente de La Bienal de Venecia y la comisaria Cecilia Alemani (fotografía cortesía de La Biennale di Venezia)
Este año la Bienal de Venecia es una oda a la mujer … soñar, crear, cuidar, reivindicar
Tanto la selección artística como curatorial está compuesta por un gran porcentaje de mujeres.
Cecilia Alemani es la primera curadora italiana en ser nombrada para este cargo. Actualmente es directora artística de High Line Art y anteriormente fue curadora del Pabellón de Italia en la Bienal de Arte de 2017 ; eligió para La BiennaleArt 2022 el título del libro “La leche de los sueños” escrito por otra mujer: la artista surrealista Leonora Carrington que lo escribió para leérselo a sus hijos antes de dormir y que describe un mundo mágico en el que la vida se reinventa constantemente a través del prisma de la imaginación y en el que uno puede cambiar, transformarse y volverse en otro de uno mismo. La Exposición propone un viaje imaginativo a través de las metamorfosis de los cuerpos y las definiciones del ser humano ” Con este libro, Alemani ha querido oponerse «al ideal universal del hombre blanco» como «centro inmutable del universo y medida para todas las cosas».
De la exposición central de la bienal «La leche de los sueños» de Leonora Carrington
La exposición principal, lleva el mismo titulo ‘The Milk of Dreams’, tiene sitio en el Pabellón Central de la Giardini y en la Corderie, Artiglierie y los espacios al aire libre de Gaggiandre y Giardino delle Vergini en el complejo Arsenale. La exposición presenta obras contemporáneas y nuevos proyectos concebidos específicamente para la Bienal de Arte, presentados en diálogo con obras históricas del siglo XIX en adelante. Entre las obras seleccionadas de artistas fallecidos, están las españolas Maruja Mallo (1902-1995) y Remedios Varo (1908-1963), ambas pintoras surrealistas, la dibujante Josefa Tolrá (1880-1959), además de la británica nacida en Las Palmas de Gran Canaria Georgiana Houghton (1814-1884).
Exposición central de la Bienal, Obras e instalaciones de «La leche de los sueños»Exposición central de la Bienal, «La capsula del tiempo» de La leche de los sueños Exposición «Capsula del tiempo» Obras de Maruja MalloRemedios Varo, «Simpatía (La rabia del gato)», 1955Exposición «Capsula del tiempo» Obras de Paula Rego
En contraste con estos escenarios hipertecnológicos, las pinturas y ensamblajes de Paula Rego y Cecilia Vicuña visualizan nuevas formas de simbiosis entre animales y seres humanos, mientras otros artistas combinan enfoques políticos y sociales con una investigación de las tradiciones locales o imaginan nuevas y complejas relaciones con el planeta y la naturaleza, sugiriendo formas sin precedentes de convivir con otras especies y con el medio ambiente.
Sala dedicada a Cecilia VicuñaExposición de Cecilia Vicuña
La guerra presente
En medio de una pandemia y una guerra, la Bienal de Venecia también tiene en esta edición espacio para la política, especialmente para el arte político. La guerra ocupa un lugar importante en Venecia: se ha organizado una exposición al aire libre, bautizada como Piazza Ucraina, a cargo de los comisarios del pabellón del país
Instalación concebida por los curadores del Pabellón de Ucrania Borys Filonenko, Lizaveta German, Maria Lanko.y diseñada por la arquitecta ucraniana Dana Kosmina. La escultura exterior «La fuente del agotamiento» es del artista Pavlo Makov
Los Leones de Oro a la Trayectoria
La artista alemana Katharina Fritsch y la artista chilena Cecilia Vicuña son las ganadoras del León de Oro a la trayectoria
Las artistas, Cecilia Vicuña y Katharina Fritsch recibiendo el León de Oro a la trayectoria
Por primera vez en sus 127 años de historia, los premios máximos fueron para dos mujeres negras, La estadounidense Simone Leigh obtuvo el León de Oro por sus grandes instalaciones de esfinges y figuras africanas en el pabellón estadounidense y la artista afrocaribeña británica Sonia Boyce a la mejor participante en el pabellón de Gran Bretaña. La artista Ali Cherri fue galardonado con el León de Plata, como joven valor de las artes visuales.
La artista estadounidense Simone Leigh y la afrocaribeña británica Sonia Boyce.
Las menciones especiales individuales fueron para Shuvinai Ashoona y Lynn Hershman Leeson, y las colectivas para los pabellones de Francia y Uganda. Esta edición es La Bienal más inclusiva por dedicar sus salas y pabellones a la diversidad cultural y la reivindicación del papel que juega la mujer.
El Pabellón de EEUU llama la atención, una choza africana gigante que alberga esculturas de bronce monumentales.
Estados Unidos, representado por la gran escultora Simone Leigh que explora las historias coloniales y las promesas del feminismo negro. Sus obras escultóricas a gran escala unen formas derivadas de la arquitectura vernácula y el cuerpo femenino, plasmándolas a través de materiales y procesos asociados con las tradiciones artísticas de África y la diáspora africana. La exposición esta curada por Eva Respini, Institute of Contemporary Art/Boston.
Pabellón de Brasil: El artista Jonathas de Andrade creó una instalación inmersiva sobre el cuerpo en relación con expresiones idiomáticas populares que hablan de las debilidades, virtudes, actitudes y fracasos personales y colectivos del pueblo brasileño.
Dos enormes orejas colocadas a la entrada y a la salida del pabellón aluden a la expresión popular «por un oído me entra y por el otro me sale», permitiendo a los visitantes entrar «por un oído y salir por el otro». Traspasando cualquiera de las orejas y una vez que en el interior, se proyecta un vídeo en el que se intercalan rítmicamente primeros planos de manos y pies de personas con tomas de la agitación social actual en Brasil bajo en mandato de Bolsonaro. Considerado uno de los artistas brasileños más representativos de su generación, Jonathas de Andrade concibió el proyecto por invitación de Jacopo Crivelli Visconti, quien fue designado por la Fundação Bienal como curador de la representación.
Gran Bretaña, “Una cacofonía gloriosa de voces femeninas negras” representada por Sonia Dawn Boyce, una artista afrocaribeña británica (como ella gusta definirse); ya que los trabajos de artistas negras siempre han brillado por su ausencia en Venecia, El Reino Unido da presencia y sobretodo de la música con un despliegue de imágenes full-colors y audios de voces femeninas .
Pabellón de Gran Bretaña
Pabellón de Australia: Desastres. Uno de los artistas australianos más influyentes, Marco Fusinato explora la frontera entre el arte, la composición musical y la interpretación, investigando la dimensión de la experimentación sonido conectado a la investigación visual. Interesado al rozamiento producido por tensiones entre fuerzas opuestas – ruido y silencio, orden y desorden, pureza y contaminación – Fusinato implementa una experiencia visceral que coloca al público en el centro de la obra, actuando en vivo en el Pabellón con una guitarra eléctrica utilizada como generador de señal, en una escalada de saturación sonido y abundancia de imágenes.. Comisariada por la curadora Alexie Glass-Kantor.
Pabellón de Australia
Pabellon de España. Ignasi Aballí es el autor del proyecto ‘Corrección’, curada por Beatriz Espejo, siguiendo la estela de otros trabajos anteriores en los que el artista construye de manera sutil un proceso de cuestionamiento del espacio de exposición, sea pintando de diferentes blancos las paredes de un museo o trazando paredes imaginarias para dividir espacios a priori indivisibles.
El proyecto de Ignasi Aballí para la Bienal de Arte de Venecia busca corregir dos realidades: la espacial y la temporal. De la primera se encarga en el Pabellón de España, donde propone una nueva arquitectura; un desdoblamiento del espacio actual girado diez grados para subsanar su desviación respecto a sus vecinos de Bélgica y Holanda. Aquí comienza también la segunda, con la entrega —como a los tripulantes de La caza del Snark— de «un mapa perfecto en blanco totalmente», en el que Aballí ha representado a Venecia como un lugar vacío, desprovisto de calles y construcciones, con solo seis ignotos puntos.
El pabellón kosovar, el joven país cuya muestra se titula La monumentalidad del día a día, donde el artista Jakup Ferri hace presente el tejido en todas sus dimensiones, para entrelazar, coser, bordar, establecer conexiones esférica en una exposición monumental que cubre por completo una plataforma inclinada como si de un skate park se tratara, intercalando tapicería-pared, alfombra-suelo como metáfora de vínculos que los curadores Alisa Gojani-Berisha y Inke Arns quieren representar.
Las obras se inspiran en dibujos infantiles, arte popular y Outsider Art. Las pinturas y los bordados se basan en los dibujos ligeramente surrealistas del artista que representan escenas cotidianas con animales, niños, acróbatas y arquitectura utópica.
Por su parte, las alfombras tejidas a mano con motivos geométricos se basan en los diseños del avatar del hijo del artista para el video juego Animal Crossing. Ferri, que para sus obras textiles colabora con mujeres de Albania, Kosovo, Burkina Faso y Surinam, considera la fabricación de alfombras y el bordado como una técnica de coherencia y construcción de comunidades del resurgido Kosovo
El pabellón de Francia representada por la artista Zineb Sedira quien recibió una mención especial en la Exposición Internacional del Arte – La Bienal de Venecia por su proyecto Los sueños no tienen título. Con esta instalación cinematográfica gestionad por el Instituto Francés, Zineb Sedira abisma la historia del cine a través de diversas estrategias que le permiten tejer su propia ficción-realidad, y testimonia el relato. de su vida, su familia y su comunidad, una historia que enriquece los debates actuales sobre migración y solidaridad al tiempo que cuestiona la vulnerabilidad y la resiliencia, la intimidad y la memoria colectiva.
Con los curadores Yasmina Reggad, Sam Bardaouil y Till Fellrath, Zineb Sedira transforman el Pabellón Francés en una instalación cinematográfica profundamente humanista donde la película Los sueños no tienen título estimula los sentidos y la reconforta la vez. Utiliza la narrativa autobiográfica, la ficción y el documental para resaltar solidaridades internacionales, pasadas y presentes, vinculadas a luchas de liberación históricas. Su enfoque sirve también como advertencia contra el fracaso de una promesa de emancipación que, para muchos individuos, sigue siendo un sueño incumplido, incluso inaccesible.
Pabellón de Alemania. Presenta “Reubicación de una estructura” por la artista Maria Eichhorn que ha arrancado parte de las paredes y un gran trozo del suelo y excavado, exhibiendo lis cimientos de rocas y ladrillos, cemento y roca construidos en la primera década del siglo XX para crear el pabellón del Reino de Baviera, construido en 1909, pasó a llamarse Pabellón Alemán en 1912 y fue rediseñado en 1938 para reflejar la estética fascista. Una nueva fachada, extensiones traseras y un techo elevado contribuyeron a la apariencia intimidante del Pabellón. A pesar de las modificaciones de la posguerra, el edificio aún encarna el lenguaje formal del fascismo.
Maria Eichhorn y la curadora de la muestra Yilmaz Dziewior descubren rastros del pabellón original, escondidos detrás de su rediseño de 1938. El proyecto también incluye recorridos por la ciudad a lugares de memoria y resistencia realizados por Giulio Bobbo y Luisella Romeo y desarrollados con el Istituto Veneziano per la Storia della Resistenza e della Società Contemporanea (IVESER), actuaciones de Nkisi y Jan St. Werner, y un catálogo . En los años 30, los nazis erigieron una ampliación de la imponente arquitectura que aún se mantiene en pie.
Pabellón de Venezuela. “Tierra, País, Casa, Cuerpo». La exposición, integrada por los artistas Palmira Correa, Mila Quast, César Várquez y Jorge Recio propone la comprensión del cuerpo como una presencia que participa transversalmente en cuatro niveles: como metáfora y vida, desde la dimensión ecológica de la tierra, mediadora entre humanos y el macrocosmos El cuerpo social en su acción política como país, ese espacio-tiempo de la geografía humana en el que se priva a la comunidad, a la conciencia histórica, a los valores de la independencia. El cuerpo, que es uno con la casa, proyección de su ser que reproduce las funciones biológicas y los delicados comportamientos de nuestra psique. Finalmente, el cuerpo como microcosmos, actor de la vida, a veces con su saldo de heridas que el humano sabiamente logrará redimir.
La muestra está curado por Zacarías García y comisionado por Paola Claudia Posani, de cuyo trabajo es demostrar no sólo una realidad del mundo actual, sino la capacidad de resiliencia del ser humano, de imponerse creativamente ante lo sobrevenido.
Pabellón de Venezuela. “Tierra, País, Casa, Cuerpo
Pabellón de Polonia. El proyecto de Małgorzata Mirga-Tas está inspirado en el renacentista Palazzo Schifanoia en Ferrara; expande la iconosfera europea y la historia del arte con representaciones de la cultura gitana, que a menudo se pasa por alto. El interior del pabellón polaco consta de una instalación: doce paneles cubiertos con representaciones de los doce meses del año en textiles de gran formato, que se inspiran en los frescos astrológicos renacentistas del Palacio Schifanoia. Los símbolos del palacio, incluidos los signos del zodíaco, el sistema de decanato, los ciclos temporales y la migración de imágenes a través del tiempo y los continentes, se erige como puntos de referencia visuales e ideológicos, que el artista inscribe en una identidad polaco-romana y la lengua vernácula. experiencia histórica, construyendo la iconografía afirmativa de la mayor minoría europea. Comisariado por los curadores Wojciech Szymański y Joanna Warsza.
Pabellón de Corea. En los ciclos infinitos de creación y extinción, gira y desciende ; este tema impregna todo, desde la energía hasta la materia, la vida y el universo: los ciclos son ubicuos y siempre presentes. La exposición Gyre explora el mundo como un laberinto, donde hay movimiento en la quietud y quietud en movimiento, abarcando objetos no humanos y la realidad material. Basado en la investigación transdisciplinaria del artista Yunchul Kim en literatura, mitología, filosofía y ciencia, crea un universo dentro del Pabellón de Corea, donde sus instalaciones patafísicas se metamorfosean continuamente y se ven afectadas por eventos cósmicos, atmósfera, luz y naturaleza. Comisariado por el curador Youngchul Lee.
Pabellón de Mexico. La exposición Hasta que los cantos broten explora los modos en que Mariana Castillo Deball, Naomi Rincón Gallardo, Fernando Palma Rodríguez y Santiago Borja Charles abordan saberes que no han sido totalmente colonizados por la episteme moderna, existentes en resistencia y actualizándose para afirmar opuestos y alternos. modos de vida a un principio antropocéntrico de progreso. Las obras exploran transacciones entre culturas y formas de conocimiento que desobedecen la musealización exotista de prácticas disidentes. Al imaginar futuros decoloniales que pueden librarnos de realidades de opresión que someten a diversas formas de vida humanas, no humanas y más que humanas en la actualidad, Hasta que los cantos broten (Hasta que las canciones broten) propone metodologías alternativas para desbloquear nuevas realidades especulativas. Comisariado por los curadores Catalina Lozano and Mauricio Marcin.
El Pabellón de Nueva Zelanda. Campamento paraíso. El artista interdisciplinario Yuki Kihara presenta una exhibición grupal, Paradise Camp , desde la perspectiva única de Fa’afafine : “a la manera de una mujer” o tercer género en Samoa. Concebido hace ocho años, Paradise Camp comprende un conjunto de doce fotografías de cuadros en colores saturados que reciclan pinturas de Paul Gauguin; una serie de «programas de entrevistas» episódicos de cinco partes en la que un grupo de Fa’afafine comenta ingeniosamente sobre pinturas seleccionadas de Gauguin y el archivo de investigación personal de Kihara. Las audaces recreaciones de Kihara abordan la interseccionalidad entre la descolonización, la política de identidad y la crisis climática desde una perspectiva incondicional de Pasifika, contando su historia desde el Pacífico. Curadora de la exposición Natalie King.
Pabellón de Perú. Exposición La paz es una promesa corrosiva. Artista Herbert Rodríguez. Curadores Jorge Villacorta, Viola Varotto. Herbert Rodríguez abandonó sus estudios en la Escuela de Arte de la Universidad Católica del Perú en 1981, justo cuando la agitación amanecía en el país. Perú quedó atrapado en una espiral de violencia, cuando el grupo armado subversivo Sendero Luminoso (Sendero Luminoso), un movimiento maoísta-Pol Pot, declaró la guerra al estado. Se produjo un baño de sangre a través de los enfrentamientos entre Sendero Luminoso y las fuerzas armadas en los Andes y parches de la selva amazónica. Lima sufrió ataques terroristas. Rodríguez adoptó una postura crítica en su arte, defendiendo los derechos humanos y defendiendo el anarquismo de los subterráneos (escena underground creada por hombres y mujeres jóvenes) en Lima. En 1989, sin embargo, confrontó directamente a Sendero Luminoso en un terreno simbólico con su Arte-Vidaproyecto en la Universidad de San Marcos: el campus se convirtió en un teatro cultural de guerra. La exposición comprende los restos de su obra de arte de la época.
Pabellón de Suiza. La exposición El concierto presentada por la artista Latifa Echakhch crea una experiencia de viaje en el tiempo orquestada. Un entorno rítmico y espacial que permite una percepción del tiempo y del propio cuerpo en sentido contrario a las agujas del reloj, explorando simultáneamente la continuidad, los movimientos y las secuencias. Esculturas efímeras inspiradas en la estatuaria popular emergen de la iluminación orquestada capturando los ritmos compuestos por el percusionista Alexandre Babel. Puedes ver la música, pero no puedes oírla. El artista se inspira en el vocabulario de las construcciones de carros efímeros, abordando inquietudes y disputas, sueños y utopías, jugando con armonías y disonancias, con sentimientos encontrados de expectativa, realización, destrucción y recuerdos. Comisariado por los curadores Alexandre Babel, Francesco Stocchi.
Pabellón de Serbia. Exposición Caminando con Agua, artista Vladimir Nikolić, comisariado por Biljana Ćirić. Entras en un espacio que es una ficción. Una abstracción de tiempo y espacio. Es pura pintura modernista a través de la cual el artista devuelve la realidad al cuadro. Entras en una relación mediada por la tecnología que el artista invierte. La presentación subraya las relaciones con la tecnología y la naturaleza, en este caso el agua como parte de nuestro cuerpo, pero también el agua como nuestro punto de conexión y no como una separación. En estas aguas nada el artista a la espera de que surja la imagen perfecta. La exposición presenta la exploración de Vladimir Nikolic en los últimos tres años, entrelazando lo personal e íntimo con las ansiedades políticas de futuros inciertos si no aprendemos a ser un tipo diferente de ser humano.
Pabellón de Bolivia. Exposición Wara Wara Jwira por el colectivo de artistas Warmichacha. Para Walter Benjamin, el aura de la obra de arte estaba destinada a desaparecer por su reproductibilidad, primero con la fotografía, luego con el collage y finalmente con el cine. Entonces, ¿qué hace que una obra de arte no se repita y se mate? Wara Wara Jawira (Río de estrellas) representa una parte del cosmos, no como una obra de arte, sino como una lectura que busca incorporar diferentes puntos de vista transdisciplinarios en lugar de impresionar con una sola verdad, para evocar las íntimas sensaciones de confort y la domesticidad boliviana en lugar de asombro y asombro. Curadores: Roberto Aguilar Quisbert y Judith Cuba.
Participación de los artistas del colectivo Warmichacha: Roberto Mamani. Leo Calisaya, Johnny Aduviri, Santiago Romero, Josué Caleb Rodríguez, Joaquín Salvador Saavedra, Claudio Fabián Vargas, Fátima Gloria Choque, Krystel Adeline Jiménez, Luis Oscar Jiménez, Samuel Martínez, Iris Kiya, Juan Pablo Villalobos, Jasmany Eddy Vásquez, Andrés Armin Kuljis, Gabriela Lugones, Guto Ajayu, Javier Sebastián, Abecia Achá, David Fernando Portillo, Adriana Aneiva, Juan Carlos Usnayo, Jessica Violeta Vásquez, José Luis Saenz, Lenard Gery López, Solandré Vásquez y Belén Crespo.
Pabellón de Austria. Exposición “Invitation of the Soft Machine and Her Angry Body Parts” por los artistas Jakob Lena Knebl y Ashley Hans Scheirl. Presentan instalaciones escénicas en las que despliegan todo su cosmos artístico: desde pinturas, esculturas, trabajos textiles, fotografías, texto y video hasta una colección de moda y una publicación en forma de revista. Los artistas se centran en la situación de la arquitectura simétrica del Pabellón de Austria, que a la vez está dividida y conectada por una columna. Los dos espacios llevan cada uno la marca de uno de los dos artistas. Mientras se distinguen las dos posiciones distintas, esto además permite que permanezcan en dialogo entre sí para enfatizar la dualidad de los artistas en los puntos apropiados. Varios materiales, modos de operación, símbolos y formas parecen oscilar entre las dos presentaciones, duplicadas y reflejadas y traducidas a la práctica artística preferida en cada caso.
Pabellón de Argentina. Exposición La importancia del origen será importada por el origen de la sustancia por la artista Mónica Heller y curador de la muestra Alejo Ponce de León. Mónica Heller construye un escenario envolvente, inspirado tanto en el diseño arquitectónico multisensorial de los bingos de los suburbios argentinos como en los universos surrealistas de la pintura y la poesía de entreguerras. Pantallas y proyecciones albergan diferentes personajes que habitan un mundo oscilante: seres que se construyen, deconstruyen y reconstruyen en bucles temporales tan breves como infinitos. Cada pantalla encierra un retrato animado y en cada una, a través del humor absurdo, el lirismo áspero y el estado de ánimo metafísico de la representación 3D, se desarrolla una serie de eventos en los que los metabolismos transponibles e inquietos se reorganizan constantemente en una amplia gama de posibilidades inexplicables.
ARTISTAS INVITADOS
Os presentamos algunos proyectos de artistas seleccionados para la Exposición internacional La leche de los sueños que tiene lugar en el Pabellón Central (Giardini) y en el Arsenale, incluidos 213 artistas de 58 países.
TETSUMI KUDO, artista japonés (1935 – 1990), fue parte de una generación de artistas japoneses muy escéptico de la sociedad tradicional a raíz de los acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial. Una figura esencial en el desarrollo del «Anti-Arte» en Tokio en la década de 1950, Kudo participó regularmente en la Exposición Independiente Yomiuri, el lugar más importante de Japón para el arte contemporáneo, mostrando obras que criticaban duramente el consumismo desenfrenado y la ortodoxia política de la posguerra japonesa. Después de mudarse a París en 1962, Kudo comenzó a crear obras guiado por su sentimiento de una «Nueva Ecología» donde el ser humano, la naturaleza y la tecnología estaban entrelazados. Los valores éticos eran tan intercambiables como las mercancías. Esta idea es evidente en Your Portrait (1966), donde se coloca un ojo humano en el interior de una caja perforada. Cultivation (1972) presenta un jardín de cactus irónicamente aprisionados en una jaula rosada DayGlo. Kudo a menudo empleó la fluorescencia para crear un aura de asombrosa alta tecnología, como en Flores luminosas (1967-1968) o los tonos ácidos del aparato fálico representado en Pollution-cultivation-nouvelle écologie (1971). Sus visiones posnaturales capturan el desapego ambiguo de un mundo remodelado por el deseo humano.
FELIPE BAEZA Abro contra mi voluntad soñando con otros planetas estoy soñando con otras formas de ver esta vida. Estas líneas dan título a una pintura a gran escala de Felipe Baeza (Mexico – 1987), quien combina collage, técnica mixta, temple al huevo y grabado para realizar obras bidimensionales de gran textura. Los sueños de otros planetas, de otra vida surgen a través de cuerpos representados en estados de transformación, a menudo mitad humanos, mitad flora. El follaje completo brota de las cabezas humanas, alcanza los torsos y las extremidades, y se abre camino eróticamente enredaderas dentro y fuera de las bocas deseosas. El enfoque de Baeza al material se alinea con los conceptos que subrayan su trabajo. Esta intensa manipulación de materiales vuelve a caracterizar los procesos tradicionales de dibujo y pintura y, al reflejar la experiencia del artista de la migración a los Estados Unidos desde México y la migración en todo el mundo, expresa su intención de crear «cuerpos fugitivos». Descrito por el artista como cartas de amor, sus pinturas y collages son una forma de autorretrato imaginativo y construcción futura.
FICRE GHEBREYESUS (1962, Eritrea – 2012, Estados Unidos) A la vez pensativa y exuberante, las pinturas de Ficre Ghebreyesus capturan la complejidad de su infancia y vida en África Oriental en la diáspora, presentando paisajes fantásticos extraídos del anhelo de un tiempo y un lugar interrumpidos por el conflicto. Nacido en el seno de una familia cristiana copta en lo que se convertiría en la capital de Eritrea, Asmara, al comienzo de los treinta años de la Guerra de Independencia del país de Etiopía (1961-1991), Ghebreyesus se fue de casa como un adolescente refugiado para establecerse eventualmente en New Haven, Connecticut. En el gran lienzo sin estirar City with a River Running Through (2011), un paisaje urbano de las casas pintadas de estuco modernistas que se encuentran en toda Asmara construido a partir de un tablero de ajedrez de formas naranjas y melocotón que se asemejan a la cestería de bordados tradicionales de Eritrea.
BÁRBARA KRUGER (1945, Estados Unidos). El trabajo de imagen y texto de Barbara Kruger es famoso por su poder retórico y urgencia visual. En las décadas de 1960 y 1970, Kruger trabajó como diseñadora gráfica y editora de imágen para Mademoiselle , Vogue , House & Garden y Aperture donde desarrolló la sensibilidad gráfica que luego instrumentaría en su arte, empleando fotografías recortadas en blanco y negro a gran escala superpuestas con aforismos concisos escritos en Futura Bold Oblique o Helvetica Ultra Condensed y contrastados con barras rojas o negras: un diseño ahora icónico. , la nueva instalación de Kruger para The Milk of Dreams Ubicada al final del edificio Corderie incluye un componente de video de tres canales, está mapeada para ajustarse a los parámetros espaciales del sitio. Las suplicantes frases de mando de Kruger (“PLEASE CARE”, “PLEASE MOURN”) implican al espectador en una confrontación directa con la obra, utilizando el modo irónicamente incorpóreo de dirigirse que es característico de su práctica para llamar la atención sobre las vísceras y las vísceras de nuestros propios cuerpos. excremento.
GIULIA CENCI (1988, Italia). Al incorporar objetos cotidianos encontrados y elementos modelados en esculturas e instalaciones inmersivas, Giulia Cenci combina lo natural con lo sintético para explorar temas de tecnología y naturaleza. El trabajo de Cenci paraThe Milk of Dreams , titulada Dead dance (2021-2022), constituye un paseo de 150 metros por un entorno construido con restos de maquinaria agrícola industrial. Esta armadura está poblada por fragmentos de cuerpos humanos y animales, cada uno fundido en aluminio rescatado de autopartes y algunos de los cuales aparecen en múltiples iteraciones. Con esta progresión espacializada de figuras quimeras, Cenci explora las condiciones que subyacen a la producción industrial de alimentos y, a su vez, de la vida misma.
KATHARINA FRITSCH (1956, Alemania). Las esculturas realistas de Katharina Fritsch disuelven los límites entre lo ordinario y lo extraño, agitando nuestros sueños y pesadillas profundamente arraigados mientras despiertan recuerdos infantiles de cuentos religiosos, fábulas y mitos. Sus obras se presentan como proyectos públicos de gran escala y colores potentes, piezas sonoras íntimas y múltiples, a veces proyectan confianza y protección y otras amenazante. Fundido en poliéster verde oscuro a partir del molde de un elefante de peluche, Elefant / Elephant(1987) reproduce las texturas y los pliegues del cuerpo del mamífero con una exactitud sorprendente, y su tamaño, la claridad de los detalles anatómicos y el perfil de color adquieren un efecto sobrenatural, se vuelve extraño por la absorción de luz de la pintura, lo que le da a la superficie una cualidad desconcertante. Elefante / Elefantetoma los vestigios de fábulas de grandeza, intelecto, cautiverio y sociedades matriarcales: el núcleo de las estructuras familiares de elefantes. Incluso en Venecia, la iconografía de los elefantes ocupa un lugar destacado: en la década de 1890, justo antes del comienzo de la historia de la Bienal, un elefante llamado «Toni» vivía en los terrenos del parque y era conocido como «el prisionero de los Giardini».
PRECIOSO OKOYOMON (1993, Reino Unido). Poeta, artista y chef, escenifica topografías escultóricas compuestas de materiales vivos, en crecimiento, en descomposición y moribundos, que incluyen rocas, agua, flores silvestres, caracoles y enredaderas. Para Okoyomon, la naturaleza es inseparable de las marcas históricas de colonización y esclavitud. En su trabajo, plantas como el kudzu, una enredadera originaria de Asia que el gobierno de los EE. UU. introdujo por primera vez en las granjas de Mississippi en 1876 como un medio para fortalecer la erosión del suelo local, que había sido degradado por el cultivo excesivo de algodón, y luego se convirtió en un invasivo incontrolable, convertido en metáforas del enredo de la esclavitud, la racialización y la diáspora con la naturaleza, pero también de capacidad de cambio y revitalización. Su trabajo para The Milk of Dreams titulado To See the Earth before the End of the World (2022), es referencia de un poema de Ed Roberson, las esculturas de Okoyomon se ubican en un campo de crecimiento salvaje; red de ríos y caña de azúcar, lo que cultivaba su abuela en su huerto cuando Okoyomon vivía en Nigeria. La caña de azúcar es una planta cuya esencia misma está saturada de las circunstancias económicas e históricas de la trata transatlántica de esclavos. Siguiendo la obra Monsieur Toussaint de Édouard Glissant, cuya Martinica natal fue una vez uno de los mayores productores de azúcar del mundo, la instalación de Okoyomon intenta invocar una política de revuelta y revolución ecológica.
The Milk of Dreams – Curated by Cecilia Alemani
Exposición internacional “La leche de los sueños” – Curadora: Cecilia Alemani – Artistas invitados.
Dentro de la 59º Muestra Internacional de La Bienal de Venecia esta la Exposición especial de proyectos de artistas invitados y que se puede visitar en los pabellones centrales de La Giardini y El Arsenale.
La Fundación DEARTE acaba de inaugurar una nueva muestra de pintura en el Palacio Ducal de Medinaceli. La exposición VICAM, una serie de obras del joven artista del grafiti andino Guto Ajayu que relata las épicas antiguas de la Península Ibérica, y podrá ser visitada en la Sala Malvasía de la pinacoteca ocelitana hasta el próximo 28 de abril.
La quimera de ser tu amigo Técnica mixta sobre cartón 44 x 104 cm
VINCAM (Venceré en latín) es un magnífico proyecto expositivo de arte urbano/grafiti callejero que nos relata las épicas antiguas de la península ibérica desde las primeras pinturas paleolíticas pasando por las diferentes culturas que se establecieron en la península ibérica (los Tartessos y las sucesivas civilizaciones posteriores, celtibera, romana, musulmana); Guto Ajayu rastrea ese mapa de las confluencias de culturas y civilizaciones que afectaron y enriquecieron nuestra cultura culminando el relato en la Villa de Medinaceli como escenario significativo y estratégico de la geografía medieval que en los inicios de la historia se sucedieron enfrentamientos, guerras y conquistas pero también se generó la coexistencia y la fusión de costumbres, lenguas, religiones y manifestaciones artísticas dando lugar a una nueva identidad cultural.
El artista Guto Ajayu en el centro, acompañado de Judith Cuba comisaria de la exposición y Miguel Tugores Director de la Fundación DEARTE
La muestra fue presentada por Miquel Tugores, director de la Fundación DEARTE Medinceli y por la comisaria de la exposición Judith Cuba y posteriormente tomo la palabra el artista Guto Ajayu quien explicó la lectura histórica que nos ofrece las 25 obras que componen la exposición.
De pastor a guerrero: la historia de los Tartessos Técnica mixta sobre cartón 100 x 80
El arte de Guto Ajayu se identifica con sus raíces precolombinas, en su obra conviven de manera simultánea todos los componentes del Pop Art y el Urban Art con la estética precolombina.
En la actualidad, Ajayu reside en Madrid donde desarrolla sus proyectos artísticos y continua con su recorrido internacional, que a pesar de su juventud posee una trayectoria larga e intensa con exposiciones en América, Asia y Europa, asimismo cuenta en su haber con premios y reconocimiento en su país Bolivia como en el Reino Unido y Francia, y próximamente viajará a Italia donde participará en la Bienal de Venecia representando a su país.
La exposición se puede visitar del 3 al 28 de abril en el Palacio Ducal de Medinaceli sede de la Fundación DEARTE.
Merece la pena la visita, tanto la exposición como el pueblo y el museo de la Fundación se convierte en una bonita y atractiva excursión cultural para estas fiestas o fin de semana.
Plaza Mayor, 4 Medinaceli – Soria.
Abierto de miércoles a domingo, de 10:00h. a 20:00h.
El museo Guggenheim de Bilbao acoge en estos momentos una de las exposiciones más importantes de los últimos años, una muestra de la artista neoyorkina Alice Neel (1900 – 1984) de más de 100 pinturas, dibujos y acuarelas compuesta por retratos trascendentales, paisajes urbanos, naturalezas muertas e interiores; una gran selección de obras considerada como lo mejor de su trabajo que destaca por el uso expresionista de la línea y el color, su intensidad emocional y profundidad psicológica.
«Nancy y Olivia» – 1967
Elegida la mejor exposición de 2021 en Nueva York por la prestigiosa revista Vulture tras su paso por la Metropolitan de Nueva York, y otros medios europeos como la revista italiana ArtsLife o la británica Apollo. Esta ambiciosa encuesta posiciona a Neel como una de los artistas más radicales del siglo, una defensora de la justicia social cuyo compromiso con los principios humanistas inspiraron totalmente su vida y su arte.
Esta retrospectiva, que abarca toda la trayectoria artística de la artista bajo el título “Las personas primero”, incluye sus retratos más impactantes, célebres hoy en día por su perspectiva psicológica.
En su gran muestra nos vamos a encontrar con cuadros de activistas que se manifiestan contra el fascismo y el racismo y que comparten espacio con otras pinturas que representa a víctimas del empobrecimiento de la Gran Depresión, así como retratos de los vecinos de Neel en Spanish Harlem, a líderes de grandes organizaciones políticas, artistas e intérpretes queer y miembros y diásporas de la comunidad mundial de Nueva York.
La exposición también destaca por sus acuarelas y pasteles eróticos de su etapa más temprana, en la década de 1930, representaciones de madres y figuras desnudas (algunas de ellas visiblemente embarazadas), todas cuyo candor e irreverencia no tienen precedentes en la historia del arte occidental.
Alice Neel con su autorretrato Alice Neel en su etapa temprana
‘Carmen y Judy’ – 1972
Neel residió durante mucho tiempo en Nueva York, y la ciudad fue su gran protagonista. De hecho, la totalidad de su trabajo atestigua el drama de sus calles, la belleza cotidiana de sus edificios y lo más importante, la diversidad, la resiliencia y la pasión de sus residentes. «Para mí, las personas son lo primero», declaró Neel en 1950. «He tratado de afirmar la dignidad y la importancia eterna del ser humano».
Georgie Arce No. 2 – 1955
“Spanish Harlem”, 1938. (Finca donde vivía Alice Neel)
“Ninth Avenue E l”, 1935 – Alice Neel
La muestra está cuidadosamente organizada, siguiendo de lo cronológico a lo temático, uniendo obras tempranas y ultimas y demostrando las fluctuaciones de Neel entre varios estilos realistas: detallado, suelto, expresionista, surrealista. Las primeras salas abarcan obras desde la década de 1930 hasta finales de 1950 mostrando lo fundamental que fue la ciudad de Nueva York en el desarrollo de su trabajo: sus edificios, sus conflictos, la gente y los vecindarios en los que vivía: Greenwich Village, el Upper West Side y especialmente el Harlem español; se mudó allí en 1938 para estar con José Santiago Negrón, el padre de Richard, su primer hijo, y se quedó hasta 1960 (José se había ido en 1940).
Luego la muestra continua con los retratos de los años sesenta y setenta, considerados por muchos como su mejor trabajo durante un tiempo mientras su fama crecía. La muestra confirma que destacó en el retrato desde el principio, por ejemplo, como en un retrato de 1962 de su primer y único marido, infundido por El Greco, Carlos Enriquez, padre de sus dos hijas, del que se separó pronto pero nunca se divorció.
Carlos Enriquez – 1926
En varios puntos, nos encontramos con obras de sus comienzos que trastocan un poco la narrativa y que nos dan pistas se cómo iba formándose su línea expresiva como los retratos de los años 50 y 60, tres retratos de 1935 y 36 («Pat Whalen», «Max White» y «Elenka») encajan perfectamente en esa línea, mostrando como iba estableciendo su madurez pictórica y expresiva.
Pat Whalen – 1935
Max White – 1961
Elenka – 1936
Esta gran muestra de arte estará hasta el 6 de febrero de 2022.
Exposición organizada por el Museo Metropolitano de Arte en asociación con el Museo Guggenheim Bilbao y los Museos de Bellas Artes de San Francisco.
Recluta negro (James Hunter)(1965). Retrato de un chico afroamericano poco antes de su partida a Vietnam: Neel dio la pintura por concluida dejándola inconclusa, dibujando el cuerpo a través de líneas abocetadas sobre el fondo blanco y pintando únicamente el rostro y una mano. Así es como la guerra se cobraba la vida de la gente. Pero, para Alice Neel, las personas eran lo primero.
El acuarelista y arquitecto francés Charles Villeneuve, está exponiendo en estos momentos en El Centro Cultural “Casa de Vacas” del Retiro. Una exposición con obras de reciente creación y muy esperada por su forma de expresar el paisaje urbano, con toda su carga de emoción estética penetrando en el espectadorel concepto de paisaje vinculado a las emociones.
La muestra ofrece una exhibición majestuosa de paisajes urbanos, de arquitecturas monumentales que se funden con la luz del horizonte captando momentos únicos de un paisaje que palpita entre veladas y difuminaciones.
Asimismo nos encontraremos con interiores de grandes arquitecturas fetiche en el que predominan formas expresivas con multiplicidad de planos, perspectivas y miradas.
Grandes y medianos formatos componen su exposición y una gran panorámica de la ciudad de Paris en la parte central de la sala principal que envuelve al espectador adentrándole en la escena de su atmosfera y juego lumínico, llevando a la máxima expresión el contraste y la fusión de tonalidades.
Vídeos, cortesía de Fernando Borlán de Art Vessel.
En la exposición también tendremos la oportunidad de apreciar sus apuntes, sus cuadernos de viaje expuestas en grandes mesas-vitrina donde el artista comparte lo que ha capturado desde su observación directa, nos relata historias de lugares donde ha estado y nos enseña un dibujo o nota de cada momento.
Vídeos, cortesía de Fernando Borlán de Art Vessel.
Villeneuve, artista francés, que actualmente reside en Madrid, es uno de los más destacados acuarelistas de la escuela francesa y uno de los mejores exponentes de esta técnica a nivel internacional. Es arquitecto, diseñador y pintor, destacando en cada uno de esos campos. Como diseñador, en 1994, cuando solo contaba 23 años obtuvo el primer premio de Diseño de L’Ecole Boulle , en París. En su profesión como arquitecto destacamos el del año 1997, que con 26 años de edad, en Paris recibe el premio Nacional de Arquitectura de L’cademie des Beaux-Arts, un galardón importantísimo en esa área; y dentro de su carrera pictórica como acuarelista lleva una trayectoria brillante con exposiciones en diferentes ciudades de Europa, en la que hay que añadir además una extensa lista de premios y reconocimientos, con obras presentes en colecciones importantes tanto privadas como institucionales. De 1999 a 2001 fue miembro de la Casa de Velázquez en Madrid, y en el año 2001 le conceden el “Premio Georges Wildenstein”, del Institut de Frace en París. En Abril de 2013 tuvo lugar su primera exposición retrospectiva, de 1988 a 2013 en La Casa de Velázquez de Madrid; un homenaje a sus primeros 25 años de carrera artística, donde compartieron espacio las obras más significativas de ese periodo con las de reciente creación, dando cuenta de sus grandes cualidades y de ese grado de experimentada madurez que tienen todas sus edades pictóricas.
Hasta el domingo 24 de octubre se puede visitar esta exposición que está teniendo un gran éxito de visitas registradas. Hasta el momento más de 65.000 visitantes han disfrutado de sus acuarelas.
En El Centro Cultural Casa de Vacas del Parque del Retiro. En horarios de 10.00 a 21.00 horas
El Paisaje de la Luz de Madrid: un paseo con 500 años de historia
Museo Nacional del Prado
La ciudad de Madrid forma parte ya de la lista de Patrimonio Mundial de la UNESCO, que recoge los sitios que tienen un valor universal excepcional.
Seguramente el Paseo del Arte sea uno de los lugares del mundo con mayor concentración de belleza, y lo componen El Paseo del Prado y el Buen Retiro, que acaba de entrar en tan privilegiado catálogo en la categoría de Paisaje de las Artes y las Ciencias. Un entorno urbano extraordinario, donde cultura, ciencia y naturaleza conviven desde mediados del siglo XVI.
Vista El Retiro
El paseo del Prado es elprimero de los paseos arbolados urbanos europeos. Los ciudadanos lo usaron desde el siglo XV como lugar de esparcimiento y Felipe II se encargó de acondicionarlo y embellecerlo con árboles y fuentes. Fue durante el periodo ilustrado, concretamente bajo el reinado de Carlos III, cuando se produjo la más importante intervención urbanística en este enclave, que se convertiría en modelo para muchas ciudades españolas y latinoamericanas.
Una característica especial y única es la incorporación de las ciencias al paisaje urbano de la zona con la creación del Gabinete y Academia de Ciencias Naturales, hoy Museo del Prado, el Real Jardín Botánico, desde donde partieron las expediciones botánicas que exploraron los territorios de ultramar y reunieron un increíble tesoro científico que se conserva en su archivo y el Real Observatorio Astronómico, situado en la llamada Colina de las Ciencias. Incorporaciones muy ligadas al espíritu pedagógico de instrucción de la ciudadanía característico de la época.
Palacio de Cristal – Parque El Retiro
Arte, política, finanzas
El Paisaje de la Luz, declarado el 25 de julio en la ciudad china de Fuzhou Patrimonio Mundial de la UNESCO, incluye el paseo del Prado entre Cibeles y la plaza del Emperador Carlos V, en Atocha, el parque de El Retiro y el barrio de los Jerónimos.
La fuente y el Palacio de Las Cibeles, sede del Ayuntamiento de Madrid
Esta zona atesora una concentración de instituciones excepcional tanto en número como en heterogeneidad. En ella se encuentran el Palacio de Cibeles, actual sede del Ayuntamiento de Madrid, el Banco de España, la Casa de América, el Cuartel General del Ejército de Tierra (Palacio de Buenavista), el Museo Thyssen-Bornemisza, el Congreso de los Diputados, los hoteles Palace y Ritz, la Bolsa, el Cuartel General de la Armada, el Museo Naval, el Museo del Prado, el Museo Nacional de Artes Decorativas, la Real Academia Española de la Lengua, la Iglesia de los Jerónimos, el Real Jardín Botánico, el Real Observatorio Astronómico, el Museo Nacional de Antropología, la sede del Ministerio de Agricultura, Pesca, Alimentación y Medio Ambiente, el Ministerio de Sanidad, Servicios Sociales e Igualdad, la Cuesta de Moyano, el CaixaForum y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, entre otros.
A ellos se suma una lista de monumentos tan conocidos como la Puerta de Alcalá, las fuentes de Cibeles, Apolo y Neptuno, la de la Alcachofa, el Obelisco a los Caídos o el monumento a Alfonso XII en el estanque de El Retiro. Incluye más de 21 bienes de interés cultural y muchos de los fondos y colecciones que contiene son de dimensión universal como la Real Academia, las obras de Goya, Velázquez, Picasso, las colecciones de láminas y archivo del Real Jardín Botánico o el telescopio Herschfeld.
Entrada del Museo Nacional del Prado – Estatua de GoyaMuseo del Prado – Sala
Un entorno rico en patrimonio histórico cultural, y es que en poco más de un kilometro seencuentran el Museo del Prado, el Thyssen-Bornemisza y el Reina Sofía (que se pueden visitar de manera conjunta comprando laTarjeta Paseo del Arte: 30,4 euros en 2021) a los que acompañan otras instituciones y edificios de obligada visita.
Museo Nacional Thyssen-BornemiszaMuseo Nacional Thyssen-Bornemisza – SalasMuseo de Arte Contemporáneo Reina SofiaMuseo de Arte Contemporáneo Reina Sofia – «El Guernica» de Picasso
España es el tercer país del mundo con mayor número de sitios catalogados como Patrimonio de la Humanidad y, por eso, desde el año 2017 es miembro del comité de Patrimonio Mundial que, como es de suponer, un privilegio y una enorme responsabilidad.
La Puerta de Acala Parque El RetiroParque El RetiroCentro Cultural Caixa ForumPaseo del PradoPaseo del Prado
Hoy 18 de Mayo, se celebra “El día internacional de los museos” para concienciar a las personas acerca de la relevancia de los museos como medio para el intercambio cultural.
El Día Internacional de los Museos es una fecha ideal no solo para visitar los museos de la localidad, sino para aprender sobre las organizaciones sin fines de lucro, que ejercen el rol de guardianes para el acervo cultural de la Humanidad.
Por eso, hoy date una oportunidad, no sólo como amante y espectador del arte; hoy puedes ser parte de ese motor que mueve el arte.
Hoy te vamos a hablar de la Fundación DEARTE Medinaceli, ejemplo de gestión cultural como estrategia de desarrollo. Su fundador es Miguel Tugores conocido galerista y mecenas, impulsor de este proyecto titánico, que contra todo pronostico y desde hace mas de 12 años viene haciendo realidad lo imposible, el de sacar adelante una institución de arte en una pequeña localidad de la provincia de Soria (a 155 kilómetros de Madrid y 170 de Zaragoza), la mas despoblada de España multiplicando el turismo cultural atraídos por sus exposiciones y festivales culturales.
La Fundación DEARTE esta ubicada en el palacio ducal de Medinaceli, en la provincia de Soria, una población con mucha historia en la que celtíberos, romanos, árabes y cristianos han dejado su huella.
Su casco histórico conserva un interesante conjunto monumental que le ha valido para ser declarada conjunto histórico-artístico, además de estar incluida en el listado de los pueblos más bonitos de España.
Medina Ocilis, que se traduce como la ciudad del cielo, era el nombre que le dieron los árabes a esta localidad por su situación en lo alto de una montaña “cerca” del cielo.
Dentro de ese hermoso enclave se encuentra La Fundación DEARTE, un proyecto cultural dedicada al desarrollo de las artes y la conservación del patrimonio cultural como recurso sostenible y dinamizador en la “España vaciada” cuya sede es el Palacio Ducal de Medinaceli y que la Fundación ha remodelado y la ha convertido en un espacio cultural.
El patio renacentista es el corazón del edificio, un escenario para diferentes disciplinas cubierta por una cúpula acristalada que permite continuar con las actividades aun en invierno. Sus diferentes salas se abren a su alrededor, pequeños mundos temáticos como un mosaico del siglo II restuaurado, con dos salas anexas que repasan el pasado del Palacio y de la Villa de Medinaceli, la llamada “ciudad del cielo”, y otras salas dedicadas a Exposiciones de arte, permanentes y temporales que desde su creación ha venido ofreciendo una labor continua en la difusión, el soporte y el apoyo a la creación artística.
Más allá de la actividad permanente, la Fundación ha ido construyendo una agenda cultural anual que comenzó con Medinaceli LÍRICO y el Concurso de canto Un Futuro DEARTE. Tras siete ediciones, este pasado 2020 han añadido festivales Medinaceli JAZZ y Medinaceli TEATRO, con la colaboración de grandes talentos de ambas disciplinas y con éxito de crítica y publico a pesar de la pandemia. Y todo ello con el apoyo de vecinos y amantes del arte, siempre dispuestos a dejar un donativo voluntario por la visita ya los que la fundación se muestra muy agradecido por su compromiso y participación activa; sin ellos ningunos de los logros conseguidos hubiese sido posible.
El futuro de la Fundación: Nuevos retos, nuevos objetivos, nuevos proyectos.
Este 2021, la Fundación apuesta por seguir creciendo en oferta. Llegarán nuevas ediciones de los festivales en marcha junto al nacimiento de los nuevos proyectos Medinaceli FLAMENCO, Medinaceli CINE y Medinaceli MÚSICA ANTIGUA. Además, la Fundación se abre camino en el mundo virtual con la plataforma Fila CERO, un espacio en el que poder disfrutar de las diferentes propuestas artísticas en cualquier momento y desde cualquier lugar. También la opción de visitar virtualmente el Palacio y sus exposiciones, siempre con la intención de hacer llegar lo más lejos posible el patrimonio medinense.
Miguel Tugores, primero a la derecha, haciendo entrega de los premios Un futuro DEARTE y Una vida DEARTE
Diversos medios de comunicación internacionales coinciden en que la pandemia ha revelado la fragilidad del sistema cultural y el futuro esta en su transformación digital. Como bien dice el presidente de la fundación Miguel Tugores que, «en tiempo de crisis el sector del arte es el más castigado, sin embargo, este año, excepcional debido a la pandemia, nuestro proyecto cobra aún más sentido si cabe, por eso apostamos por la digitalización; poder visitar virtualmente El palacio Ducal, que permita al usuario crear su propio itinerario para recorrer las diversas salas y sus contenidos además de actividades, eventos y festivales en directo.
Por ello lanza este SOS:
«Presido una fundación desde la que atraemos a este pueblo soriano, de menos de 700 habitantes, a unas 20.0000 personas al año que llegan atraídos por la cultura que encuentran en Medinaceli: Historia, Arte moderno, Ópera, Cine sobre la despoblación, Música antigua, Lírica, Flamenco, Teatro y Jazz.
Seguramente es Medinaceli quien ofrece más cultura por persona y kilómetro cuadrado en España. Y eso no se sabe.
Mientras las administraciones prometen con la boca pequeña medidas contra la despoblación que nunca llegan, Medinaceli/Soria, sigue desangrándose y esas administraciones miran para otro lado cuando la Fundación DEARTE estira la mano pidiendo financiación. Sin financiación no hay Cultura, sin Cultura no vienen espectadores y sin espectadores no conseguimos combatir la despoblación.
A 155 kilómetros de Madrid y 170 de Zaragoza, observando el horizonte que en su día también observaron los romanos que nos dejaron el único arco de tres vanos de España, solo se me ocurre lanzar este SOS esperanzado a España entera para seguir adelante con nuestros proyectos.
Una visita virtual al Palacio Ducal de Medinaceli por 5 euros solidarios de entidades y personas de la España LLENA es la mejor solución que se me ocurre en esta difícil coyuntura.
Agradezco su colaboración y expreso el deseo de que nos visite en fechas próximas y pueda disfrutar de uno de los primeros pueblos Mas bellos de España, de su gastronomía y su rica oferta cultural.
Gracias,
Miquel Tugores Rull.
Link: Dona a partir de 5 € para hacer posibles los 7 festivales de 2021:
A pesar de la pandemia, Madrid no ha dejado de dinamizar el mercado artístico español.
En Madrid siempre se puede hacer planes culturales, y entre el gran abanico cultural que ofrece la ciudad este fin de semana visitamos dos ferias de arte y una exposición.
Empezamos en ESTAMPA la feria madrileña que se celebra en IFEMA del 8 al 11 de abril, un acto de esperanza que aspira a reactivar el mercado del arte contemporáneo.
Un total de 70 galerías y más de mil artistas participan en la feria de arte ‘Estampa 2021 y donde Ifema estrena una serie de medidas contra el virus – acceso digital, ventilación continua y reducción del aforo – que bien podrían considerarse el ensayo de cara a Arco, la hermana mayor de Estampa.
En cuanto a la participación, el director del evento Chema de Francisco ha remarcado; «Todas las galerías están muy contentas de volver a arrancar el mercado del arte, que en España es fundamental para que los artistas sigan creando», y que se trata de una edición con «gran calidad de propuestas» por parte de las galerías, en la que los precios de las obras oscilan desde la más barata por 700 euros a las más caras «por cientos de miles de euros». «Llevamos muchos meses sin ferias y las galerías han redoblado sus apuestas por traer mejores piezas y seleccionar mejores artistas».
Os ofrecemos una crónica visual de nuestra visita:
LITA CABELLUT Libro de artistaTríptico impresionante de SANDRA GAMARRA. «Fátima» Oleo sobre lienzo. Medida total: 195 x 390cm.
Visita a la exposición de PABLO DRAKE en Espacio de Arte MADOSprorrogado hasta el 17 de Abril.
Nuestra siguiente visita fue toda una experiencia artística, y muy recomendada, es la exposición de Pablo Drake, artista que trabaja con materiales reciclados. Desde cartones recuperados hasta cintas adhesivas componen su lenguaje expresivo para llegar a la esencia de la figura y deshacerse de lo superfluo.
Según vamos recorriendo la exposición, su obra nos desvela un trabajo de continua exploración y de posibilidades con la materia. «Su domino del dibujo encuentra en estos materiales una excelente herramienta expresiva de gran potencial estético; juega con las superposiciones para crear un cromatismos lleno de transparencias, un capeado de tiras de cintas adhesivas de papel que luego pinta fragmentando los colores como una composición constructivista que conforma un todo».
La exposición se puede visitar hasta las 14.00h del día sabado 17 de abril en Espacio Mados. Calle Conde de Xiquena 12.
Visita a la feria de arte SAM Salón de Arte Moderno.
Esta nueva feria de la Semana del Arte apuesta por acercarse más a los amantes del arte y por la formación de nuevos coleccionistas.
Nos ha encantado esta feria, dirigida esencialmente al coleccionismo, si la visitas disfrutaras, te encontraras con obras de grandes creadores de la historia del arte contemporáneo, con piezas dignas de admirar en un gran museo, de artistas como Dalí, Picasso, Léger, Chagall, Calder, Lempicka, Miró, Tàpies, Saura y Chillada. También podrá disfrutar de obras de creadores contemporáneos que ya cuentan con su espacio en la Historia como son Jaume Plensa, Miquel Barceló o Rafael Canogar, Manolo Valdés entre otros.
Según los organizadores, la iniciativa de esta celebración surge a raíz de la petición de galeristas y coleccionistas en un momento en el que se percibe un fuerte interés hacia el arte moderno.
Hasta el 18 de abril se podrá visitar la tercera edición de SAM – SALÓN DE ARTE MODERNO en la calle Velázquez 12 de Madrid. Con más de 300 obras pertenecientes a los grandes maestros del s. XX que han escrito y que están escribiendo la historia del arte.
Granada alberga del 22 de marzo al 20 de junio el proyecto ‘INGOYA‘, una iniciativa que pretende sumergir al visitante en el mundo del pintor aragonés a través de 150 trabajos de una forma totalmente diferente a la de presenciar un cuadro en una sala de arte.
#INGOYA es una experiencia inmersiva y multisensorial, en la que se proyectan más de 1.000 imágenes de cuadros de Francisco de Goya acompañadas de una banda sonora con la música de los grandes maestros clásicos españoles como Albéniz, Falla, Granados o Boccherini. Es una exquisita forma de guiarnos con los sentidos a través de la proyección de la obra de Goya.
Este impactante despliegue de tecnología punta muestra la obra del maestro aragonés a través de 40 proyectores de alta definición, exhibiendo más de 1.000 imágenes sobre 35 pantallas gigantes de cinco metros de altura. Desde el inicio de la visita y hasta el final, el público se verá rodeado por una poderosa y vibrante sinfonía de luces, colores y sonidos sin antecedentes. Una forma intuitiva y emocionante de impregnarse de la obra de este maestro.
Presentación de la exposición inmersiva INGOYA en el palacio de congresos de Granada Lunes 22 de marzo del 2021 Granada, Andalucía, España. Foto Antonio L Juárez
La capital granadina será la primera sede de este gran evento precisamente en el año en el que se celebra el 275 aniversario del nacimiento del pintor.
La exposición está ubicada en el hall del Palacio de Exposiciones y Congresos de Granada hasta el 20 de junio; de lunes a domingo en horario de 10h a 14 h y de 16h a 22h y sus contenidos están adaptados para todos los públicos.
El arte como testimonio visual del paisaje vivido y experimentado
«Ondas» Ginebra 2010 – Acuarela sobre papel. – 25 x 21cm
La obra de Ángel está presente en varias ciudades del mundo y ahora, también en dos nuevas exposiciones que va a poder verse en Madrid y Miami.
Si bien, la pandemia mundial ha tenido un poco paralizado los eventos expositivos, eso no ha sido impedimento alguno para el artista que en estos momentos participa en dos muestras de arte celebrados ambos en el mes de diciembre.
Ángel nos muestra una selección de obras sobre papel que forman parte de distintas colecciones y etapas como testimonio visual de un recorrido por diferentes ciudades. Veremos un trabajo que encierra sentimientos y reflexiones del paisaje vivido y experimentado, convirtiendo cada obra en un hecho intimo; expresiones silenciosas que nos llega a través de emocionantes medios que incluye el dibujo, la acuarela, collages, fotografías intervenidas con tinta y grafito, e impresiones de serie limitada.
«Night swimmer » – Tinta gris y roja sobre papel . «Un tiempo en Suiza» Tinta gris y azul sobre papel 14x10cmt. Madrid.2015
En Madrid lo podemos ver en la exposición colectiva que la galeria Eka & Moor ha organizado por Navidad, un Concept-Store de pequeñas obras y objetos de arte dirigida al regalo creado por artistas, diseñadores y arquitectos, y que se podrá visitar hasta el 19 de diciembre. C/ Bretón de los Herreros 56)
En Miami, Ángel esta presente con dos obras en la exposición internacional que se celebra en Victorius art gallery en Fort Lauderdale, Florida.
Se inauguró el día 5 de diciembre y se podrá visitar hasta el 21 del mismo mes.
“Between lines and sounds” (London 2009) – Mixed media, collage, graphite, photography on paper – 17 x 12 cm.
“Red, Red, Moon” (Ginebre 2010 – Mixed media, collage, graphite, photography on paper – 8 x 8 x 2 cm.
Si os encontráis por Miami, merece la pena visitar la exposición y disfrutar en directo de la obra de Angel, su trabajo es de un rico lenguaje visual, nos descubre paisajes, articula historias y estimula el diálogo entre el espectador y la obra.
espacio y contenido 